El documento describe la Galería de los Uffizi en Florencia, uno de los museos de arte más importantes del mundo. Fue construido originalmente en 1560 como oficinas gubernamentales pero los Médicis comenzaron a albergar su colección de arte allí en el siglo XVI. A través de los siglos, la colección creció para incluir obras maestras del arte gótico, renacentista y barroco de artistas como Giotto, Botticelli, Leonardo da Vinci, Rafael y Michelangelo.

1. GALERÍA DE LOS UFFIZI.

2. GALERÍA DE LOS UFFIZI
FLORENCIA
Transición manual

3. Galería de los Uffizi. Florencia.

4. GALERÍA DE LOS UFFIZI
El Museo de los Uffizi o la Galería de los Uffizi, situada en el Piazzale degli Uffizi, es uno de los museos de
pintura y escultura más célebres del mundo. Grandes obras de los principales pintores de la historia del arte se
exhiben en sus salas.
La construcción del palacio de los Uffizi fue comenzada en 1560 por Giorgio Vasari siguiendo órdenes de
Cosme I de Médicis. Su finalidad inicial era albergar las oficinas de las magistraturas florentinas, una vez que se
quedó pequeño el Palazzio Vecchio. De esta función deriva su nombre de «Galería de los Oficios». Las obras
terminaron en 1581.
Cosimo I de Médicis ya consideró el proyecto de destinar a museo el tercer piso del soberbio edificio, pero el
mismo fue llevado a cabo por su hijo Francesco I.
Éste encargó al prestigioso arquitecto, ingeniero y pintor Bernardo Buontalenti la construcción de la galería
interior de las “Tribune” para albergar algunas obras de arte procedentes de la colección de los Medici, así como
su valiosa colección de condecoraciones antiguas. Buontalenti construiría también un gran patio escénico en el
que, en 1586-87, se organizaron festines fabulosos, así como representaciones teatrales dirigidas por el propio
Buontalenti, quien diseñaría también el vestuario de los actores .

5. Más de un siglo después, Cosimo III, Gran Duque de Toscana entre 1670 y 1723, amplió la Galería para alojar la
colección artística de sus ancestros y las obras de arte que había heredado de su tío, el Cardenal Leopoldo.
En 1737, el último miembro de la familia Medici, Anna Maria Ludovica, impartió instrucciones para que todas las
obras de arte coleccionadas por la dinastía de los Medici quedaran albergadas en la Galería de los Uffizi, a
disposición de los amantes del arte del mundo entero durante su estancia en Florencia.
En 1782, se clasifica por primera vez la colección de los Medici en la Sala de Pintura Antigua. En 1919, se
reordena la misma para ofrecer a los visitantes una disposición más orgánica.
La Galería de los Uffizi conserva las mejores obras de arte del período renacentista existentes en el mundo. La
familia Medici, que gobernó la ciudad durante siglos, fue incrementando y mejorando su colección con obras de
artistas famosos que venían a Florencia. El museo alberga también obras de arte del período gótico.
El principal museo florentino, y uno de los 10 más importantes del mundo, es una soberbia colección de
escultura y pintura de los siglos XIII al XVIII de autores italianos y europeos.
Se considera también el museo más antiguo del mundo ya que era visitable desde 1591.

6. Característica forma en U del Palacio Uffizi, visto desde la Piazza della Signora

7. ESCUELA DE FLORENCIA
SIGLOS XIII Y XIV. GÓTICO.

8. Crucifijo con Escenas de la Pasión. Maestro del San Francesco Bardi.

9. Crucifijo con escenas de la Pasión. Maestro del San Francesco Bardi. Escuela de Florencia.

10. Escenas de la vida de santa Cecilia. Maestro de Santa Cecilia. 1304.

11. La Virgen y el Niño en majestad, con San Bernardo, San Juan Bautista y cuatro ángeles;
San Francisco recibiendo los estigmas; dos santos; la Crucifixión. Jacopo del Casentino.

12. Detalle
“La Madonna de Santa Trinitá”. La Virgen entronizada, con
ángeles y cuatro profetas.
Cimabue (Cenni di Pepo). 1260.

13. La Virgen y el Niño con San Nicolás, San Juan Evangelista, San Pedro y San Benito. Giotto di Bondone.

14. Detalle
“Madonna Ognissanti.” Virgen entronizada.
Giotto di Bondone. 1310.

15. La Coronación de la Virgen con los Profetas y los Santos.
Jacopo di Cione.

16. ESCUELA DE SIENA
SIGLOS XIII Y XIV. GÓTICO.

17. La Presentación en el Templo.
Ambrogio Lorenzetti. 1342.

18. La Anunciación. Simone Martini y Lippo Memmi. 1333.

19. Madonna Rucellai. También conocida como
"Virgen entronizada con el niño y seis ángeles".
Duccio di Buoninsegna. 1285

20. Virgen entronizada rodeada de ángeles. Pietro Lorenzetti. 1340.

21. La Virgen con el Niño.
Niccolo di Ser Sozzo.

22. GÓTICO INTERNACIONAL
SIGLOS XIV Y XV

23. La Coronación de la Virgen. Piero di Giovanni. 1413-1414.

24. La Adoración de los Magos. Piero di Giovanni. 1421-1422 .

25. La Adoración de los Magos.
Gentile di Niccolo. 1423.

26. Cuatro Santos del Políptico Quaratesi. Gentile di Nicolo. 1425.

27. GÓTICO FLAMENCO.
SIGLO XV.

28. Tríptico Portinari. Hugo van der Goes. Uno de lo trípticos más famosos del flamenco. En la tabla izquierda, San Antonio y
Santo Tomás. Más abajo, Portinari y sus dos hijos en actitud orante. En la tabla derecha, al fondo, los Reyes Magos
llegando al portal. Al lado, Santa Margarita y María Magdalena con sus símbolos respectivos, el dragón y un frasco de
ungüento. Abajo, también en actitud orante, la mujer de Portinari y sus dos hijas. En la tabla central se representa la
adoración del Niño por los pastores. 1473-1475.

29. DETALLES
Tríptico Portinari.Panel izquierdo.
Tríptico Portinari.Panel derecho.

30. Lamento por Cristo muerto.
Rogier de la Pasture van der Weyden. 1450.

31. La Virgen con el Niño y dos ángeles.
Hans Memling. 1480.

32. Retrato de Benedetto Tommaso Portinari.
Hans Memling. 1487.

33. Retrato de un hombre joven.
Hans Memling. 1490.

34. Retrato de un hombre joven con paisaje al fondo.
Hans Memling.

35. GÓTICO - RENACIMIENTO
SIGLOS XIV Y XV

36. Coronación de María. Fra Angélico.1434-1435.

37. La Coronación de la Virgen. Fra Filippo Lippi. 1441-47.

38. La Virgen en majestad con cuatro santos. Fra Filippo Lippi. 1442.1450.

39. La Virgen con el niño.
Jacopo Bellini. 1450.

40. Virgen con el niño. Fra Angélico. 1450.
La Virgen de la Humildad. Masolino da Panicale. 1415.

41. Dante Alighieri. Andrea del Castagno. 1450.
Giovanni Boccaccio.
Andrea del Castagno.. 1450.

42. Francesco Petrarca.
Andrea del Castagno. 1450.
La Sibila Cumea.
Andrea del Castagno. 1450.

43. La Virgen con el Niño y escenas de la vida de Santa Ana. Fra Filippo Lippi. 1452.

44. La Adoración del Niño con San José, San Jerónimo, María Magdalena y San Hilario.
Fra Filippo Lippi. 1453.

45. La Batalla de San Romano. Paolo Uccello. 1456.

46. La Circuncisión. Andrea Mantegna. 1460.
Ascensión. Andrea Mantegna. 1460.

47. La Virgen y el Niño, entre dos ángeles.
Fra Filippo Lippi. 1464.

48. Retrato de los duques de Urbino. Piero della Francesca. 1465-1466.

49. Virgen de la galería (Madonna della loggia).
Sandro Botticelli . Su nombre
verdadero era Alessandro di Mariano di Vanni
Filipepi. 1467.

50. Virgen con niño y Santos. Botticelli. 1467. 1470.

51. Virgen con Niño en Gloria. Sandro Botticelli. 1469-70.

52. El Regreso de Judith a Betulia. Sandro Botticelli.
1470-72.
Descubrimiento del cuerpo de Holofernes.
Sandro Botticelli. 1470-72.

53. La Adoración de los Magos. Sandro Botticelli. 1470-75.

54. La bella Simonetta. Sandro Botticelli.
1475.
Retrato de un hombre con medalla de Cosme el
Viejo. Botticelli. 1475.

55. La Primavera. Sandro Botticelli. Hacia 1476.

56. LA PRIMAVERA
La primavera es una de las obras maestras del pintor renacentista Sandro Botticelli. Está realizado al temple
sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho.
La interpretación clásica y más generalizada es la de Adolph Gaspary y Aby Warburg en 1888. Describe las
figuras del siguiente modo, partiendo de la izquierda:
Mercurio. El dios queda identificado por el calzado con alas y por el caduceo usado para separar serpientes y
hacer la paz (Botticelli ha representado las serpientes como dragones alados); con su yelmo y su espada,
parece claramente el guardián del jardín de Venus. Viste ligeramente con un manto rojo cubierto de llamas, que
cae de forma muy asimétrica, lo cual se consideraba un rasgo típico de la Antigüedad y ya era una indicación de
que se estaba representando una escena mítica.
Las tres Gracias. Servidoras de Venus, dedicadas a una graciosa danza, están representadas como tres
jóvenes casi desnudas y luciendo peinados elaborados y diversos. El cabello suelto sólo podían llevarlo las
jóvenes solteras. Se las ha llamado Gracias porque de esa forma, danzando en corro, se las representó en el
arte grecorromano. Las Gracias parecen ser retratos de personas existentes en la época y conocidas del
pintor: por ejemplo, la Gracia de la derecha es Caterina Sforza. La del medio debe ser Semiramide Appiani,
mujer de Lorenzo il Popolano, el cual a su vez estaría representado como Mercurio, hacia el que mira
Semiramide. La de la izquierda sería Simonetta Vespucci, prototipo de belleza botticelliana.
La hipótesis más acreditada referente a estas tres jóvenes es que la de la izquierda, de cabellos rebeldes,
representa la Voluptuosidad (Voluptas), la central, de mirada melancólica y de actitud introvertida, la Castidad
(Castitas), y la de la derecha, con un collar que sostiene un elegante y precioso colgante y un velo sutil que le
cubre los cabellos, la Belleza (Pulchritudo).

57. Venus. Se encuentra en el centro del cuadro y sirve de eje a la composición, volviendo ligeramente la espalda al
resto de figuras. En torno a su cabeza se aclara la arboleda, formando una especie de aureola. Está
representada como una Madona, con el cabello cubierto por cofia y velo, como una mujer casada. Viste una
camisa larga y, por encima, vestido y manto, que cae de forma asimétrica, como el de Mercurio. El vientre
prominente era considerado gracioso, y un signo de elegancia era colocar la mano sobre una tela, para
evidenciar su belleza. Es el centro no sólo físico sino también moral de la obra, en sus dos aspectos de Venus
Urania y Venus Genitrix, fuerza creadora y ordenadora de la Naturaleza, que hace nacer y crecer a todos los
seres vivos.
Cupido. Vuela sobre la cabeza de la figura central. Se dedica a lanzar dardos hacia una de las Gracias.
Flora. Es la única del grupo que mira directamente al observador y parece que intenta esparcir sus flores por el
exterior de la escena. Destaca también por su sonrisa, pues es infrecuente en la pintura renacentista, en
particular en Botticelli, cuyas mujeres (y así se ve en sus numerosas Vírgenes con Niño) están siempre serias,
abstraídas.
La ninfa Cloris. De su boca salen las flores primaverales que Flora recoge en su vestido transparente.
Céfiro. Dios del viento benigno representado con colores fríos mientras busca el amor de la ninfa. Sopla la
dulce brisa que hace posible la primavera.

58. La Primavera. Sandro Botticelli. Hacia 1476.

59. Alegoría de la abundancia. Botticelli. 1480.
Ángel. Botticelli. 1485.

60. La Anunciación. Pintura mural desprendida. Sandro Botticelli (Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi). 1481.

61. Virgen del Magnificat también conocida como Virgen con el Niño y cinco ángeles. Sandro Boticelli. 1481.

62. Palas y el centauro. Sandro Botticelli. 1482

63. El nacimiento de Venus. Sandro Botticelli. 1484.

64. EL NACIMIENTO DE VENUS
Según cuenta la leyenda, Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo
Crono y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el
momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una
de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el
soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.
A la izquierda aparecen los primeros dos personajes de la obra. Uno de ellos es Céfiro (Dios del viento del
oeste); a su lado está Cloris (que significa pálido). Céfiro y Cloris, fuertemente abrazados simbolizan la unión de
la materia y el espíritu. A su alrededor caen rosas, flores que según la leyenda después se convertirán en seres.
El centro de la composición está ocupado por la diosa Venus sobre una concha que flota en un mar verdoso.
Tiene la actitud de una Venus púdica: una mano sobre el pecho y otra sobre el sexo. Cubre con sus largos y
rubios cabellos sus partes íntimas, aunque la larga cabellera, colocada en la entrepierna, acaba recordando al
vello púbico, cuya representación estaba prohibida. El cabello es un ornamento eminentemente erótico; Botticelli
lo pinta con largos arabescos que rozan la anatomía de la diosa con una delicada caricia. Con su brazo derecho
trata delicada y casi inocentemente de taparse sus pechos. Su postura curvilínea sigue siendo propia del gótico.

65. La postura, con todo el peso en la pierna izquierda y el pie derecho un poco atrasado y ligeramente levantado,
se considera una actitud inspirada en las estatuas antiguas en particular las del helenismo. Se representa, sin
embargo, al prototipo de belleza botticelliana semejante a la que aparece en La calumnia de Apeles; se cree que
en esta Venus pudo representar a Simonetta Vespucci. El rostro recuerda al de las vírgenes de Botticelli: muy
joven, de boca cerrada y ojos claros. Su expresión melancólica es impropia de la Antigüedad asociándose más
bien a la expresión de una bondad de raigambre cristiana. La piel de Venus es de color marfil, un blanco con una
ligera tonalidad amarillenta y con ocasionales matices rosa. Esta tonalidad no recuerda a la piel, no sugiere
carne tibia y flexible, sino la superficie y la firmeza de una estatua.
Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales
dimensiones: el desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el
Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino
que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus
sustituye a la Virgen, expresando una fascinación hacia la mitología común a muchos artistas del Renacimiento .
Una de las Ninfas espera a la diosa en la playa para cubrirla con un manto rojo con motivos florales. Se cree que
se trata, específicamente, de la Primavera, la estación del renacer. Lleva un traje floreado: es blanco y está
bordado de acianos. Un cinturón de rosas rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto,
planta sagrada de Venus y símbolo del amor eterno. Entre sus pies florece una anémona azul.
El que la ninfa tape con su manto a la diosa es señal de que los misterios de Venus, como los del conocimiento,
se encuentran ocultos.

66. El nacimiento de Venus. Sandro Botticelli. 1484.

67. La Adoración del Niño. Sandro Botticelli. 1485.

68. La Virgen de la Granada. Sandro Botticelli. 1485-87.

69. Pala de San Bernabé. Representa a la Virgen en el trono con el Niño y los santos Catalina de Alejandría,
Agustín, Bernabé, Juan Bautista, Ignacio y Miguel Arcángel. Sandro Botticelli. 1487.

70. Cristo en el sepulcro. Sandro Botticelli. 1487.

71. La Anunciación de Cestello (convento florentino). Sandro Botticelli. 1489.

72. Calumnia de Apeles. Botticelli.1495.

73. Virgen del jardín de rosas. Botticelli. 1469-1470
San Agustín en su estudio. Sandro Botticelli.
1490-95.

74. Virgen con el Niño y San Juan Bautista.
Sandro Botticelli. 1490-1495.

75. La coronación de la Virgen.
Sandro Botticelli. 1490.

76. La Virgen y el Niño con los ángeles y los santos. Matteo di Giovanni.

77. Adoración de los Reyes
Magos.
Andrea Mantegna. 1460.

78. La Virgen de las cuevas.
Andrea Mantegna. 1488-1490.

79. Retrato de Charles de Médicis.
Andrea Mantegna. 1459.

80. La resurrección de Lázaro. Nicolás Froment. 1461.
San Luis de Tolouse.
Bartolommeo da Murano Vivarini. 1465.

81. F I N
GALERÍA DE LOS UFFIZI. FLORENCIA (1)
IMÁGENES: Todas proceden de internet. Mi reconocimiento a sus autores.
MÚSICA: O vos homnes. Tomás L. de Vitoria.
REALIZACIÓN: Emilio Fernández
eferna@telefonica.net
http://eferna.blogspot.com/