Temáticas y Técnicas Artísticas

1. TEMÁTICAS Y TÉCNICAS Autor: Luis Gerardo Chávez Godínez El estudio de la naturaleza de la obra artística requiere que observes el funcionamiento de la misma como si fuera una criatura con vida propia; independiente del autor, con una estructura formal hecha de signos entremezclados y una temática; trasfondo psico-social, o contenido emocional e ideológico; íntimamente enlazado al complejo estructurado de signos, que el creador elaboró valiéndose de técnicas diversas. Interpretar los significados y encontrar la sintonía con el proyecto creativo del autor es una labor difícil, cuyo éxito depende de tu nivel de competencia como receptor (de tu sensibilidad y tus capacidades para descifrar el mensaje codificado). Para objeto de análisis, se acostumbra designar a estos componentes separados de la manifestación artística con el nombre de forma y fondo o contenido. El riesgo que conlleva la separación tajante de estos dos aspectos es que llegues a pensar en la estructura formal como un mero recipiente. A la manera de un vaso, una copa o un cubo, dentro del cual puede caber cualquier clase de sustancia; y que en último término el contenedor puede desecharse, pues lo que interesa es ingerir el contenido. Pero esta noción es absurda y equívoca, ya que a la manifestación artística la tienes que “engullir” completa. Cada mínimo aspecto de la forma está impregnado de significados indistinguibles, que deberás ir sumando en la lectura global, los cuales cambian de sentido si se extraen o se consideran fuera de la obra en sí. Desde este punto de vista, la temática, las ideas abstractas; contenidos emocionales, ideológicos, socioculturales y demás, que pueden estar presentes en el producto artístico, forman parte del sistema total que compone su estructura. Pueden llevarte a formular ciertas expectativas o a extraer ciertas conclusiones, ya que tu mente, como sujeto contemplador, relaciona dichos elementos entre sí y los hace interactuar de manera dinámica. Al interior de la obra, el tema y las ideas se convierten en algo diferente a lo que podrían ser en el mundo exterior. Constituyen un universo particular, nuevo y distinto del real, con el cual juega y se divierte, o sufre y se exaspera el artista, buscando la complicidad tuya como espectador. EL PROTOPLASMATe voy a arrancar los ojos como a una vaca y me voy a hacer un licuado pa' que me veas desde el fondo del fondo del vaso, pa' que me veas. Licuados tus ojos, licuado tu amor. Te voy a cortar la lengua, pa' que no digas que no sabes, que no supistes, que ni sospechas que en el fondo del fondo del fondo de la garganta. Cortada tu lengua, cortado tu amor. Te voy a chupar todo el protoplasma, todo el protoplasma te voy a chupar. A ver qué haces sin protoplasma, a ver... Te voy a arrancar los pelos, nomás por celos, y te voy a dejar pelona como pelota. Pelo a pelo y a veces te voy a arrancar mechones, nomás un ratito te voy a pelar. Te voy a arrancar el alma con mucha calma y me voy a hacer un tapete, para pisarla. Desde el fondo del fondo de mi alma, para pisarla si algún día me dejas, me dejas de amar. ¿Qué vas a hacer? Sin ojos, sin lengua, sin pelos, sin alma y aparte...sin mí. «La representación artística es un espacio dentro del cual respira la vida entera del cosmos... En cada palabra que escribe el poeta y en cada criatura de su imaginación incide la totalidad del destino humano, todas las esperanzas, ilusiones, pesares, alegrías, grandezas y miserias, el drama entero de la realidad, que se desarrolla y crece por sí mismo interminablemente, sufriendo y regocijándose...». Escucha y analiza la letra de la canción “El protoplasma” de Liliana Felipe, interpretada por Regina Orozco. No puedes tomar en serio y de manera textual la sucesión de salvajadas que alguien se propone realizar a la persona amada. Al oírla debes instalarte en actitud de juego y tomar partido a favor o en contra del artista, respecto a las emociones violentas que puede desencadenar un amor no correspondido. La canción va construyendo un mundo particular, donde el sadismo es una forma permitida de expresión para desahogar las emociones.Violencia que resulta impensable en la vida real, a menos que el protagonista fuera un asesino serial. De ahí puedes concluir que la canción refiere la temática del amor malentendido; el afán de posesión de una persona por la otra, el amor loco, la inseguridad y los miedos que derivan de una pasión amorosa desmedida. Este sería el fondo, o contenido de la obra, es decir la idea; sensación, percepción emocional, opiniones o valores socioculturales en que está sustentada la composición, los cuales te son transmitidos a manera de mensaje global. Una cosa diferente es la trama, relacionada con la manera en que se va desarrollando la temática, fácil de detectar en las obras propiamente narrativas. En este caso la trama nos cuenta los distintos momentos en que el amante amenaza con destrozar los ojos, la lengua, el protoplasma, los pelos y el alma del ser amado, en el supuesto de que éste dejara de corresponder a su amor. Ten cuidado, entonces, de no confundir el tema (el qué de la obra) con la trama (el cómo de la misma), pues aunque ambos aspectos van íntimamente ligados, esta última es el puente que conecta con la forma, la manera en que se expresa la obra, que en este caso es a través de versos cantados con un fondo musical. De tal suerte, los elementos formales, estrictamente hablando, son signos materiales, diversos según el arte de que se trate, que utiliza el creador para la realización de una manifestación artística. Pero los signos en sí mismos, ya sean imágenes, sonidos, palabras, gestos, movimientos y demás, por mucho que se combinen y se acumulen en una expresión cultural, no adquieren el carácter artístico, a menos que cumplan con una función estética. Es decir, la comunicación tiene que rebasar la simple denotación, la referencia directa, para ingresar al ámbito de la connotación, o el desplazamiento de significados, a través del uso de la función poética de los lenguajes, la cual, desde luego, no es exclusiva del lenguaje literario. Puedes observar con claridad el efecto connotativo o poético en la canción analizada, si consideras la manera en que funcionan las imágenes destructivas que expresan cada uno de sus versos. Por ejemplo, cuando la compositora dice “te voy a chupar todo el protoplasma”, imaginas una célula a la que le exprimen toda la sustancia interior, y la dejan exánime, sin vida. Luego estableces la comparación y relacionas a la persona amenazada con una oveja indefensa que va a sufrir el ataque de una fiera despiadada que la dejará sin sangre, como el legendario chupacabras. Por último, yendo más lejos, te imaginas un vampiro espiritual o psicológico, que ataca a la víctima y extrae su energía vital, la fuerza o el ánimo para existir. Todas estas asociaciones o extrapolaciones mentales que uno realiza gracias a la ambigüedad de los lenguajes artísticos, representan un aspecto fundamental del juego del arte, en el cual, si pones suficiente atención, puedes quedar enganchado y maravillado. «Un mensaje codificado artísticamente, asume la función poética (o estética) cuando es a la vez ambiguo y capaz de “autofocalizarse”, esto es, de atrapar la atención por sus propias virtudes, como si se tratara de una especie de espiral hipnótica que arrastra a su interior. La ambigüedad poética es definida como algo que sucede cuando las “reglas del código son violadas”. En otras palabras, el lector o el espectador están inseguros de lo que ocurre al interior de la obra y de cómo deben interpretarla. La interpretación “literal” que uno haría en circunstancias normales se desplaza radicalmente hacia una lectura inusitada, sorpresiva y desconcertante, desplazamiento que el propio texto, en su magia particular, obliga al lector a realizar. Las obras con ambigüedad estilística se apartan de la creación típica, de las prácticas usuales de estructuración, es así que terminan por llamar poderosamente la atención del receptor». «Debido a la violación de normas creativas que genera ambigüedad y un efecto de atracción poderosa, el texto artístico induce a una prolongada atención y curiosidad, por lo que inicia un proceso circular que obliga al receptor a concentrarse en detalles cada vez más finos de la obra, lo que termina por absorber completamente al lector en los pormenores de su desconstrucción y en el esfuerzo por desentrañar los significados ocultos, abandonándose a los placeres del reconocimiento o cuando menos al juego de las formas. Esto último sucede debido a que en el arte los signos no siempre tienen necesidad de significar, ya que muchas veces sólo se representan a sí mismos, es decir que se juega con la ruptura entre el signo y los elementos referentes, se juega con la polisemia –el exceso de connotaciones–, y entonces, de ninguna manera es forzoso alcanzar significados precisos, ya que la sensación de diferir sin fin el resultado, en el caso del arte, lejos de ser frustrante, es suficiente para provocar el efecto estético, satisfacer el hambre espiritual y propiciar un estado de catarsis». A fin de que los elementos formales de una manifestación artística se integren de manera adecuada en el conjunto, se requiere del dominio de una serie de técnicas, que comprenden tanto los procedimientos y materiales utilizados por los creadores para el diseño y construcción de la obra, como el manejo de los códigos propios del lenguaje artístico implicado. Dichas técnicas representan una cantidad y variedad tan grande como el número de las expresiones artísticas existentes; de los géneros, de los estilos y aún de las personalidades de cada artista; del ingenio creativo y del toque particular que el autor, los colaboradores, en su caso, e incluso las incidencias del azar confieran a cada obra específica. De manera muy escueta, como especie de muestrario, te presentamos a continuación una lista de procedimientos o técnicas creativas utilizadas en algunas de las artes visuales, auditivas y mixtas. DibujoMétodo: Observación del modelo, apuntes de líneas estructurales, contornos y masas, incorporación de detalles.Sobre papel, telas, pergaminos, paredes, objetos, etc.Realizados al lápiz, carboncillo, crayón, tinta, etc.PinturaProcedimiento apoyado en el dibujo, mediante el uso de bocetos previos, sobre diversas superficies y con muy variadas técnicas.Fresco: Pigmentos de origen mineral sobre un muro con revoque de yeso.Encáustica: Pigmentos mezclados con cera o resina caliente.Temple: Pigmentos mezclados con un aglutinante como el huevo sobre un lienzo.Óleo: Colores disueltos en aceites secantes, de secado lento.Acuarela: Colores mezclados con goma arábiga, solubles en agua.Grabado o EstampaDiseño sobre una placa sólida que se entinta y estampa sobre papel o tela, lo que permite un cierto tiraje (número determinado de copias).En relieve: Tallado de la imagen que sobresale a la superficie, sobre un bloque o taco de madera (variantes: fibra y contrafibra).En hueco: Las líneas de la imagen están incisas sobre una plancha de madera o metal (variantes: talla dulce, aguafuerte, aguatinta, punta seca y media tinta).Planográfico o litografía: La imagen se crea sobre la superficie de una piedra o lámina sin cortar ni hacer incisiones, mediante un proceso basado en la incompatibilidad entre la grasa y el agua.Monotipia: Impresión única, producto de un dibujo en óleo, acuarela o tinta sobre vidrio, lámina de cobre o porcelana.Estarcido: Recortado de la imagen sobre una hoja de papel duro (plantilla).Serigrafía: Estampado sobre seda dibujada con agentes bloqueadores.EsculturaTalla directa: Desbastado de la masa del material (piedra o madera).Modelado: Añadir o elaborar formas utilizando materiales blandos y flexibles como la cera y la arcilla. Esta última se puede solidificar mediante cocción.Vaciado: Fundición de un metal como el bronce dentro de un contenedor o molde.Construcción y ensamblado: Unión de diversas partes prefabricadas.MúsicaTécnicas de composición: Pueden auxiliarse de la notación musical, sistema de símbolos escritos que representan sonidos musicales, o bien de forma lírica, cuando el compositor canta o se apoya en un instrumento. Se puede enriquecer en la improvisación, sobre la base de una estructura previa, de ciertas notas o acordes.Técnicas de interpretación: Muy diversas, de acuerdo al tipo de instrumento musical. En el canto, por ejemplo, es importante el control de la respiración, de la relajación o tensión del cuerpo, el uso de labios, lengua, dientes y paladar para articular y resonar los sonidos, el cuidado de la entonación o afinación, de la gama de registros agudos o graves. En los instrumentos de cuerda, la correcta posición de los dedos sobre las cuerdas y el rasgueo o frotamiento con el arco. En los instrumentos de viento, la modulación del sonido mediante la combinación de técnicas digitales y de respiración, etc.LiteraturaEn poesía: Uso de las palabras con disposición rítmica y relaciones de equivalencia entre sonidos e imágenes. Incluye manejo de la versificación, el uso de la métrica, la rima y los acentos rítmicos, así como eventualmente de las formas estructurales clásicas como el haiku y el soneto y las figuras retóricas como la metáfora, etc.En prosa: Uso extenso de un amplio vocabulario para la descripción de ambientes, personajes, pensamientos, sentimientos y acciones. Conocimiento de las características de cada género (cuento, novela, ensayo, dramaturgia), así como de los componentes estructurales clásicos (planteamiento, conflicto, desarrollo, elipsis, clímax, desenlace, conclusión), o bien del manejo creativo de estructuras no convencionales (antinovela, ausencia de clímax, juegos con el tiempo narrativo, mezcla de géneros, etc.)CinePreproducción: Métodos de elaboración de sinopsis y argumentos, del guion literario y del guión técnico, del “story-board” (guión dibujado). Procesos de registro de requerimientos, acopio de recursos materiales y humanos. Elaboración del plan de rodaje.Producción: Técnicas fotográficas, uso de la cámara y aditamentos para movilidad, grúas, rieles, equipos de iluminación. Técnicas de sonorización, uso de micrófonos y equipos de grabación. Técnicas escenográficas para el diseño de ambientes y el uso de utilería, vestuario y efectos especiales. Técnicas actorales. Técnicas específicas de rodaje para el cuidado de la continuidad y la programación de las escenas filmadas.Postproducción: Procedimientos de revelado o registro digital. Métodos de edición o montaje visual y sonoro. Procesos de distribución y comercialización. A reserva de las acotaciones previas que dan cuenta de la enorme diversidad de métodos utilizados para la creación, se pueden esquematizar las siguientes etapas generales del proceso creativo: Contemplación y análisis de la realidad externa y de la propia experiencia de vida. Gestación de la idea creativa y visualización de modelos, estructuras o esqueletos tentativos de la obra. Diseño y elaboración del fundamento de la manifestación (bocetos, planos, borradores, partituras, guiones, coreografías, entre otros). Realización concreta de la manifestación que será expuesta al público (lo que puede incluir acopio de recursos materiales y humanos, ejercicios previos, afinación, edición o terminado de la obra). Gestión de los mecanismos necesarios para la exposición y la comercialización. Lo más importante, en todo caso, al margen del dominio de la habilidad técnica necesaria para llevar a cabo el procedimiento creativo, consiste en la persistencia en la disciplina de creación, el desarrollo del ingenio, la capacidad de observación y de síntesis de los fenómenos de la realidad humana, que permitan elucubrar ideas creativas interesantes, así como modelos estructurales apropiados que conduzcan a la concreción de dichas ideas. Pese a que los artistas dotados, y también los de escaso talento, suelen manejar el discurso de que construyen sus obras por un impulso inevitable, el resultado de su destreza y de su eventual genialidad, no puede medirse por su entusiasmo o sus buenas intenciones. Muchas veces, la ejecución lograda ni siquiera es producto tan solo de su voluntad consciente, ya que intervienen otras fuerzas misteriosas del “yo” más profundo del artista, que tal vez se conecta con el “alma del mundo” o la “mente universal”. En último término, será la respuesta del público y, a largo plazo, el juicio de la conciencia colectiva, quienes darán cuenta de la calidad de una creación artística, en la medida que la complejidad de su estructura significativa admita una gran diversidad de lecturas, que haga mantener su vigencia, es decir, su influencia propositiva a nivel individual y social, por un largo periodo.