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    1001 discos que debes escuchar antes de morir 1001 discos que debes escuchar antes de morir Presentation Transcript

    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 1001 discos que hay que escuchar antes de morir Como su nombre tiene a bien indicar, este libro es excelente además de interesante como referencia musical. Editado por: Robert Dimery, con Prefacio de Michael Lydon, seleccionado y escrito por 90 críticos de corte internacional. La lista se encuentra organizada de forma cronológica, abarcando producciones realizadas desde el año 1950 hasta el 2005, siendo este libro publicado en el 2006. ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 001. Frank Sinatra – In the Wee Small Hours (1955) Nuestra intención al igual que la obra impresa, más que una lista de los mejores 1001 discos, es dar a conocer los álbumes y sus cantantes que, a juicio de los críticos expertos, representan de mejor forma la música de los 55 años que comprende. Robert Dimery es autor y editor independiente. De entre sus libros destacan Tony Wilson’s 24 Hour Party People, Pump Up the Volume: A History of House, o Breaking Into Heaven: The Rise and Fall Of The Stone Roses. También ha trabajado en libros sobre álbumes y singles clásicos, y colabora revistas como Time Out y Vogue. Actualmente reside en Londres. Michael Lydon es especialista en música pop desde los años sesenta y fue editor fundador de la revista Rolling Stone. Ha escrito biografías de John Lennon y Paul McCartney y ha acompañado en sus giras a artistas como The Rolling Stones, B.B. King o Johnny Cash. Entre sus libros cabe destacar Rock Folk, Boogie Lightning, y Ray Charles: Man and Music, que se considera la biografía definitiva de este genio de la música. En 2003 publicó Flashbacks, una recopilación de sus escritos sobre rock. Trabaja regularmente con medios de comunicación, concretamente presenta programas de televisión y radio en Estados Unidos y el Reino Unido. Actualmente reside en Nueva York. Este fue el primer LP publicado por Frank Sinatra. Hasta la fecha todo habían sido singles y fue Sinatra quien empezó a popularizar este formato. Es un disco lleno de melancolía y tristeza por un amor perdido (se dice que el de de Ava Gadner). Tanto la portada como el contenido del disco se considera un clásico de clásicos y la crítica reconoce este trabajo como uno de los discos más importantes de la história. Y no hay que engañarse creyendo que para disfrutar de este disco 1
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ hace falta un imposible esfuerzo de adaptación, o que esta música es un gusto adquirido, imposible para un oyente habitual de pop o de rock o de menos de sesenta años. Esta es música adulta, sin duda, y que también se puede encontrar aquí en cantidades ingentes: emoción inabarcable y delicada belleza servidas con mucha sofisticación y algo de melodramatismo saludablemente excesivo. Sólo que aquí está mejor hecho que en ningún otro disco. Esta es la obra de un gigante y de un genio. Y aunque toda la vida hayas creído, equivocadamente otra cosa, se dice rectificar es de sabios. Este es el álbum más importante de la música popular del Siglo XX. 1. In the Wee Small Hours of the Morning 2. Mood Indigo 3. Glad to Be Unhappy 4. I Get Along Without You Very Well 5. Deep in a Dream 6. I See Your Face Before Me 7. Can't We Be Friends? 8. When Your Lover Has Gone 9. What Is This Thing Called Love? 10. Last Night When We Were Young 11. I'll Be Around 12. Ill Wind 13. It Never Entered My Mind 14. Dancing on the Ceiling 15. I'll Never Be the Same 16. This Love of Mine ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 002. Elvis Presley – Elvis Presley (1956) Elvis Presley es el álbum debut de Elvis Presley en RCA Records, con número de catálogo LPM 1254, que apareció en marzo de 1956. Fue grabado en los estudios de Sun Records en Memphis, en los estudios de Nashville de RCA a mediados de enero y en los estudios de Nueva York de RCA a finales de enero. Permaneció diez semanas en el número 1 de la lista Billboard Top Pop álbumes ese año. El 21 de noviembre de 1955, RCA Records compró el contrato de Elvis Presley a Sun Records por la cantidad de 35.000 dólares, gracias al ejecutivo de la RCA Steve Sholes. Presley y el rock'n'roll todavía no habían sido puestos a prueba en el negocio de la música, pero este álbum, junto con el número 1 que obtuvo el single "Heartbreak Hotel", demostraron el poder de ventas de ambos: fue el primer álbum de rock en llegar al número 1, y el primer álbum pop de RCA 2
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ que llegó a ventas millonarias. En 2003, la revista Rolling Stone lo catapultó a la posición 55 de su lista de 500 mejores discos de toda la historia. Presley había realizado tres apariciones en el show televisivo de los hermanos Dorsey ("The Dorsey Brothers Stage Show" el 28 de enero, 4 de febrero y 11 de febrero de ese mismo año, por lo que RCA quiso en aquel momento lanzar un álbum para poder rentabilizar sus apariciones en la televisión nacional y el éxito de su primer single en las listas pop, "Heartbreak Hotel". Al mismo tiempo, Elvis sólo había realizado dos sesiones de grabación para RCA. Esas dos sesiones sumaban 11 temas, algo insuficiente para poder vender un LP completo, dado que algunas canciones tenían potencial. En los años 50, era una práctica general que las canciones con gran potencial comercial fueran lanzadas como singles, mientras que el resto se dedicaban a completar LP's. La solución fue incluir cinco canciones inéditas contenidas en las cintas que Sun Records había entregado a RCA con el contrato de Elvis: "I Love You Because", "Just Because", "Trying to Get to You", "I'll Never Let You Go" y "Blue Moon". Estos temas fueron añadidos a otros siete de las sesiones realizadas para RCA con objeto de dotar al álbum de una duración aceptable. Como los temas de Sun eran la mayoría de estilo country, Elvis y RCA decidieron incluir los cortes con canciones recientes de rhythm and blues. Dos de ellas, "Money Honey" de Jesse Stone, que Elvis conocía por la versión de Clyde McPhatter, y el éxito de 1955 de Ray Charles "I Got A Woman", llevaban tocándose más de un año en los conciertos de Elvis. La tercera fue el anuncio frenético al mundo de la existencia de Little Richard en 1955, "Tutti Frutti". También se incluyó Un número rockabilly, "Blue Suede Shoes", que no salió inicialmente como single por la promesa que Steve Sholes hizo a Sam Phillips, propietario de Sun Records, de proteger la carrera de otro artista del sello, Carl Perkins, el autor de la canción. El 31 de agosto de 1955, RCA tomó la inusual decisión de lanzar el álbum completo en singles, junto con el nuevo sencillo de Elvis, "Shake, Rattle & Roll / Lawdy Miss Clawdy". El nuevo single no entró en lista, pero "Blue Suede Shoes", lanzado como single después de que la carrera de Perkins se hundiera debido a un accidente automovilístico, llegó al número 20 de las listas de singles. La portada está posicionada en el número 40 de la lista de Rolling Stone de las 100 mejores portadas de discos. La fotografía fue tomada en Tampa, Florida, el 31 de Enero de 1955. El diseño fue homenajeado por The Clash en la portada de su álbum "London Calling" (que se encuentra en el número 39 de la lista); otros homenajes incluyen "Rain Dogs" (1985) de Tom Wait, y "Reintamation" (2006) de k. d. lang. El álbum fue lanzado en compact disc en una edición extendida el 18 de mayo de 1999, y de nuevo el 11 de enero de 2005. Para la edición de 1999, el disco comenzaba con el single "Heartbreak Hotel" y su correspondiente cara B, seguida por el propio álbum, y finalizaba con cuatro bonus tracks tomados de otros sencillos de la época. La edición de 2005 situaba los bonus tracks al final del disco. El sello Follow That Dream, dedicado a los coleccionistas de la música de Elvis, lanzó el 15 de agosto de 2006 un doble compacto con el álbum, los bonus tracks y numerosas tomas adicionales. 1. Blue Suede Shoes 2. I’m Counting on You 3. I Got A Woman 4. One-Sided Love Affair 5. I Love You Because 6. Just Because 7. Tutti Frutti 8. Trying to Get to You 9. I’m Gonna Sit Right Down and Cry (Over You) 10. I’ll Never Let You Go (Lil’ Darlin’) 11. Blue Moon 12. Money Honey ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 3
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 003. Louvin Brothers – Tragic Songs of Life (1956) 1. Kentucky 2. I'll Be All Smiles Tonight 3. Let Her Go, God Bless Her 4. What Is Home Without Love 5. Tiny Broken Heart 6. In the Pines 7. Alabama 8. Katie Dear 9. My Brother's Will 10. Knoxville Girl 11. Take the News to Mother 12. Mary of the Wild Moor ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 004. Louis Prima – Wildest (1957) The Louvin Brothers (Ira y Charlie Louvin) se dieron a conocer en los años 40 y se sumaron al tradicional sonido country, siguiendo los pasos de The Delmore Brothers y allanando el camino a The Everly Brothers. Tragic Songs Of Life, su primer álbum, es una obra canónica del country. La voz de barítono de Charlie y el tono agudo de Ira se van intercalando y se fusionan con un estilo chispeante y una gracilidad embelesadora. La portada del disco, que muestra a Ira y Charlie superpuestos sobre una rubia que sostiene una carta arrugada entre sus dedos parece la portada de una novela barata. Y la verdad es que, para los hermanos Louvin, estas canciones marcadas por el pecado, la tragedia y la tentación eran todas muy reales. No había nada pretencioso o kistch en ellas, y las pulsiones autodestructivas de Ira le dieron al cancionero el filo cortante de los mejores cuchillos. 4
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ “Célebre cantante y trompetista de clubes nocturnos en los años 30 y 40, primero en Nueva Orleans y después en Nueva York, Prima se vio sin muchas oportunidades de trabajo en 1954. Con una nueva esposa, que también le acompañaba en el escenario -él tenía 43 años mal llevados y ella unos cándidos 22-, consiguió que le dieran una noche en el lounge del Sahara, en Las Vegas. Para completar la banda contrató a Sam Butera, un joven saxofonista de Nueva Orleans. Ell éxito fue inmediato y esta deslumbrante media hora, grabada en directo en el estudio en abril de 1956, fue la guinda del pastel. Los puristas del jazz a menudo desprecian a Prima, a quien consideran un Louis Armstrong a la italiana. Y quizá lo hacen por los tres hits de Satchmo que incluye el disco: “You Rascal You” y un meddley con la contenida “Basin Street Blues” más una versión de “When It’s Sleepy Time Down South” que no suena soporífera. Las críticas, de todos modos, no deben despistarnos: en este disco solo hay canciones irresistibles que están a la altura de la gloriosa portada. Prima suena de forma optimista, alborotada e irresistible y hace que la banda se recree en “Oh Marie”. Smith, además, embellece sistemáticamente las intervenciones del cantante. Butera y compañía, por su parte, les acompañan con el jump-jive más chispeante que se ha grabado nunca. Este sonido se ha imitado en muchas ocasiones. Brian Setzer hizo una versión calcada de “Jump, Jive, An’Wail” que fue utilizada en un anuncio de Gap. Butera, autor de los arreglos originales, dijo que fue remunerado con unos cuantos pantalones por el privilegio. Prima murió en 1978, pero su legado ha perdurado a través de su hija Lena, quien ha tocado recientemente en el Sahara, y del orangurán parlanchín de “El Libro de la Selva”, al que puso su voz. Sin duda algunam fue el rey de los swingers.” Will Fulford-Jones 1. Medley: Just a Gigolo/It Ain't Got Nobody 2. (Nothing's too Good) For My Baby 3. The Lip 4. Body and Soul 5. Oh, Marie 6. Medley : Basin Street Blues/When It's Sleepy Time Down South 7. Jump,Jive An' Wail 8. Buona Sera 9. Night Train 10. I'll be Glad When You're Dead, You Rascal You ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 005. Fats Domino – This is Fats (1957) Antoine «Fats» Domino nació en Nueva Orleans en 1928. Consumado pianista, toda su música está empapada de una alegría vital el sello propio de su ciudad natal. 5
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Muchos creen que el primer rock and roll de la historia fué su sencillo de 1949 «The fat man»,desde ese momento hasta finales de los 50, sus canciones llegaban fácilmente a los primeros puestos de las listas de «race records» (así se catalogaba a la música negra en aquellos años). Destacan especialmente «I´m walking», «Ain´t that a shame» o su versión definitiva del standard «Blueberry hill». Muchos de sus temas conocieron el éxito masivo al ser versioneados por artistas blancos como Pat Boone o Ricky Nelson, de la misma manera que le pasaba a Little Richard también. A partir de los años 60 se fue retirando de manera discreta del primer plano y sin encándalos, al contrario que muchos de sus contemporáneos. Siempre ha estado entre los favoritos de muchos músicos, como The Beatles sin ir más lejos. 1. Blueberry Hill 2. Honey Chile 3. What's the Reason (I'm Not Pleasing You) - Fats Domino, Hatch, Carl 4. Blue Monday 5. So Long 6. La-La 7. Troubles of My Own 8. You Done Me Wrong 9. Reeling and Rocking 10. The Fat Man's Hop 11. Poor, Poor Me 12. Trust in Me ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 006. Duke Ellington – At Newport (1956) Entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "jungle style" Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este periodo la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas mas virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por refrendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington, fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario. A la marcha de Ben Webster, Barney Bigard, Tizol y otros, se unió una definitiva en 1951, la de su amigo, Johnny Hodges. La prensa que antes no le escatimaba elogios, anunciaba casi a diario la desaparición de la orquesta. 6
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ En 1955 vuelve a la banda Johnny Hodges y Ellington respira aliviado y entran en nomina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones mas sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista, Russell Procope, el trombonista, Quenti Jackson, y los trompetistas, Cat Anderson y Clark Terry. Con estos músicos y cierto escepticismo, Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta al historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto" Disc 1 1. Star Spangled Banner 2. Father Norman O'Connor Introduces Duke & The Orchestra / Duke Introduces Tune & Anderson, Jackson... 3. Black And Tan Fantasy 4. Duke Introduces Cook & Tune 5. Tea For Two 6. Duke & Band Leave Stage / Father Norman O'Connor Talks About Festival 7. Take The A Train 8. Duke Announces Strayhorn's A Train & Nance / Duke Introduces Festival Suite, Part I & Hamilton 9. Part 1: Festival Junction 10. Duke Announces Soloists; Introduces Part II - (live) 11. Part II: Blues To Be There (Live) 12. Duke Announces Nance & Procope; Introduces Part III - (live) 13. Part III: Newport Up 14. Duke Announces Hamilton, Gonsalves, & Terry / Duke Introduces Cook & Tune - (live) 15. Sophisticated Lady - (live) 16. Duke Announces Grissom & Tune - (live) 17. Day In, Day Out (Live) 18. Duke Introduces Tune (s) And Paul Gonsalves Interludes - (live) 19. Diminuendo In Blue And Crescendo In Blue - (live) 20. Announcements, Pandemonium - (live) 21. Pause Track Disc 2 1. Duke Introduces Johnny Hodges 2. I Got It Bad (And That Ain't Good) - (previously unreleased, live) 3. Jeep's Blues - (live) 4. Duke Calms Crowd; Introduces Nance & Tune 5. Tulip Or Turnip - (previously unreleased) 6. Riot Prevention 7. Skin Deep 8. Mood Indigo - (previously unreleased) 9. Studio Concert - (excerpts) 10. Father Norman O'Connor Introduces Duke Ellington / Duke Introduces New Work, Part I, & Hamilton 11. Festival Junction 12. Duke Announces Soloists; Introduces Part II 13. Blues To Be There 14. Duke Announces Nance & Procope; Introduces Part III 15. Newport Up 16. Duke Announces Hamilton, Gonsalves, & Terry / Pause / Duke Introduces Johnny Hodges 17. I Got It Bad (And That Ain't Good) 18. Jeep's Blues - (previously unreleased) 19. Pause Track 7
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 007. Frank Sinatra – Songs for Swingin’ Lovers! (1956) 4. You Brought a New Kind of Love to Me 5. Too Marvelous for Words 6. Old Devil Moon 7. Pennies from Heaven 8. Love Is Here to Stay 9. I've Got You Under My Skin 10. I Thought About You 11. We'll Be Together Again 12. Makin' Whoopee 13. Swingin' Down the Lane 14. Anything Goes 15. How About You? ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 008. The Crickets – Chirping… (1957) El disco Songs for swingin’ lovers apareció en 1956, y alcanzó así mismo el número dos en las listas del país, en las que permaneció durante 66 semanas. Este álbum contiene canciones tan maravillosas como You Make me Feel so Young, How About You?, Love is Here to Stay o I've Got You Under My Skin ideales para un atardecer de verano, y suenan tan frescas que nadie diría que tienen ya 50 años. Swing por los cuatro costados y canciones cortitas y alegres, con orquestación pomposa, con trompetas estridentes, pero también con momentos jazz de lo más sosegados. 1. You Make Me Feel So Young 2. It Happened in Monterey 3. You're Getting to Be a Habit with Me 8
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Primer álbum de Buddy Holly, en compañía de los Crickets (Niki Sullivan a la guitarra rítmica, Joe B. Mauldin al contrabajo y Jerry Allison a la batería), en edición remasterizada del año 2004, conmemorando el 50 Aniversario del nacimiento del Rock 'N' Roll. Esta reedición incluye los 12 temas del LP original de 1957 + 4 Bonus Tracks. Entre los temas originales, algunos de los más clásicos de Holly: "Oh Boy!" y su exitosa Cara B "Not Fade Away" (versionada en su día por los Rolling Stones), "Maybe Baby", o el grandioso "That'll Be The Day" (que en su día supuso la primera grabación que registraron The Beatles, con "In Spite Of All The Dangers" en su Cara B). Buddy Holly sacó el título de esta canción de una frase que repite constantemente el personaje interpretado por John Wayne en el famoso western "Centauros del Desierto". Entre los detalles del disco, destacan un par de composiciones de Roy Orbison, "You've Got Love" y "An Empty Cup (And A Broken Date)", o el tema "I'm Looking For Someone To Love" (cara B del single "That'll Be The Day" . No faltan tampoco las baladas como "It's Too Late" o "Last Night". El listado de Bonus Tracks lo integran "Think It Over", "Fool's Paradise", la genial "Lonesome Tears" e "It's So Easy", que popularizaría veinte años más tarde la cantante Linda Ronstadt. Entre los créditos del disco, destaca la presencia del excelente guitarrista Tommy Allsup o la primera aparición de The Picks, el grupo vocal que acompañaría a Holly durante gran parte de su carrera en solitario. Un disco imprescindible para entender su leyenda. 01 - Oh, Boy! 02 - Not Fade Away 03 - You've Got Love 04 - Maybe Baby 05 - It's Too Late 06 - Tell Me How 07 - That'll Be The Day 08 - I'm Looking For Someone To Love 09 - An Empty Cup (And A Broken Date) 10 - Send Me Some Lovin' 11 - Last Night 12 - Rock Me My Baby 13 - Think It Over 14 - Fool's Paradise 15 - Lonesome Tears 16 - It's So Easy ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 009. Count Basie – Atomic Mr Basie (1957) William Basie (Red Bank, 21 de agosto de 1904 - Hollywood, 26 de abril de 1984), conocido como Count Basie, fue un director de big 9
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ band y pianista estadounidense de jazz. Se trata de uno de los músicos de jazz más populares de la historia, vinculado, prácticamente durante cincuenta años, a la dirección de una big band de importante influencia en determinados registros estilísticos del jazz asociados, principalmente, al swing y a su corriente más tradicional. Count Basie tardó más que ninguno en elegir su lema -"Sixteen men swinging", grabado en 1954-, y es la definición más precisa de la convivencia musical que hizo de la orquesta una institución a la que el jazz nunca dejó de mirar en busca de inspiración y como modelo de unidad y espíritu de cuerpo. Existen centenares de grabaciones de arreglos de Buck Clayton, Benny Carter, Quincy Jones, Neal Hefti, Oliver Nelson o Thad Jones que certifican la espontánea precisión del conjunto guiado desde el piano por el director, que casi siempre se limitaba a una frase de apertura y las clásicas tres notas de cierre, pero también era capaz de sorprender con un miniconcierto como "The Kid from Red Bank", incluido en "The Atomic Mr. Basie", el álbum cumbre de la banda. 1.Kid From Red Bank, The 2. Duet 3. After Supper 4. Flight Of The Foo Birds 5. Double-O 6. Teddy The Toad 7. Whirly-Bird 8. Midnite Blue 9. Splanky 10. Fantail 11. Li'l Darlin' 12. Silks And Satins - (bonus track) 13. Sleepwalker's Serenade-(alternate take) 14. Sleepwalker's Serenade - (bonus track) 15. Late Late Show, The - (bonus track) 16. Late Late Show, The - (vocal version) ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 010. Thelonious Monk – Brilliant Corners (1957) Su estilo interpretativo y compositivo, formado plenamente en 1947, apenas varió en los 25 años siguientes. Pianista fundador del bebop, tocó también bajo el influjo del hard bop y de la música modal. Es conocido por su estilo único de improvisación, así como por haber compuesto varios temas clásicos del repertorio jazzístico, destacando "'Round Midnight", "Straight No Chaser", "52nd Street Theme" y "Blue Monk". 1. Brilliant Corners 2. Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-are 10
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 3. Pannonica 4. I Surrender, Dear 5. Bemsha Swing ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 011. Sabú – Palo Congo (1957) además de Jazz Espagnole en 1960, su disco más conocido. "Palo Congo" 1.- El Combanchero 2.- Billumba (Palo Congo) 3.- Choferito (Plena) 4.- Asabache 5.- Simba 6.- Rhapsodia del Maravilloso 7.- Aggo Elegua 8.- Tribilin Cantore ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 012. Miles Davis – Birth of the Cool (1957) Sabú Martinez, nacido en Spanish Harlem de Nueva York, tocó a los 17 años con la orquesta de los "Lecuona Cuban Boys", y a los 18 con "Dizzy Gillespie's last Big Band". Fué el mismo Gillespie quien le dió el mote de "Sabú". De 1949 a 1958 colaboró con Art Blakey con quien grabó varios discos. En 1957 forma su propio quinteto con el cuál graba éste disco, 11
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Los temas de este "Birth of Cool" se grabaron entre 1949 y 1950, aunque no seria hasta 1957 donde no saldrían definitivamente para empaparnos de un bebop lleno de improvisación, llenando la trompeta de Miles Davis cada surco, y dando comienzo la carrera más fructifera que jamás ha dado el jazz. Las doce piezas de este disco estan llenas de emoción, y la compañía de músicos de Charles Parker junto a los arrreglos de Gil Evans o John Lewis, crean un clima que une tanto la musica clásica junto al ragtime. Un verdadero tour de force. Desde temas como el inicial "Move" que marca los tiempos del lp, con el solo de trompeta de Miles, hasta "Jeru" (aquí el saxo de Lee Konitz habla de tu a tu al gran Davis), se ve la inmensa capacidad de unos musicos que serán un punto y aparte en el mundo del jazz de todos los tiempos. Con solo ver la portada de "Birth of cool", en blanco y negro y con el arma entre las manos, el gran trompetista te reclama, te dice que te sientes con tranquilidad para oir algo atemporal, algo que oído hoy, después de tantos años, sigue siendo una verdadera obra de arte. Quizás "Kind of Blue" sea el referente más impactante. Pero es este "Birth of Cool" el lugar para comenzar la travesía por el universo tan cambiante y mágico de un ser que convirtió a su instrumento en parte de la divinidad del jazz. 1. Move 2. Jeru 3. Moon Dreams 4. Venus de Milo 5. Budo 6. Deception 7. Godchild 8. Boplicity 9. Rocker 10. Israel 11. Rouge 12. Darn That Dream ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 013. Machito - Kenya (1957) Machito: el padre del jazz latino y la salsa. Frank Grillo, Machito casi desconocido en su propio país, es el músico cubano que más ha influido en diversas corrientes de la música popular en los Estados Unidos, y su influencia supera en profundidad y permanencia la de figuras tan connotadas como Chano Pozo, Dámaso Pérez Prado, Arsenio Rodríguez o Ernesto Lecuona. Verdadero ídolo en Nueva York, sobre todo entre les minorías de afro-norteamericanos e hispanoparlantes, y entre los músicos y amantes del jazz, la fama de Machito se extendió a Francia, Inglaterra, Finlandia, Japón y otros muchos países. 12
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Durante los años cincuenta Machito obtuvo aún más reconocimiento con números como Christopher Colombus, Consternation, Mambo infierno, Dragnet Mambo, Don't Tease Me y Relax Mambo. En 1957 salió su álbum Kenya, luego reeditado con el título de Latin Soul Plus Jazz. Los solistas fueron Cannombal Adderley (saxo alto), Joe Newman y Doc Cheatham (trompetas), Johnny Griffin y Ray Santos (saxos tenores), Eddie Bert y Santo Russo (trombones), Cándido Camero y Patato Valdés (tumbadoras) y José Mangual (bongoes). Los arreglos eran de René Hernández y A.K. Salim. Un año después salió el LD Machito with Flute to Boot (reeditado luego como Afro-Jazziac), con arreglos y solos de flauta de Herbie Mann, y con Johnny Griffin (saxo tenor) y Curtis Fuller (trombón). 1. Wild Jungle 2. Congo Mulence 3. Kenya 4. Oyeme 5. Holiday 6. Cannonology 7. Frenzy 8. Blues a la Machito 9. Conversation 10. Tin Tin Deo 11. Minor Rama 12. Tururato ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 014. Little Richard – Here's Little Richard (1957) Little Richard (Macon, Georgia, 1932) era un escándalo viviente en los conservadores años 50. Predicador adventista que considera la homosexualidad "una aberración" y "pecado", Little Richard es un escándalo viviente en los tiempos actuales, más progresistas o al menos políticamente correctos. Comenzó su carrera musical desde muy chico cantando gospel en la iglesia, lo cual más tarde le trajo problemas porque cuando empezó a desarrollar su enérgico estilo de boogie woogie al piano y cantar a los gritos, la gente lo acusó de tener dentro suyo al Diablo. Little Richard fue el primer artista negro que los chicos blancos empezaron a escuchar, por lo tanto fue muy odiado por los padres, igual que el rock & roll. 1. Tutti Frutti 2. True, Fine Mama 3. Can't Believe You Wanna' Leave 4. Ready Teddy 13
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 5. Baby 6. Slippin' and Slidin' 7. Long Tall Sally 8. Miss Ann 9. Oh Why? 10. Rip It Up 11. Jenny Jenny 12. She's Got It ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 015. Tito Puente - Dance Mania (1957) Dance Mania es un disco que refleja uno de los mejores momentos de la carrera de Tito Puente, y en buena medida explica el desarrollo posterior de la música latina de Nueva York. A la vez, es una de las grabaciones que muestra más gráficamente la influencia de las grandes orquestas cubanas de los cincuenta amalgamada con la de las bandas de jazz norteamericanas, haciendo palpable el sonido "neoyorquino" en la música bailable que tanta influencia y desarrollo tuvo en las décadas sucesivas, desde los experimentos de los sesenta con el desarrollo de la charanga hasta la más perfilada salsa de finales de los sesenta y setenta. A pesar de la fecha de grabación -finales de 1957- el sonido logrado en este CD (remasterizado en 1991) no desmerece para nada la calidad de los intérpretes. Lo mejor de las doradas noches del Palladium se instalan en el salón de casa de principios del siglo XXI y la edición permite deleitarse con la alineación de la banda (aparecen los créditos de los músicos) que aparte de Puente incluye a Ray Barreto, Julito Collazo y Ray Rodríguez en los cueros, el pianista y arreglista Ray Coen (Raymond Concepción) y Bobby Rodríguez en el bajo, sosteniendo una sección de metales de 11 personas entre trompetas y saxos. Santos Colón, que aparece como cantante de Puente por primera vez en este disco, hace un trabajo que a él mismo le sirvió de techo en sus futuras grabaciones. Temas como Cuando te vea o Agua limpia todo, con unos impecables y avanzados arreglos, están vocalizados con ese sentimiento y sabor que ya en esa época comenzaban a mostrar los cantantes puertorriqueños. Tito Puente, además, aliña el disco con uno de su pocos solos de marimba en la pieza Hong Kong Mambo. Dance Mania, es, sin lugar a dudas, un disco imprescindible para entender la evolución de la carrera de Puente y de la música latina de Nueva York. 1. El Cayuco 2. Complicación 3. 3-D Mambo 4. Llego Mijan 5. Cuando te Vea 6. Hong Kong Mambo 14
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 7. Mambo Gozon 8. Mi Chiquita Quiere Bembe 9. Varsity Drag 10. Estoy Siempre Junto A Ti 11. Agua Limpia Todo 12. Saca Tu Mujer ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 016. Billie Holiday – Lady in Satin (1958) Se puede afirmar que Billie volvía a componer las canciones interpretándolas, con la fuerza creativa y todas las reservas de oficio que puede tener un gran solista improvisador. Pero la improvisación en Billie no es evidente: está en el particular modo de acentuar, en la emoción puesta en el timbre al servicio de cada palabra dicha, de cada idea expuesta. Billie es también famosa por haber dado profundidad a canciones superficiales. Ese tan particular modo suyo de elaborar las frases, evitando las soluciones obvias y los lugares comunes, experimentó una evolución notable con el pasar de los años, volviéndose cada vez más complejo, a veces excéntrico, pero siempre rico y sorprendente. A esta evolución debemos sumar los cambios en la calidad tímbrica de su voz, que en los inicios de su carrera era punzante y límpida, volviéndose, hacia el final de su vida, amarga y casi ronroneante. En estas grabaciones, conmovedoras y de una extraordinaria belleza, Billie fuerza los límites de su extensión vocal, sobre todo en el registro bajo, donde se vuelve más insinuante que explícita. Su fraseo se convierte, entonces, en algo más tortuoso, doloroso y dramático. Algunos han captado en estas grabaciones una estética expresionista que antes le había sido ajena. Ray Ellis escribió los arreglos y dirigió la orquesta, que no es una orquesta de cuerdas, sino una banda con el agregado de cuerdas (muy del gusto de Billie y de otros cantantes), para estas tomas realizadas entre el 18 y el 20 de enero de 1958, en Nueva York. Allí había grandes personalidades del jazz, como el pianista Hank Jones, los trombonistas J.J. Johnson y Urbie Green y el pianista Mal Waldron. Billie Holiday murió al año siguiente de realizar este trabajo en Nueva York el 17 de julio de 1959. Tenía 44 años. 1. I'm a Fool to Want You 2. For Heaven's Sake 3. You Don't Know What Love Is 4. I Get Along Without You Very Well 5. For All We Know 6. Violets For Your Furs 7. You've Changed 8. It's Easy to Remember 9. But Beautiful 15
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 10. Glad to Be Unhappy 11. I'll Be Around 12. The End of a Love Affair (Mono) 13. I'm a Fool to Want You (take 3) 14. I'm a Fool to Want You (take 2) 15. The End of a Love Affair (stereo) 16. Pause Track ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 017. Ramblin' Jack Elliott - Jack Takes the Floor(1958) Mick Jagger, Lou Reed, Van Morrison, Paul McCartney, Kris Kristoffersen, Bruce Springsteen, and Beck lo citan como su fuente de inspiracion. Este álbum de 1958 fue un extraordinario estandarte que muchos artistas siguen tomando como guia. Estimulante, inspirador y francamente excelente opción para escuchar. Si usted ya es un fanatico de Ramblin' Jack Elliott y si no lo es, con este álbum, pronto lo será. Al escucharle entenderá porque a tantos grandes artistas buscan a Ramblin' Jack Elliott 1. San Francisco Bay Blues - Ramblin' Jack Elliott, Fuller, Jesse 2. Ol' Riley 3. The Boll Weevil - Ramblin' Jack Elliott, Traditional 4. Bed Bug Blues 5. New York Town - Ramblin' Jack Elliott, Guthrie, Woody 6. Old Blue - Ramblin' Jack Elliott, Public Domain 7. Grey Goose 8. Mule Skinner Blues - Ramblin' Jack Elliott, Rodgers, Jimmie [1] 9. East Texas Talking Blues 10. Cocaine 11. Dink's Song 12. Black Baby 13. Salty Dog 14. Brother Won't You Join in the Line? 15. There Are Better Things to Do Bob Dylan le llamaba su "padre mucho tiempo perdido". Estuvo vinculado a Woody Guthrie, Brownie McGhee, y los poetas musicales. 16
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 018. Sarah Vaughan - Sarah Vaughan At Mister Kelly's (1958) Este disco es una grabación en directo de la "Divina" Sarah Vaughan, acompañada de su trío, en un local de Chicago llamado Mister Kelly's, es el resultado de una serie de actuaciones que comprendieron los días 6, 7 y 8 de agosto de 1957. El disco da comienzo con una voz masculina que se encarga de preparar a los espectadores, explica por qué hay tantos micrófonos en el escenario y les aconseja cómo deben actuar ante una grabación en directo, van a ser grabados, por lo que han de comportarse con naturalidad; instantes más tarde Sarah Vaughan es presentada y casi podemos verla aparecer en el escenario. El poder evocador de este disco es tal que durante más de una hora sentiremos que somos nosotros los que estamos tomando una copa en el Mister Kelly's disfrutando de la actuación de la "Divina", casi podemos respirar el ambiente cargado de humo y sufrir los rigores del caluroso mes de agosto en Chicago. Esta grabación muestra a una artista en un momento dulce de su carrera, Sarah Vaughan tenía 33 años cuando grabó ese disco y es evidente cómo disfruta con lo que hace, se muestra cercana, bromea con el público, a veces deja entrever su sensualidad y otras veces es capaz de helarnos la sangre con una voz que se encuentra entre las mejores voces femeninas de la historia de la música. Interpreta standards, algunos de ellos muy conocidos ("Willow Weep For Me", "Just One Of Those Things", "How High The Moon", "Just A Gigolo", "Embraceable You", entre otros), pero con una intensidad especial que, en la mayoría de los casos, supera en calidad al tema original. A lo largo de este disco, Sarah Vaughan navega entre la ternura y la melancolía, entre la serenidad y el esparcimiento, haciendo gala de un vibrato privilegiado y de una amplitud de registros asombrosa, a veces coquetea con el bebop utilizando sus cuerdas vocales como un instrumento más, sin duda el mejor de cuantos había en aquel escenario del Mister Kelly's. Cuando uno escucha este disco se siente obligado a dejar todo aquello cuanto está haciendo para poder disfrutar al máximo de la voz de Sarah Vaughan, es un disco cautivador que nos atrapa durante 73 minutos para transportarnos a un ambiente plácido y sereno. 1. September in the Rain 2. Willow Weep For Me 3. Just One of Those Things 4. Be Anything But Darling Be Mine 5. Thou Swell 6. Stairway to the Stars 7. Honeysuckle Rose 8. Just a Gigolo 9. How High the Moon 17
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 10. Dream - (bonus track) 11. I'm Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter 12. It's Got to Be Love 13. Alone 14. If This Isn't Love 15. Embraceable You 16. Luckiy in Love 17. Dancing in the Dark 18. Poor Butterfly 19. Sometime's I'm Happy 20. I Cover the Waterfront ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 019. Ella Fitzgerald - Sings The Gershwin Songbook (1959) En este genial recopilatorio, se recogen los temas más representativos del hito de 1959 "Ella Fitzgerald Sings the George and Ira Gershwin Songbook", creado por Lady Ella. En esta edición editada en 2007 por UCJ Records, aparecen los temas de aquel mítico álbum que con el paso del tiempo se han asentado como temas standar en el repertorio de Ella. Estos temas fueron grabados junto a la Nelson Riddle Orquesta, y son todos parte de la extensa obra de los hermanos Ira y George Gershwin; dos de los grandes compositores americanos del siglo XX, con musicales en su haber como "Porgy & Bess", "Lady be good", "Girl Crazy", "Funny face", "Oh kay!"... Riddle arregló 59 de las composiciones de Gershwin especialmente para Ella, incluyendo una introducción y un cierre instrumentales. Cuando se realizó este proyecto sólo estaba vivo Ira Gershwin, el cual participó en la creación de esta maravilla, aportando nuevas letras. Fue tal el agrado de Ira Gershwin que pronunció la mítica frase: "No me pareció buena ninguna de nuestras canciones hasta que no las grabó Ella". Ella tenía 41 años cuando grabó el álbum, estando en el máximo esplendor de su voz, y configurando este álbum como uno de los más importantes en su carrera. CD 1 1. Sam And Delilah 2. But Not For Me 3. My One And Only 4. Let’s Call The Whole Thing Of 5. Beginner’s Luck 6. Oh, Lady Be Good 7. Nice Work If You Can Get It 8. Things Are Looking Up 9. Just Another Rhumba 10. How Long Has This Been Going 11. ‘S Wonderful 12. The Man I Love 18
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 13. That Certain Feeling 14. By Strauss 15. Someone To Watch Over Me 16. The Real American Folk Song 17. Who Cares_ CD 2 18. Looking For A Boy 19. They All Laughed 20. My Cousin In Milwaukee 21. Somebody From Somewhere 22. A Foggy Day 23. Clap Yo’ Hands 24. For You, For Me, For Evermore 25. Stiff Upper Lip 26. Boy Wanted 27. Strike Up The Band 28. Soon 29. I’ve Got A Crush On You 30. Bidin’ My Time 31. Aren’t You Kind Of Glad We Di 32. Of Thee I Sing (Baby) 33. _The Half Of It, Dearie_ Blue 34. I Was Doing All Right 35. He Loves And She Loves 44. They Can’t Take That Away Fro 45. Embraceable You 46. I Can’t Be Bothered Now 47. Boy! What Love Has Done To Me 48. Fascinatin’ Rhythm 49. Funny Face 50. Lorelei 51. Oh, So Nice 52. Let’s Kiss And Make Up 53. I Got Rhythm 54. Somebody Loves Me 55. Cheerful Little Earful ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 020. Ray Charles - The Genius of Ray Charles (1959) CD 3 36. Love Is Sweeping The Country 37. Treat Me Rough 38. Love Is Here To Stay 39. Slap That Bass 40. Isn’t It A Pity_ 41. Shall We Dance 42. Love Walked In 43. You’ve Got What Gets Me 19
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ El genio de Ray Charles es un álbum realizado en 1959. En 2003, el álbum ocupó el número 263 de la revista Rolling Stone en la lista de las 500 más grandes álbumes de todos los tiempos. Hermoso disco de un tipo totalmente adelantado a su época, Ray Charles le da vida al soul por aquellos años y lo mezcla con un poco de blues y jazz, como resultado nos deja excelentes temas como: "Let the good times roll", "It had to be you", "Deed i do" y "Come rain or come shine", que realmente lo considero incomparable. 1. Let The Good Times Roll 2. It Had To Be You 3. Alexander's Ragtime Band 4. Two Years Of Torture 5. When Your Lover Has Gone 6. Deed I Do 7. Just For A Thrill 8. You Won't Let Me Go 9. Tell Me You'll Wait For Me 10. Don't Let The Sun Catch You Crying 11. Am I Blue 12. Come Rain Or Come Shine ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 021. Miles Davis – Kind of Blue (1959) Hace mas de medio siglo, Miles Davis cambió la historia de la música con "Kind of blue", Ha sido considerado el disco más importante del jazz, una de las grandes obras de la música de todos los tiempos y un gran éxito comercial, con más de cuatro millones de copias vendidas desde su publicación en 1959. Miles Davis (1926-1991) apenas tenía un esbozo de las canciones que pretendía grabar, pero para crear su obra maestra le bastaron diez horas, repartidas en dos sesiones celebradas el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959. El trompetista norteamericano estuvo acompañado por un grupo excepcional de músicos en aquellas sesiones que se celebraron en el estudio de Columbia en la Calle 30 de Nueva York. El estudio, ya desaparecido, había sido construido sobre una antigua iglesia armenia y sus salas de madera ofrecían una acústica 20
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ extraordinaria. Acompañaron a Miles el legendario saxofonista John Coltrane y el contrabajista Paul Chambers, dos miembros del famoso quinteto que el trompetista había puesto en marcha a mediados de los cincuenta y con el que firmó una serie memorable de discos, iniciada con "'Round about midnight" (1955). El equipo se completó con Julian "Cannonball" Adderley, en el saxo alto; Jimmy Cobb -el único miembro del grupo que vive aún-, a la batería; y Bill Evans -el único blanco de la banda-, al piano. El pianista Wynton Kelly colaboró en uno de los seis temas del álbum, el chispeante "Freddie Freeloader". La destreza de aquellos músicos y su inspiración en esas sesiones les permitió grabar en una sola toma cada una de las cinco piezas incluidas en el disco, algo que ya era inusual en aquella época. Los temas surgieron de la improvisación y de la experimentación con la música modal -basada en escalas-, técnicas que Miles ya había practicado en 1957 en la banda sonora de "Ascensor para el cadalso", de Louis Malle, y en el álbum "Milestones", un año después. El resultado de "Kind of blue", una obra creada de principio a fin en el estudio de grabación, fue tan impactante que medio siglo después es aún objeto de debate entre aficionados y especialistas. Aquel álbum no proponía una simple sucesión de canciones, sino un proyecto artístico completo: un viaje sonoro que comenzaba con el célebre "So what" y concluía con "Flamenco sketches", un tema de influencias españolas. El álbum conquistó las mentes inquietas de las clases medias de la época y dio una nueva dimensión al jazz. Pero su influencia alcanzó a otros géneros y se adelantó a los discos conceptuales publicados en los años sesenta, como el emblemático "Sgt. Pepper's" de los Beatles. El impacto de "Kind of blue" ha llegado a músicos de las últimas hornadas, quienes proclaman que este álbum es "como la Biblia". 1. So What 2. Freddie Freeloader 3. Blue In Green 4. All Blues 5. Flamenco Sketches 6. Flamenco Sketches (alternate take) ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 022. Marty Robbins – Gunfighter Ballads & Trail Songs (1959) Marty Robbins no fue simplemente una estrella country. Durante los 30 años de su carrera, constantemente sorprendió a sus fans haciendo álbumes con pop, rock & roll, calypso y gospel. Conocido por "Gunfighter Ballads and Trail Songs", que incluia su popular 21
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ single de 1959 "El Paso", Robbins habia comenzado su carrera haciendo tear-jerkers a inicios de los 50's, como "Crying 'Cause I Love You" y "I'll Go On Alone". En 1956 "Singing the Blues" fue su hit country y en 1957 "A White Sportcoat (and a Pink Carnation)” fue número dos. Comenzó a trabajar como actor en los 60's en TV, en "The Drifter". ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 023. Dave Brubeck Quartet – Time Out (1959) 1. Big Iron 2. Hundred and Sixty Acres 3. They're Hanging Me Tonight 4. Cool Water 5. Billy the Kid 6. Utah Carol 7. Strawberry Roan 8. Master's Call 9. Running Gun 10. Paso 11. In the Valley 12. Little Green Valley 13. Hanging Tree 14. Saddle Tramp 15. Paso [Full-Length Version] Grabado en tres sesiones el 25 de Junio, el 1 de Julio y el 18 de Agosto de 1959; fue publicado ese mismo año por el Dave Brubeck Quartet a través de Columbia Records. El álbum fue pensado como un experimento en el que se utilizaban distintos ritmos infrecuentes en la música Jazz. En un principio, el disco recibió críticas negativas por el uso de estos ritmos inauditos en el Jazz; pero se ha convertido en uno de los discos de este estilo musical más conocidos de la historia. El titulo “Time Out” ya nos tendría que haber puesto al menos en aviso, pero si quedaban dudas arrancan los fuertes matices clásicos del tema “Blue Rondo à la Turk”. Y es ciertamente un toque blusero que toma como 22
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ primeriza base a la conocida “Marcha Alla Turca” del virtuoso compositor clásico Wolfgang Amadeus Mozart. Bello y experimental tema sin ningún minimo desperdicio. Le sigue la colorida balada con aires a vals llamada “Strange Meadow Lark”. No dejar pasar de largo al estupendo y cálido solo del saxofonista Paul Desmond. Sinceramente una delicia. Sale a nuestro encuentro el ya standard “Take Five”, compuesto por Paul Desmond. Sin lugar a dudas una de las piezas más populares de la obra. Sin embargo hacer notar el extenso e imperecedero solo del baterista Joe Morello. “Three to Get Ready” sigue en la linea clásica y del vals, donde todo es tan ajustado que parece no poder haber sido mejor concebido. Por cierto, aquí hay rienda suelta al amplio y magnifico imaginario de Dave Brubeck. Pegadito viene el tema llamado “Kathy’s Waltz”, parecido a simple oída al anterior, aunque ya sabemos todos que eso no es cierto y así es que nos dejamos llevar sin más por estos virtuosos. Dulce, grande y a su vez pequeña, pero nunca subestimada. Continúa con “Everybody’s Jumpin’”, donde se derrocha swing a desparpajo y para todos los gustos. Clara muestra de la maestría del cuarteto a pleno. Ya en el final nos encontramos con el tema titulado “Pick Up Sticks“, del cual podría remarcar la maravillosa labor de Eugene Wright en el contrabajo, dándole un cierto aire “smooth” del todo irresistible. 1. Blue Rondo a La Turk 2. Strange Meadow Lark 3. Take Five 4. Three to Get Ready 5. Kathy's Waltz 6. Everybody's Jumpin' 7. Pick Up Sticks ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 024. Joan Baez – Joan Baez (1960) Hija de un físico mexicano y de una profesora de literatura, segunda hermana del físico John Baez, su carrera comienza en Boston, donde consiguió una gran repercusión con su actuación en el Newport Folk Festival de 1959, a los 18 años. Disco debut de Joan Baez, compuesto enteramente por canciones tradicionales del folk. Incluye "House of the rising sun", reversionada por Dylan dos años más tarde y de ahí llegó a oídos de los ingleses Animals, que grabaron la versión más conocida del tema en 1964. Baez fue el rostro más popular de la música folk y de protesta, siendo la estrella de festivales y giras y cantando en actos político. Cantó en prisiones y como los afroamericanos no podían ir a los teatros de los blancos, Joan fue a cantar a sus teatros. Vivió con Bob Dylan entre 1963 y 1965 y juntos 23
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ se ganaron el título del Rey y la Reina de la Canción protesta. Luchó en contra de la guerra de Vietnam y a favor de los derechos civiles. Por negarse a pagar los impuestos que ella consideraba se usaban en Vietnam, fue encarcelada varias veces y vigilada por la CIA. También usaba una gran parte de lo que ganaba en apoyar a organizaciones por los derechos civiles y la no-violencia. Seguidora de Ghandi y de su ideología no-violenta, creó en Palo Alto el Instituto de Estudios para la No-Violencia. Como otros intérpretes de folk, Baez se vio influenciada por la aparición de los Beatles en Estados Unidos y por el folk rock de Dylan. 1. Silver dagger 2. East Virginia 3. Fare thee well 4. House of the rising sun 5. All my trials 6. Wildwood flower 7. Donna Donna 8. John Riley 9. Rake and rambling boy 10. Little moses 11. Mary Hamilton 12. Henry Martin 13. El preso numero nueve ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 025. Elvis Presley – Elvis is Back!(1960) Después de salir del ejército en 1960, su sonido y su estilo cambiaron. Su primer álbum de regreso a la vida civil, Elvis is back reflejaba una nueva voz con un gran control, que había madurado en esos dos años durante su servicio militar. Esto, combinado con técnicas de grabación improvisadas, hicieron que sonara mejor que nunca. Lanzó al mercado su nuevo álbum en dos años, con un repertorio con música más madura que incluía no sólo Rock& Roll, sino Rhythm & Blues, Pop y Gospel. Además de su pasión por la música, tenía un enorme deseo de convertirse en actor serio. Su manager, el Coronel Parker, le fomentó esa aspiración como un mecanismo para tenerlo más expuesto, había Elvis en todas partes. 1. Make Me Know It 2. Fever 3. Girl of My Best Friend 24
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 4. I Will Be Home Again 5. Dirty, Dirty Feeling 6. Thrill of Your Love 7. Soldier Boy 8. Such a Night 9. It Feels So Right 10. Girl Next Door Went A'walking 11. Like a Baby 12. Reconsider Baby ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 026. Miriam Makeba – Miriam Makeba (1960) surafricana que obtuvo reconocimiento internacional. Nació en Johannesburgo y comenzó a cantar en el coro del colegio metodista Kilmerton Training School de Pretoria, capital de Suráfrica. Más tarde, entre 1954 y 1957, realizó giras con los Black Manhattan Brothers. En 1957, víctima del apartheid, abandonó su país y se estableció en Londres y Nueva York. Con la ayuda de Harry Belafonte, Makeba comenzó a actuar en conciertos, mezclando canciones tradicionales de folk con temas de jazz y pop. En 1964 se manifestó resueltamente contra el apartheid en la Asamblea General de las Naciones Unidas. Después de un primer matrimonio fracasado, se casó con el líder radical negro estadounidense Stokeley Carmichael. La pareja fue expulsada de Estados Unidos y Europa, y en 1969 tuvo que instalarse en Guinea. Finalmente, y después de más de 30 años de exilio, Makeba pudo volver a Suráfrica en la década de la década de 1990. En 2002 fue galardonada con el Premio Polar, el equivalente al Nobel en el ámbito de la música. 01. Retreat Song 02. Suliram 03. The Click Song 04. Umhome 05. Olilili 06. Lakutshn, Ilanga 07. Mbube 08. Naughty Little Flea 09. Where Does It Lead 10. Nomeva 11. House Of The Rising Sun 12. Saduva 13. One More Dance 14. Iya Guduza Primer álbum de Miriam Makeba, la acompañan The Belafonte Folk Singers y Perry López a la guitarra. Su verdadero nombre es Zensile Makeba y fue la primera cantante 25
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 027. Everly Brothers - A Date With the Everly Brothers (1960) Estados Unidos. La tensión de una vida juntos cobró su peaje y se deshicieron en 1973. Ellos volvieron en los años 1980 y dejaron una atracción de concierto sumamente popular en casa y en el extranjero. El grupo fue enormemente influyente sobre grupos incluyendo los Beatles, los Rolling Stones y los Hollies. 1. Made to Love 2. That's Just Too Much 3. Stick With Me Baby 4. Baby, What You Want Me to Do 5. Sigh, Cry, Almost Die 6. Always It's You 7. Love Hurts 8. Lucille 9. So How Come (No One Loves Me) 10. Donna, Donna 11. Change of Heart 12. Cathy's Clown Los Hermanos Everly representan muchas cosas diferentes musicalmente. Ellos son los antepasados espirituales y literales del rock country, los precursores del canto en armonía, el antecedente de las bandas histéricas de hoy, y la encarnación de cada relación tumnultuosa en la música pop, de los Hermanos Louvin a los hermanos Gallagher (Oasis). Phil y Don Everly comenzaron como la parte de un número de familia que canta de la radio en Iowa, y tarde o temprano registraron material de country que no fue en ninguna parte. Cuando ellos engancharon con la escritura de canciones estilo marido y mujer el equipo de Boudleaux y Felice Bryant, ellos fueron directamente a la cima de las listas. La carrera de los hermanos se terminó antes de principios de los años 1960 - al menos en los ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 26
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 028. Jimmy Smith – Back at the Chicken Shack (1960) y 9 minutos de intensidad sonora donde los tremendos solos de Stanley Turrentine y Kenny Burrel dan una dimensión estratosférica al hammond de Smith. 1. Back at the Chicken Shack 2. When I Grow Too Old to Dream 3. Minor Chant 4. Messy Bessie 5. On the Sunny Side of the Street ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 029. Muddy Waters – At Newport (1960) Jimmy Smith es uno de los grandes clásicos del jazz-soul y uno de los principales culpables del auge y esplendor que el órgano hammond obtuvo, a finales de los 50 y primeros 60, como instrumento musical dentro de la música moderna. Back & The Chicken Shack donde Smith es acompañado por Stanley Turrentine en la trompeta tenor y Kenny Burrell a la guitarra, es un disco donde el soul y el blues discurren majestuosos por todos los surcos del disco. Desde el tema inicial, Back & The Chicken Shack ,que da título al disco, nos sumergimos en una noctámbula atmósfera de oscuro tugurio, donde en clave de blues-soul y a medio tiempo se van sucediendo intensos pasajes musicales, donde la trompeta, la guitarra y el hammond van sucediendo su protagonismo en maravillosos solos, perfectamente ensamblados a lo largo de extensos temas, que nos atrapan y envuelven casi siempre con esa dulzura agridulce tan propia del blues soul como en temas tan increíbles, como Messie Bessie o When I Grow Too Old To Dream, 12 Uno de los mejores discos de uno de los mejores bluesman de todos 27
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ los tiempos. Hasta para B.B. King era el rey, electrifico el blues rural, dándole una fuerza y un carácter que no tenia. Muddy Waters fue el hombre que llevó el blues del Delta a la gran ciudad. Esta fue su primera grabación en directo, acompañado por una colosal banda: Otis Span, James Cotton y Pat Hare. Han pasado más de cuarenta años y este disco sigue siendo una obra imprescindible e impactante. Entre otras delicias contiene una desgarradora versión de "Got My Mojo Working" y una apabullante interpretación de "Hoochie Coochie Man". Un magnífico momento de la historia del blues preservado en este álbum para la posteridad. Grabado el 3 de Julio de 1960 en el Newport Jazz Festival, Newport, Rhode Island. Esta reedición contiene 4 bonus tracks grabados en estudio unos días antes de este festival. 1. I Got My Brand on You 2. I'm Your Hoochie Coochie Man 3. Baby Please Don't Go 4. Soon Forgotten 5. Tiger in Your Tank 6. I Feel So Good 7. I've Got My Mojo Working 8. I've Got My Mojo Working, Part 2 9. Goodbye Newport Blues 10. I Got My Brand on You - (bonus track) 11. Soon Forgotten - (bonus track) 12. Tiger in Your Tank - (bonus track) 13. Meanest Woman - (bonus track) ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 030. Bill Evans - Sunday at the Village Vanguard (1961) El 25 de junio de 1961 Bill Evans (piano), Scott LaFaro (bajo) y Paul Mostian (batería) tocaron en el Village Vanguard de New York. La actuación fue histórica, como histórico es este álbum indispensable para los amantes del jazz. Paul Motian y Scott LaFaro ponen la base rítmica para que Mr. Evans nos lleve a un viaje increíble por la pureza y la fragilidad de la música sin tiempo. Diez día después del concierto, LaFaro fallecía trágicamente de un accidente de coche y este es su último legado. De ahí que como homenaje Bill Evans decidiera titular el disco "Bill Evans Trio, Sunday at the Village Vanguard, Featuring Scott LaFaro." 01. Gloria's step. 02.My man's gone now. 03.Solar. 04.Alice in wonderland. 28
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 05.All of you. 06.Jade visions. ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 031. Ray Charles - Modern Sounds In Country & Western Music (1962) Modern Sounds in Country and Western Music es un álbum de estudio del músico estadounidense de rhythm and blues y soul Ray Charles lanzado en 1962. Fue grabado a mediados de febrero de 1962 en los Capitol Studios de la ciudad de Nueva York y los United Recording Studios de Hollywood, California, y editado un par de meses después por la ABC-Paramount Records en un formato mono y stereo, ABC-410 y ABCS-410. Durante la grabación Ray se convirtió en el primer músico afroamericano en tener un completo control artístico sobre sus composiciones y su carrera. El álbum tiene versiones de canciones clásicas de la música country, folk y western regrabadas por Charles y mezcladas con el estilo popular en aquellos tiempos: jazz y R&B. El material fue producido por él mismo y por el director de orquesta Sid Feller. Escaló rápidamente en las listas de popularidad impulsado por la popularidad de sus sencillos, su primer gran éxito desde su separación de la Atlantic Records, y ayudó a Charles a poner en circulación constante canciones de R&B y country en las estaciones radiofónicas de su tiempo. Del material discográfico se desprendieron los sencillos "I Can't Stop Loving You", "Born to Lose," "You Don't Know Me" y "Careless Love," teniendo más éxito este primero. Considerado por especialistas y críticos como el mejor trabajo del cantante y una de las obras maestras de la música norteamericana, Modern Sounds in Country and Western Music ha sido incluido en diversas publicaciones que enlistas los mejores álbumes de todos los tiempos así como en listas de los mejores discos de R&B y country. En el 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el nº 104 en su lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. 1. Bye bye love 2. You don't know me 3. Half as much 4. I love you do much it hurts 5. Just a little lovin' (will go a long way) 6. Born to lose 7. It makes no difference now 8. You win again 9. Careless love 10. I can't stop loving you 11. Hey, good lookin' 29
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 032. Booker T & The MG's - Green Onions (1962) éxito publicaron rápidamente un LP titulado, evidentemente, Green Onions. Imprescindible en cualquier discoteca, el disco incluía algún original excelente (“Mo’Onions”) y muchas versiones en el inconfundible estilo MG’s de hits de la época: “Twist and Shout”, “I Got a Woman”, “Comin’ Home Baby”, “One Who Really Loves You”… 1. Green Onions 2. A Woman, A Lover, A Friend 3. You Can't Sit Down 4. One Who Really Loves You 5. Lonely Avenue 6. Stranger On The Shore 7. Behave Yourself 8. Twist And Shout 9. Mo' Onions 10. I Got A Woman 11. Rinky-Dink 12. Comin' Home Baby Lo de Booker T & the MG’s fue llegar y besar el cielo. En octubre de 1962 aparecía su primer sencillo: “Green Onions”/”Behave Yourself”. Editado primero en Volt e inmediatamente después en Stax, el disco arrasó en las listas de Rhythm & Blues, alcanzando la primera posición y manteniéndose ahí arriba durante 15 semanas. En las listas de música pop también funcionaría de fábula, con un excelente Top 3. Nadie se había podido resistir al pegadizo ritmo de esta atmosférica pieza nacida en una improvisación en el estudio. En este estándar del R&B están presentes todos los elementos que hicieron grandes a los MG’s: los económicos riffs de Cropper, el sincopado ritmo de Jackson y, sobre todo, la genial melodía de órgano de Booker T. En Stax no tenían un pelo de tontos, así que después de este gran 30
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 033. Stan Getz & Charlie Byrd - Jazz Samba (1962) 1. Desafinado 2. Samba Dees Days 3. O Pato 4. Samba Triste 5. Samba de Uma Nota Só 6. E Luxo Só 7. Bahía (aka "Baía" 8. Desafinado - 45 rpm issue ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 034. Ray Price – Night Life (1962) Considerado como uno de los más importantes tenores del jazz, fue conocido por el sobrenombre de The Sound "El Sonido" debido a su tono cálido y lírico, apreciable en temas como su versión de "La Chica de Ipanema". La primera influencia de Getz fue el ligero y suave tono de Lester Young. Este disco es el que le vuelve a colocar en la popularidad, Jazz Samba su primer álbum de "bossa-nova" grabado con el guitarrista Charlie Byrd en 1962. La canción titulada "Jazz Samba" era una adaptación de la composición de Jobim "So Danco Samba". Getz ganó el Grammy por la mejor interpretación de Jazz en 1963 por el tema "Desafinado". Es una pena que el paso del tiempo a veces no haga justicia con un artista, hoy en día Ray Price no es muy recordado por los fans de 31
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ nuestro estilo preferido, pero hubo un tiempo en el que fué una estrella indiscutible, haya en los 50´s fué precursor de un particular Honky Tonk que ha llegado hasta nuestros días. Nacido un 12 de Enero de 1926 en Perryville (Texas), tiene una infancia marcada por la separación de sus padres que hace que viva a caballo entre Dallas con su madre y la granja de su padre en Perryville.Después de estudiar veterinaria en Abilene se enrola en los Marines en el año 1942, donde permanece hasta el final de la contienda, para volver a Texas al terminar la guerra.Estamos en 1946 y comienza a actuar en clubes locales y Honky Tonks de Dallas, además de actuar regularmente en la emisora KRBC local, donde es apodado Cherokee Cowboy. Su calidad la ve pronto el sello "Columbia" que lo ficha no sin antes un pequeño litigio con el competidor "Decca" que también lo quería entre sus filas. La asociación rápidamente da sus frutos y el obtiene el primer hit en 1952 con "Talk to Your Heart" que coloca en el número 3 de las listas. Además tiene la fortuna de intimar con la leyenda Hank Williams, lo que hace que se le habran puertas hasta entonces cerradas, incluso Williams le cede canciones como "Weary Blues" además de ayudarle a entrar a formar parte del show del Grand Ole Opry. Mas aún, a la muerte de Hank Williams en 1953, Ray Price hereda la banda de la megaestrella, los Drifting Cowboys y aunque sus estilos particulares difieran enormemente, la industria y el público entiende este hecho como un testigo a recoger por parte de Ray Price para con la estrella e ídolo musical muerto. En la introducción hablada del disco, Price describe lo que seguirá como canciones de "alegría, tristeza y corazones rotos, o sea, mucho de lo último y casi nada de lo primero. No nos dejemos engañar por los compases bailables marca de la casa. Night Life es la respuesta desde Nashville al In The Wee Small hours de Sinatra y el arquetipo del dolor de amores a la hora de partir. 3. The Wild Side Of Life 4. Sittin’ And Thinkin’ 5. The Twenty-Forth Hour 6. A Girl In The Night 7. Pride 8. There’s No Fool Like A Young Fool 9. If She Could See Me Now 10. Bright Lights And Blonde Haired Women 11. Are You Sure 12. Let Me Talk To You ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 035. The Beatles – With the Beatles (1963) 1. Introduction And Theme/Night Life 2. Lonely Street 32
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ With the Beatles fue el segundo álbum de The Beatles, grabado sólo cuatro meses después de Please Please Me, su primer disco, y lanzado a fines de 1963. El álbum presenta ocho composiciones originales (incluyendo la primera de George Harrison: "Don't Bother Me" y seis versiones, la mayoría de éxitos de R&B y de la Motown. La mayor parte de las canciones de este álbum fueron lanzadas en los Estados Unidos en un álbum llamado Meet the Beatles! el 20 de enero de 1964. With the Beatles ya había vendido medio millón de copias por encargo antes de salir al mercado y vendió otro medio para septiembre de 1965, lo que le convirtió en el segundo álbum en vender un millón de copias en el Reino Unido (el primero había sido la banda sonora de la película South Pacific). Se mantuvo en la cima de las listas durante 21 semanas, desplazando a Please Please Me, de manera que los Beatles ocuparon el primer puesto durante 51 semanas consecutivas. Incluso llegó a alcanzar el número 11 en las listas de singles (en aquella época dichas listas también reflejaban los LPs más vendidos). La leyenda se empezaba a forjar… 1. It Won't Be Long 2. All I've Got To Do 3. All My Loving 4. Don't Bother Me 5. Little Child 6. Till There Was You 7. Please Mister Postman 8. Roll Over Beethoven 9. Hold Me Tifht 10. You Really Got A Hold On Me 11. I Wanna Be Your Man 12. Devil In Her Heart 13. Not A Second Time 14. Money ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 036. Bob Dylan – The Freewheelin' Bob Dylan (1963) The Freewheelin' Bob Dylan es el segundo álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en 1963. A diferencia de su álbum debut, Bob Dylan, en el cual se ofrecían dos únicas composiciones originales, The Freewheelin' contiene dos versiones de temas tradicionales, "Corrina, Corrina" y "Honey, Just Allow Me One More Chance". "Blowin' in the Wind", una de las composiciones más conocidas de la carrera musical de Dylan, es el tema elegido para abrir el álbum. The Freewheelin' Bob Dylan alcanzó el puesto #22 en las listas de Billboard, siendo certificado como disco de platino, y el primer puesto en las listas británicas al publicarse el álbum en 1965. Fue 33
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ uno de los 50 álbumes seleccionados en 2002 por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos para ser añadido al National Recording Registry. 1. Blowin' in the Wind 2. Girl from the North Country 3. Masters of War 4. Down the Highway 5. Bob Dylan's Blues 6. A Hard Rain's a-Gonna Fall 7. Don't Think Twice, It's All Right 8. Bob Dylan's Dream 9. Oxford Town 10. Talkin' World War III Blues 11. Corrina, Corrina (Tradicional) 12. Honey, Just Allow Me One More Chance (Dylan/Henry Thomas) 13. I Shall Be Free 037. Phil Spector & Various Artists – A Christmas Gift for You (1963) ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• Corría el año 1963 cuando el productor norteamericano Phil Spector tuvo la genial idea de contagiar a una serie de trece villancicos anglosajones su orquestación favorita: el wall of sound (muro de sonido). Beatles y Beach Boys fueron de las primeras bandas que solicitaron sus servicios, pero siempre se le recordará por haber creado esos grupos de chicas de los 60 que guardaban en su soul fresco y de angustia juvenil no sólo toda la esencia de una década sino también un sentimiento y una música pop muy particular. Spector escogió la voz de varias de estas vocalistas para elaborar el (quizás) mejor disco navideño de la historia del pop y el soul. Un clásico que alterna a Darlene Love, The Ronettes, Bob B. Soxx and The Blue Jane y The Crystals. 34
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Cursilería y calor de pascua con múltiples pistas de acompañamiento superpuestas para abrumar al oyente, el genuino wall of sound spectoriano. Darlene Love sobresale del resto, aunque sólo sea por ese hit navideño que resulta ser Christmas (Baby please come home), el más cercano al espíritu de las girl goups por su vitamínica porción de zumo de sincera declaración de amor y por su fresca y pegadiza melodía: no es de extrañar que Joe Dante la utilizará para abrir los títulos de crédito de Gremlins, más de veinte años después, con todo el sentido del mundo. Además, el Santa Claus is coming to town de The Crystals aúna animados gorgoritos con frenesí bebop femenino, un dato que sólo es capaz de excepcionar la más exclusiva sección masculina: Bob B. Soxx y la inapreciable finalización del álbum por parte del propio Phil Spector en Silent Night; así como es de destacar la selecta y profesional orquesta que acompaña a las chicas, formada por: Jack Nitsche, Sonny Bono y Frank Capp en la percusión, Louis Blackburn con el cuerno, Leon Russell con el piano, Steve Douglas y Jay Migliori con el saxo, Barney Kessel, Irv Rubbins, Tommy Tedesco, Nino Tempo y Bill Pitman con la guitarra, Ray Pohlman con el bajo y Johnny Vidor con las cadenas. En A Christmas gift for you hay lugar tanto para la imaginación infantil con Frosty the snowman o Rudolph the red-nosed reindeer como para la macabra coincidencia de que el LP fuera realizado el mismo día en el que asesinaron a John F. Kennedy (22 de noviembre de 1963). Un disco eterno de apenas media hora que casi inauguraba una década decisiva en muchos aspectos culturales y sociales, y en la que Phil Spector y sus grupos de chicas sellaron su impronta a través de sonido mono, abrumadoras y cálidas melodias y voces llegadas desde el impulso latente. Un clásico en toda regla, y no sólo como modernizador del popular villancico. 1. White Christmas - Darlene Love 2. Frosty The Snowman - The Ronettes 3. The Bells of St. Mary - Bob B. Soxx and The Blue Jeans 4. Santa Claus is Comin’ to Town - The Crystals 5. Sleigh Ride - The Ronettes 6. Marshmallow World - Darlene Love 7. I Saw Mommy Kissing Santa Claus - The Ronettes 8. Rudolph The Red-Nosed Reindeer - The Crystals 9. Winter Wonderland - Darlene Love 10. Parade Of The Wooden Soldiers - The Crystals 11. Christmas (Baby Please Come Home) - Darlene Love 12. Here Comes Santa Claus - Bob B. Soxx and The Blue Jeans 13. Silent Night - Phil Spector and Artists ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 038. Sam Cooke – Live at the Harlem Square (1963) Soul es la palabra. Y una auténtica explosión de soul en su estado más puro y primigenio, es lo que se produjo aquella noche de 1963 35
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ en el Harlem Square Club de Florida en 1963. Una apoteosis total de poderío vocal e interpretativo a cargo del que posiblemente sea el vocalista más grande que nos ha dejado la música soul, Sam Cooke, acompañado para la ocasión por una banda completamente entregada. Al margen de la calidad de los temas y su maestría vocal, lo fascinante este disco es la energía, la emoción y el desgarro con el que Cooke desgrana cada uno de los temas, todos interpretados con un punto más de agresividad, y ritmo que el que presentan sus exitosas y fantásticas versiones de estudio. Los fraseos casi gospel con los que enlaza los temas, y con los que capta la atención de los presentes. Su complicidad y comunión con el público. La delicadeza y sensibilidad con la que abre ese tremendo medley que incluye It's All Right y For Sentimental Reasons, y la intensidad con la que lo interpreta. El desparrame vocal que impregna a ese fantástico Somebody Have Mercy, y el increíble comienzo y desarrollo de Bring It On Home to Me. Realmente glorioso. Curiosamente esta joya, aunque fue grabada para publicarse en el mismo 63, como un disco en directo que se titularía One Night Stand, finalmente tardó 22 años en publicarse, ya que RCA, lo acabó editando en 1985, tras el éxito de la reedición del single Wonderful worl. Es la mejor prueba de que Sam Cooke invento el soul... o por lo menos fue uno de los principales causantes de ello. Escúchalo, después te pregunto si no te gusta el soul. 01. Feel It 02. Chain Gang 03. Cupid 04. Medley: It's All Right / For Sentimental Reasons 05. Twisting the Night Away 06. Somebody Have Mercy 07. Bring It On Home to Me 08. Nothing Can Change This Love 09. Having a Party ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 039. Charles Mingus – Black Saint & the Sinner Lady (1963) A este disco se le considera como uno de loes mejores discos de jazz que se han hecho en cuanto a sus arreglos orquestales, es una obra maestra mingusiana, imagen virtual de Ellington, y contiene todas las esencias de la música de Mingus. Obra que parece haber sido pensada para la danza, es también una síntesis de toda su obra anterior y sorprende por su estructura, muy similar a la sinfónica. En las aportaciones de los músicos llama la atención, por un lado, el empleo "español" de la guitarra, que recuerda, en parte, el pasado "chicano" de Mingus, y, sobre todo, el papel solista del saxo alto de Charlie Mariano. La música presenta constantes cruces entre la tradición europea y el bop, tejido todo ello con el entusiasmo y vigor de la interpretación. Es una verdadera música romántica, escrita de modo exhuberante 36
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ para la orquesta, en la que destaca sobre todo el trabajo armónico muy cercano a lo modal. Es, sin duda, el disco favorito de muchos seguidores de la obra de Mingus y del jazz en general. Está concebida como una suite de 6 partes: Track A. Solo Dancer Track B. Duet Solo Dancers Track C. Group Dancers Mode D. Trio and Group Dancers Mode E. Single Solos and Group Dance Mode F. Group and Solo Dance. ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 040. James Brown – Live at the Apollo (1963) James Brown tiene más superlativos asociados a su nombre que ningún otro artista en la historia de la música pop o soul. “El Hermano Soul Número Uno”, “El Padrino del Soul”, “James ‘Papa Soul’ Brown”, “El Hombre Más Trabajador del Mundo del Espectáculo”, “Sr. Dinamita” y “El Hombre Disco Original”. Todo esto es cierto, porque lo que se llamó soul en los sesentas, funk en los setentas y rap en los ochentas, viene directo del estilo musical de James Brown. A través de la furia del gospel que hay en su voz y la complejidad rítmica de sus tonadas, James Brown, fue en elemento más importante en las tres revoluciones de la música negra en los Estados Unidos. La espectacularidad de sus presentaciones combinadas con una coreografía trabajada al segundo definieron la dirección que tomaría la música Rythm and Blues. La audiencia ya sabía de la existencia de Brown y de la intensidad de su espectáculo, pero él se convirtió en un fenómeno con el lanzamiento del disco “Live at the Apollo” de 1963. El LP era un retrato sonoro de la intensidad y potencia de sus presentaciones, lo que eventualmente empujó al disco a ser el número dos en la lista de álbumes más vendidos. Algo sin precedentes en la historia del R&B. “Live at the Apollo” fue una muestra del carácter de Brown a la hora de buscar nuevas oportunidades: El LP se grabó contra los deseos de la disquera. Su música es ahora más influyente que nunca, dado que su voz y sus ritmos aparecen recortados en una gran cantidad de temas rap y hip-hop, al tiempo que los críticos reconocen que sus innovaciones a la música soul y rock están entre las más importantes. Lo que Elvis Presley fue para el rock and roll, es lo que James Brown fue para el R&B. Al igual que Elvis produjo más de una centena de canciones que entraron a la lista Billboard de R&B (114) y 94 entraron a la lista del top 100. 37
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 1. Introduction by Fats Gonder/Opening Fanfare - James Brown, 2. I'll Go Crazy 3. Try Me 4. Think - James Brown, Pauling, Lowman 5. Lost Someone 6. Lost Someone 7. Medley: Please Please Please/You've Got the Power/I Found Someone (AKA 8. Night Train - James Brown, Forrest, Jimmy ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 041. Stan Getz & João Gilberto – Getz/Gilberto (1963) Alrededor de 1962 la Bossa Nova ya había sido adoptada por músicos de jazz estadounidenses como Stan Getz. Este último invitó a João Gilberto y Tom Jobim para que colaboraran en lo que acabó convirtiéndose en uno de los discos de jazz más vendidos de la historia, Getz/Gilberto. El álbum Getz/Gilberto, ganó dos premios Grammy en 1965, el de mejor álbum y el de mejor single, superando a Los Beatles con su tema “A Hard Day’s Night”. Esto fue sin duda una victoria para el jazz y la bossa-nova y derivó en la propagación de esta música entre millones de personas, allanando el camino para que la música brasileña y sus instrumentos se sumaran al jazz.De este trabajo destaca la composición de Jobim/de Moraes "Garota de Ipanema" (La Chica de Ipanema; en su versión inglesa, The Girl from Ipanema), que se convirtió en una canción clásica del pop internacional y llevó a la fama a Astrud Gilberto, mujer en aquel entonces de João Gilberto y cantante en esta pieza. 1. Girl From Ipanema 2. Doralice 3. Para Machuchar Meu Coracao 4. Desafinado 5. Corcovado (Quiet Nights Of Quiet Stars) 6. So Danco Samba 7. O Grande Amor 8. Vivo Sonhando (Dreamer) ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 38
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 042. The Beatles – A Hard Day’s Night (1963) A Hard Day's Night fue el tercer álbum de The Beatles y salió al mercado en el Reino Unido el 10 de julio de 1964 como banda sonora de su primera película, también con el mismo nombre. El álbum, mientras muestra el desarrollo de los talentos de los compositores del grupo, mantiene la estructura de canciones e instrumentación del rock and roll básico. Entre las canciones más notables del álbum se pueden destacar la que le da título (con su distintivo y reconocible acorde de apertura) y la pegadiza "Can't Buy Me Love". También es destacable "And I Love Her", balada que escribió McCartney. El título del álbum (y de la película) fue una creación accidental del baterista Ringo Starr. El grupo empezó a rodar la película sin tener aún ningún título definitivo, aunque se barajaba Beatlemania. Después de una jornada de rodaje particularmente accidentada, Starr salió del estudio creyendo que aún era de día y dijo "It's been a hard day..." ("Ha sido un día duro", y entonces, dándose cuenta de que ya estaba oscuro, corrigió "...day's night" ("...la noche de un día duro" La cara A del álbum contiene las canciones de la banda sonora de la película. La cara B incluye temas que fueron grabados para la película pero no incluidos en ella, aunque una reedición de la misma hecha en los 80 incluye un prólogo antes de los títulos de crédito con "I'll Cry Instead" en la banda sonora. Éste fue el primer álbum de los Beatles compuesto íntegramente por composiciones originales, lo que no se volvería a dar hasta el lanzamiento de Rubber Soul en 1965. En el 2003, la revista Rolling Stone lo califico como el número 388, en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos 1. Hard Day's Night 2. I Should Have Known Better 3. If I Fell 4. I'm Happy Just to Dance With You 5. And I Love Her 6. Tell Me Why 7. Can't Buy Me Love 8. Any Time at All 9. I'll Cry Instead 10. Things We Said Today 11. When I Get Home 12. You Can't Do That 13. I'll Be Back ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 39
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 043. Jacques Brel – Olympia 64 (1964) 8. Le Plat Pays (The Flat Lands) 9. Les Bonbons (Candies) 10. Mathilde 11. Les Bigotes (The Bigoted Church Ladies) 12. Les Bourgeois (Middle Class People) 13. Jef 14. Au Suirvant (Next) 15. Madeleine ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 044. Solomon Burke – Rock ‘n’ Soul (1964) La Canción francófona tiene sus héroes: Jacques Brel, nacido el 8 de abril de 1929 en el suburbio de Bruselas a Schaerbeek, es uno de ellos. Jacques Brel, fue un cantante belga francófono y, al mismo tiempo, actor y cineasta. Sus canciones son famosas por la poesía y honestidad de sus letras. Su primer disco sale en 1953 en Bélgica; pero la fuerza de los textos y la violencia de la interpretación cimbran en las bases de muchos. David Bowie, Sting, Frank Sinatra y Nina Simone han interpretado sus canciones. 1. Amsterdam 2. Les Timides (The Timid People) 3. Le Dernier Repas (The Last Supper) 4. Les Jardins De Casino (The Casino Gardens) 5. Les Vieux (The Old People) 6. Les Toros (The Bulls) 7. Le Tango Funebre (The Funeral Tango) Solomon Burke es una de las voces más importantes de la historia del soul. Calificado como “El Rey del Rock’n’Soul”, se convirtió 40
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ inmediatamente en uno de los pilares del sello Atlantic, el que más estrellas del soul ha tenido en su nómina. Acompañado en la actualidad por una sólida banda, sus conciertos tienen un tremendo impacto, con un potencial sonoro difícil de imaginar hasta verlos en escena. Solomon Burke es un miembro destacado del Hall Of Fame, donde se entroniza a los mejores de cada especialidad, y ha ganado el premio Grammy en varias ocasiones. Solomon Burke se consolido definitivamente como uno de los mejores y más intensos cantantes de los años sesenta, junto a nombres de la talla de Don Covay, Joe Tex, Otis Redding, Arthur Conley, Ben E. King y Wilson Pickett con los que casi llegó a formar un auténtico clan. Burke es ese tipo de cantante nacido del gospel y que por evolución llega al soul en unos años donde el floreciente nacimiento de dicho estilo se entreveía ya como uno de los más influyentes en las músicas venideras 1. Goodbye Baby (Baby Goodbye) 2. Cry To Me (Single/LP Version) 3. Won't You Give Him (One More Chance) 4. Solomon Burke - If You Need Me 5. Hard, Ain't It Hard 6. Can't Nobody Love You 7. Just Out Of Reach (Of My Two Empty Arms) 8. You're Good For Me 9. You Can't Love 'Em All 10. Someone To Love Me 11. Beautiful Brown Eyes 12. He'll Have To Go ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 045. Dusty Springfield - A Girl Called Dusty (1963) (Londres, 1939 - 1999) Cantante británica, más conocida como Dusty Springfield. Grabó por primera vez a finales de los cincuenta con The Lane Sisters, antes de formar en el año 1960, junto con su hermano Tom y Tim Field, los famosos Springfields, de orientación folk y country. Con esta formación consiguió unos cuantos singles de éxito, y tres años más tarde comenzó su trabajo en solitario con el sello Phillips (el mismo con el que grababan The Springfields). Tras la separación de The Springfields, Dusty iniciaría su carrera en solitario en 1963 con el single "I only want to be with you", canción con claras influencias de los grupos femeninos de soul de la Motown producidos por Phil Spector. En este tema, además de cantar, Dusty se involucró en la producción y los arreglos, algo que a partir de entonces sería una constante a lo largo de su carrera. El sencillo logró un destacado éxito, llevándola a ser la cantante más conocida en su país y una referencia para muchas jóvenes británicas, quienes imitaban su peinado y su maquillaje. 41
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Un año más tarde, en 1964, editó I Only Wanna Be With You, que llegó hasta el número cuatro en las listas inglesas y que le lanzó a la fama de manera inmediata. El LP asociado, su álbum de debut llamado A Girl Called Dusty, se editó ese mismo año y también entró en el top diez británico. De ese mismo álbum se extrae Wishin´ And Hopin´ como single para los Estados Unidos, en donde alcanzó la misma posición que su single de estreno en el Reino Unido. En ese año se hizo con el público en ambos lados del Atlántico. 1.: Mama Said 2.: You Don't Own Me 3.: Do Re Mi 4.: When The Lovelight Starts Shining Through His Eyes 5.: My Colouring Book 6.: Mockingbird 8.: Nothing 7.: Twenty Four Hours From Tulsa 9.: Anyone Who Had A Heart 10.: Will You Love Me Tomorrow 11.: Wishin' And Hopin' 12.: Don't You Know 13.: I Only Want To Be With You (alternate mix) 14.: He's Got Something 15.: Every Day I Have To Cry (bonus track) 16.: Can I Get A Witness (bonus track) 17.: All Cried Out (bonus track) 18.: I Wish I'd Never Loved You (bonus track) 19.: Once Upon A Time (bonus track) 20.: Summer Is Over (bonus track) ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 046. Rolling Stones – England's Newest Hit Makers (1964) The Rolling Stones es el álbum debut de los Rolling Stones y fue lanzado en Reino Unido en Abril de 1964, siguiéndole un mes después su versión para los Estados Unidos, denominada England's Newest Hit Makers. En ella se sustituía la canción I Need You Baby (Mona) por Not Fade Away.Contenido [ocultar] Fue grabado en cinco días repartidos entre enero y febrero de 1964. El álbum fue producido por los mánagers del grupo, Andrew Loog Oldham y Eric Easton. El disco fue editado tras la aparición de los dos primeros sencillos de la banda en 1963, Come On y I Wanna Be Your Man, éste último una versión de los Beatles. Su tercer sencillo, Not Fade Away fue un corte del England's Newest Hitmakers, que sustituía al tema I Need You Baby (Mona) de la versión inglesa del álbum. El disco fue distribuido por la Decca Records en el Reino Unido, mientras que en los Estados Unidos el England's Newest Hitmakers apareció bajo el sello de London Records. 42
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Mick Jagger y Keith Richard (quien no usaría la "s" en su apellido hasta 1978), principales compositores del grupo, sólo contribuyeron con una canción original, aunque en el álbum aparecen un par de pistas acreditadas a "Nanker Phelge" (un seudónimo usado para las composiciones del grupo). En el disco se muestra el amor de la banda por el rhythm & blues, el género al que se orienta la mayor parte de él. Después de su lanzamiento, los Rolling Stones se convirtieron en uno de los más grandes vendedores de de discos en el Reino Unido en 1964, permaneciendo en el número uno por 12 semanas, mientras que ocuparon el puesto undécimo Estados Unidos con England's Newest Hitmakers, que se convirtió en disco de oro. En agosto de 2002, la edición estadounidense del álbum fue reeditada y remasterizada para CD y SACD digipak por ABKCO Records. 01. The Rolling Stones - (Get Your Kicks On) Route 66 02.I Just Want to Make Love to You 03.Honest I Do 04. The Rolling Stones - Mona (I Need You Baby) 05. The Rolling Stones - Now I've Got A Witness 06.Little by Little 07..I'm a King Bee 08.Carol 09.Tell Me (You're Coming Back) 10.Can I Get a Witness 11.You Can Make It if You Try 12.Walking the Dog ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 047. Buck Owens – I’ve Got a Tiger by the Tail (1964) Representante de una generación de músicos que le dieron un sonido propio a la música country (“Bakersfield Sound”), Buck Owens fue el generador de un estilo con sello propio que tuvo con el correr de los años muchos adeptos (Dwight Yoakam por ejemplo) y que en su momento representó una refrescante alternativa al “Nashville Sound” imperante en los ’60 y ’70. La vigencia musical de este nuevo estilo hizo que lo catalpultara al sitial de privilegio entre los más grandes exponentes que ha dado la música country a lo largo de su historia.. En 1965 arraso las listas con hits como "I've Got a Tiger by the Tail" o "Before You Go", no fue de extrañar por ello que ese año recibiera el prestigioso premio de “Mejor Vocalista del Año”, distinción otorgada por la Academia de Country Music. Para entonces su estilo musical estaba claramente definido, alejado del sonido Texano, claramente Honky Tonk y Western Swing el Bakersfield Sound ahonda mayormente en los sonidos eléctricos y es la guitarra con sondio 43
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ brillante y claro, a veces con semi eco la que manda en la grabación, no es de extrañar que fuera su sonido el que mas tarde influyese enormemente en la creación del Country Rock por jovenes como Gram Parsons y demás cachorros de una California por aquellos años efervescente en cuanto a creación artística. 048. Jerry Lee Lewis – Live At The Star Club Hamburg (1964) 1. I've Got a Tiger by the Tail 2. Trouble and Me 3. Let the Sad Times Roll On 4. Wham Bam 5. If You Fall Out of Love With Me 6. Fallin' for You 7. We're Gonna Let the Good Times Roll 8. Band Keeps Playin' On 9. Streets of Laredo 10. Cryin' Time 11. Maiden's Prayer 12. Memphis ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• Jerry Lee Lewis, “The Killer”, ha sido el músico más salvaje que ha dado el rock ´n´ roll, un animal de escenario que incendiaba, literalmente, su piano y que llevaba al paroxismo a su audiencia en sus actuaciones, cuentan que después de uno de sus conciertos, en los que compartía cartel con otras estrellas de relumbrón, el gran Chuck Berry se negó a subir al escenario después del Killer, pues era imposible superar aquel huracán que acababa de asolar el escenario. Por eso la mejor manera de conocerlo es con este espectacular disco donde realiza interpretaciones notables de varios clásicos del rock & roll como “Great balls of fire”, “high school confidential”, “What’d I say” de Ray Charles, “Long tall Sally” de Little Richard, “Good golly miss molly”, “Matchbox”, etc. Un disco en vivo suficientemente bueno, tanto que a más de uno le encantaría haber estado presente al momento de la grabación. Un disco que está entre los mejores registros en vivo que he escuchado. Para algunos el primer disco Punk. Para mí, la primera vez que noté 44
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ que a un piano se le puede tratar como a una guitarra. 1. Mean Woman Blues 2. High School Confidential 3. Money (That's What I Want) 4. Matchbox 5. What'd I Say, Pt. 1 & What'd I Say, Pt. 2 6. Great Balls of Fire 7. Good Golly Miss Molly 8. Lewis Boogie 9. Hound Dog 10. Long Tall Sally 11. Whole Lotta Shakin' Goin' On ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 049. Sonics – Here Are the Sonics (1965) Debut de la gran banda de garaje proto-punk The Sonics, una de las formaciones más crudas, directas y agresivas de la historia de la música rock. El disco incluye quince temas con ocho versiones de clásicos de la música de finales de los 50 y principios de los 60... ¡pero qué versiones! Repletas de fuerza, potencia y visceralidad, no sólo derivada de su atronadora ejecución instrumental con los hermanos Parypa al frente y el saxo de Rob Lind, sino también de la esencial y berreante voz de Gerry Rosley, compositor asimismo de los excelentes temas propios del conjunto. Las enérgicas adaptaciones de grandes canciones como, "Roll Over Beethoven" de Chuck Berry, "Walking the Dog" de Rufus Thomas, "Good Golly Miss Molly" de Little Richard, o la sensacional "Have Love Will Travel", escrita por Richard Berry (el creador de "Louie, Louie" son complementados por las verdaderas joyas del LP, las canciones escritas por el citado Rosley, todo un panorama de chicas poco recomendables, coches deslumbrantes, amantes enloquecidos, y loas a la estricnina en temas de excitante ritmo como "The Witch", "Boss Hoss","Psycho" y "Strychnine". 1. The Witch 2. Roll Over Beethoven 3. 3. Boss Hoss 4. Dirty Robber 5. Have Love Will Travel 6. Keep A Knockin' 7. Don't Believe In Christmas 8. Psycho 9. Money 10. Walkin' The Dog 11. Night Time Is The Right Time 12. Strychnine 13. Good Golly Miss Molly 14. Santa Claus 45
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 15. The Village Idiot ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 050. Bob Dylan – Bringing it All Back Home (1963) identificado desde un principio, encontrando una nueva tendencia en letras más abstractas y personales. Bringing It All Back Home es a menudo citado como el nacimiento del folk-rock, así como uno de los mejores álbumes de la carrera musical de Dylan. El álbum alcanzó el puesto #6 en las listas de Billboard, siendo el primer álbum de Dylan que entra en los diez primeros puestos de las listas estadounidensas. En el Reino Unido, el álbum se alzaría hasta el puesto más alto. El primer single extraído del álbum, "Subterranean Homesick Blues", sería el primer single en entrar en las listas americanas, alcanzando el puesto #20. 01. Subterranean Homesick Blues 02. She Belongs to Me 03. Maggie's Farm 04. Love Minus Zero/No Limit 05. Outlaw Blues 06. On the Road Again 07. Bob Dylan's 115th Dream 08. Mr. Tambourine Man 09. Gates of Eden 10. It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding) 11. It's All Over Now, Baby Blue En la evolución de Bob Dylan el Eslabón Perdido es "Bringing It All Back Home", y es casi simétricamente mitad rock y mitad folk. Bringing It All Back Home es el quinto álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en 1965. El álbum se divide en dos caras, una de ellas eléctrica y la segunda, acústica. En la cara A del original álbum de vinilo, Dylan se hace acompañar de una banda de rock'n'roll, movimiento que sería mal visto por algunos compañeros de la comunidad folk. En la cara B del álbum, se distancia de las canciones protesta con las que había sido 46
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 051. Otis Redding – Otis Blue… Sings Soul (1965) originales. Un tributo maravilloso. Otis Redding, the King Of Soul, uno de los mejores cantantes de Soul,una de las voces más completas. Su corta carrera musical ( a causa de un accidente aéreo con tan sólo 26 años )hizo que no conociera el verdadero éxito, hasta después de su muerte. En fin, un disco completo en todos los sentidos. 1. Ole Man Trouble 2. Respect 3. Change Is Gonna Come 4. Down In The Valley 5. I've Been Loving You Too Long 6. Shake 7. My Girl 8. Wonderful World 9. Rock Me Baby 10. Satisfaction ( I Can't Get No ) 11. You Don't Miss Your Water Cuando uno piensa en Otis Redding, este es el álbum de referencia, aparte de uno de los fundamentales del género soul en los sesenta. Aunque ocho de los temas sean versiones, Otis se las arregla para llevarlos a su terreno. Aquí se apoya en otro talento impar: nada menos que Booker T, el líder de los MG's. El disco es completísimo, sin desperdicio, y pudiera dividirse en tres categorías. En primer lugar, las versiones que Redding hace del repertorio de su ídolo, Sam Cooke, primer artífice de la fusión entre gospel y pop. Su influencia en Otis y en todo el soul de los sesenta es innegable. Como el propio Redding, Cooke desapareció prematura e inesperadamente. En "Otis Blue", las recreaciones de "Shake", "Wonderful World" y "A Change Is Gonna Come" se caracterizan por la vocalización más gutural y el sonido más urgente que los ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 47
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 052. The Beach Boys - Today! (1965) 1.Do you wanna dance? 2.Good to my baby 3.Don't hurt my little sister 4.When I grow up (to be a man) 5.Help me, Ronda 6.Dance, dance, dance 7.Please let me wonder 8.I'm so young 9.Kiss me, baby 10.She knows me too well 11.In the back of my mind 12.Bull sessions with Big Daddy ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 053. John Coltrane - A Love Supreme (1965) 'Today!' es el noveno álbum de estudio de los Beach Boys, y el primero de tres realizados en el año 1965. Aunque nadie comprendiera la importancia del álbum, "Today!" en aquellos días, dicho álbum ha marcado un punto decisivo y principal dentro del mundo de la musica, y en particular, del líder Brian Wilson. La Revista Rolling Stone lo colocó en el número 270 de su lista de «Los Mejores Discos» en 2003. Muchos consideran que "Today!" marca el principio de la maduración artística de Brian Wilson. El álbum es famoso por tener un lado de canciones optimistas y elsegundo lado de baladas melancólicas. Muchos consideran "Today!" el más resuelto "y maduro" delos álbumes que se hicieron por el año 1965. "Today!" es el primer reflejo, resultado del cambio que sufrían los Beach Boys, no fue de gran repercusión comercial, pero dentro del contexto significa un puente evolutivo entre la primera etapa del grupo (la más pop) y su cumbre artística. 48
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Obra maestra de Coltrane, expresa algo así como un homenaje o regalo del artista a su inspirador. Al menos así queda plasmado en sus mismas palabras: "Como una humilde ofrenda a Él". "A Love Supreme" no es un disco fácil de entender. Contiene demasiada moderanidad con sonidos improvisados y un manejo de estructuras que pueden hasta sonar irritantes o desagradables en una primera oída. Sin embargo, tras intentarlo y lograr avanzar es posible caer en la magia de su composición y ver la fluidez tanto de sus instrumentos, como de la música que genera. A Love Supreme es la suite de jazz en cuatro partes que John Coltrane grabó en el curso de una noche con el pianista McCoy Tyner, el bajista Jimmy Garrison y el baterista Elvin Jones. Sorprendió a Coltrane en un punto culminante de su trayectoria creativa: la cristalización de los últimos tres años como parte de aquel famoso cuarteto, antes de virar hacia la fase final y más discutida de su carrera. Después de llegar a los comercios y a las ondas radiofónicas, en febrero de 1965, menos de dos meses después de su grabación, A Love Supreme se convirtió en un éxito de ventas en los círculos jazzísticos, y se escuchaba tanto en los dormitorios de los colleges como en los pisos de los guetos, en las esquinas de Harlem y de Haight-Ashbury: un disco unificador encumbrado gracias a la oportunidad del momento en que salió. «A Love Supreme llegó e influenció a toda la gente que estaba por la paz», recordaba Miles Davis. «Los hippies y la gente así.» A mediados de los sesenta, A Love Supreme destilaba los temas de la década: el amor universal y la conciencia espiritual. «En los sesenta, estamos en la época de las religiones orientales, la nueva espiritualidad y el Hare Krishna, y ésa era la matriz de donde provenía Trane... y encajó perfectamente», señala el saxofonista Archie Shepp. A Love Supreme nunca ha pasado de moda, y a través de los cambios, con el paso de las décadas, desde el optimismo de cielos azules hasta la dureza del hastío, la relevancia de la música y su mensaje han permanecido constantes. «Sé que hay mucha gente que ni tan sólo quiere escuchar música de cinco, cuatro años atrás», comenta Alice Coltrane. «Pero A Love Supreme tiene un espíritu de renovación propio... es intemporal, es eterna.» Un disco recomendado, especialmente para aquellos que buscan saber la inspiración de la música maestra y sin letras Part 1: "Acknowledgement" Part 2: "Resolution" Part 3: "Pursuance Part 4: "Psalm" ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 054. BB King - Live At The Regal (1965) 49
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ En noviembre de 1964, King grabó el legendario álbum "Live At The Regal" en el Teatro Regal en Chicago, Illinois, uno de los clásicos en vivo de todos los tiempos. En esta grabación, Lucille (su guitarra) toma el lado salvaje y suena de una manera soberbia ante una entusiasta audiencia negra. Es una delicia oír a B.B. King tocar en distintas afinaciones, recreando un sonido que nunca captura en el estudio. Sin duda un disco obligado para sus fans Y aquí le tenemos, compartiendo su legendario repertorio con una audiéncia y causando estragos entre sus fans femeninas. Live at Regal es el cuarto album del rey del blues, y primer directo tras 5 años desde su anterior disco My Kind of Blues. En realidad sus tres discos anteriores no eran obras trabajadas en su totalidad de forma completa, sinó que eran recopilaciones de singles, algo que estaba a la orden del día en aquella época. B. B. King es considerado como el mejor guitarrista de blues que ha tenido la historia de la música . Es conocido por llamar a sus guitarras "Lucille", incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida, esta es ya una tradición que inició en los 1950s. 01 - Every Day I Have the Blues 02 - Sweet Little Angel 03 - It's My Own Fault 04 - How Blue Can You Get? 05 - Please Love Me 06 - You Upset Me Baby 07 - Worry, Worry 08 - Woke Up This Morning (My Baby's Gone) 09 - You Done Lost Your Good Thing Now 10 - Help the Poor ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 055. Beatles - Rubber Soul (1965) El Rubber Soul apareció el 3 de diciembre de 1965. Fue grabado en sólo cuatro semanas para aprovechar el mercado navideño, pero a pesar de eso resultó un gran disco y alcanzó el éxito tanto de ventas como de críticas. El álbum fue producido para la EMI por George Martin (que también toca el teclado, por ejemplo el solo de piano de "In My Life". En este álbum se ve un gran paso adelante en el desarrollo artístico de los Beatles, ya que dejaron atrás su sonido original. Todas las canciones del álbum fueron escritas por miembros del grupo y se usaron nuevos instrumentos, como el sitar en "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" También se puede apreciar en él la influencia de otros artistas contemporáneos como Bob Dylan. 50
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ El equipo compositor que formaban John Lennon y Paul McCartney comenzó a explorar otros temas aparte del amor romántico. En particular, las relaciones entre los sexos pasaron de simples canciones de amor chico-chica a descripciones más datalladas e incluso negativas. "Norwegian Wood" representa un encuentro ambiguo entre el cantante y una chica. La chica de "You Won't See Me" es descrita como inmadura y obstinadamente se niega a escuchar al cantante. En "I'm Looking Through You", la chica no trata bien al cantante. "Girl" describe a alguien que "habla mal de ti delante de los amigos", y "Run For Your Life" presenta una vaga amenaza de muerte. El álbum pasó 42 semanas en las listas británicas empezando el 11 de diciembre de 1965, y en Navidad superó a Help!, el anterior álbum de los Beatles, colocándose en el primer puesto, posición que mantendría ocho semanas. El álbum se convirtió en un clásico, el 9 de mayo de 1987 regresó a las listas durante 3 semanas, y diez años después hizo otra reentrada en las mismas. En 1998 los lectores de la revista Q votaron a Rubber Soul como el 40º mejor álbum de todos los tiempos; in 2003 la cadena de TV VH1 lo colocó en el número 6. La revista Rolling Stone lo situó en el número 5. 01. "Drive My Car 02. Norwegian Wood (This Bird Has Flown) 03. You Won't See Me 04. Nowhere Man 05. Think For Yourself 06. The Word 07. Michelle 08. What Goes On 09. Girl 10. I'm Looking Through You 11. In My Life 12. Wait 13. If I Needed Someone 14. Run For Your Life ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 056. Bert Jansch – Bert Jansch (1965) Primer disco de uno de los guitarristas más influyentes de toda la historia. Grabado entre finales de 1964 y principios de 1965, aqui ya nos encontramos con algunas de las canciones que mejor representan el estilo de Bert como guitarrista, canciones como strolling down the highway o la preciosa the neddle of death hacen de este disco que sea indispensable para los amantes del folk o el blues. Este escocés es un nombre mítico del folk británico que se lo toma con calma pero que de vez en cuando nos sorprende con especiales y 51
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ agradables discos como este. Es también usual y lógico colocarle a la altura de Donovan o Nick Drake, pero las merecidas alabanzas también le llegan del rock. Jimmy Page le admira y el bueno de Neil Young afirmó debido a su destreza con la guitarra que era el equivalente con la acústica a Jimi Hendrix. Pero no sólo tiene admiradores coetáneos. También más jóvenes como Hope Sandoval, Bernard Butler (Suede) o Johnny Marr (The Smiths) le rinden pleitesía y han colaborado con él. 1. Strolling Down The Highway 2. Smokey River 3. Oh How Your Love Is Strong 4. I Have No Time 5. Finches 6. Rambling's Gonna Be The Death Of Me 7. Veronica 8. Needle Of Death 9. Do You Hear Me Now 10. Alice's Wonderland 11. Running From Home 12. Courting Blues 13. Casbah 14. Dreams Of Love 15. Angie ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 057. The Byrds - Mr Tambourine Man (1965) Mr. Tambourine Man. 1965 (Columbia / Sony 1996). El primer LP oficial de Los Byrds, publicado por Columbia durante el verano de 1965 y grabado en abril de aquel mismo año, con Terry Melcher como productor. Un clásico. El sonido que el grupo desarrolló a lo largo de 1964 alcanza aquí su culminación y se convierte en punto de partida para el trabajo posterior de Los Byrds. Las guitarras Rickenbacker de 12 cuerdas, el folk y la influencia de Los Beatles crearon, en manos de Los Byrds, un sonido radicalmente nuevo que fue muy imitado en 1965 y 1966. Este primer LP retoma buena parte de las canciones ensayadas en los World Pacific Studios ('Mr. Tambourine Man', 'It's No Use', 'Here Without You', 'You Won't Have To Cry') y añade nuevo material de Gene Clark ('Feel A Whole Lot Better') y nuevas versiones ('Chimes Of Freedom, 'We'll Meet Again'...) La concepción y el mismo diseño de la portada eran muy avanzados para su época: se utilizó una fotografía de Los Byrds hecha con un objetivo de 'ojo de pez' que 52
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ alargaba y distorsionaba las figuras de los miembros del grupo. Como muchos otros aspectos de este LP, éste también fue copiado posteriormente por otras bandas tan prominentes como Beatles y Stones. 1. Mr. Tambourine Man 2. I'll Feel A Whole Lot Better 3. Spanish Harlem Incident 4. You Won't Have To Cry 5. Here Without You 6. The Bells Of Rhymney 7. All I Really Want To Do 8. I Knew I'd Want You 9. It's No Use 10. Don't Doubt Yourself, Babe 11. Chimes Of Freedom 12. We'll Meet Again ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 058. Bob Dylan - Highway 61 Revisited (1965) Highway 61 Revisited es el sexto álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en 1965. Supone el primer álbum de Dylan en ser grabado de forma completa con una banda de rock, después de experimentar con nuevos sonidos en Bringing It All Back Home. Es comúnmente denominado como una muestra del periodo de "hombre joven y enfadado" en la carrera de Dylan, al estar conformado en su mayoría por composiciones de naturaleza acusatoria y con sonidos rudos y altos. Con éxitos como "Like a Rolling Stone" y "Ballad of a Thin Man", es considerado como uno de los mejores álbumes en la carrera del músico y uno de los más influyentes en la música contemporánea. El propio Dylan comentó al respecto: "No voy a ser capaz de hacer un disco mejor que aquel... Highway 61 es demasiado bueno. Hay mucho material en él que yo mismo escucharía". Highway 61 Revisited alcanzó el puesto #3 en las listas de Billboard y el #4 en el Reino Unido, mientras "Like a Rolling Stone" alcanzó el puesto #2 en las listas americanas y el #4 en las británicas. 4 53
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Asimismo, se sitúa en el número uno de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, elaborada por la revista musical Rolling Stone. Por su parte, Highway 61 Revisited figura en el puesto #4 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. 1. Like A Rolling Stone 2. Tombstone Blues 3. It Takes A Lot To laugh, It Takes A Train To Cry 4. From A Buick 6 5. Ballad Of A Thin Man 6. Queen Jane Approximately 7. Highway 61 Revisited 8. Just Like Tom Thumb's Blues 9. Desolation Row ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 059. The Who - Sings My Generation (1965) My Generation es el álbum de debut de la banda británica de rock The Who, grabado y publicado 1965. En Estados Unidos, el álbum fue titulado The Who Sings My Generation, con una portada y una lista de canciones distintas. Fue considerado por muchos críticos como uno de los mejores álbumes de la historia del rock en diversas listas. El álbum fue realizado de forma inmediata tras el éxito de los primeros singles del grupo. Según las notas incluidas en la edición deluxe del álbum, The Who Sings My Generation fue denominado posteriormente por los componentes del grupo como un trabajo rudo que no representaba sus interpretaciones de la época. En 2006, My Generation era incluido en el puesto 49 de la lista de los 100 mejores álbumes británicos, elaborada por NME. La canción que da título al álbum fue inducida en el Grammy Hall of Fame en 1999 y supone una de las canciones más conocidas del grupo, así como un himno de la historia del rock'n'roll. En The Who Sings My Generation los Who fueron pioneros del uso de tanta distorsión en el sonido. Tanto fue así que el sello americano encargado de la distribución exigió otra copia de la cinta porque no sabían que la distorsión se había puesto a propósito. El rythm & blues predomina en la música del disco, que tiene también canciones muy pop. El soul aparece en las versiones I Don't Mind y Please Please Please, que palidecen al compararse a las diez canciones de Pete Townshend. La más clásica, por supuesto, la ya comentada My Generation, auténticamente bestial, con sus solos de bajo tan atípicos en 1965. Pero hay bastante más: La beateliana The Kids Are Alright; canciones pop con fabulosos estribillos como La La La Lies o Out In The Street; las más animadas It's Not True, Instant Party (Circles) y sobre todo A Legal Matter; canciones con el sello propio de los Who como Much Too Much o la misteriosa The Good's Gone; y el extraño instrumental The Ox, con un Keith Moon brutal... y bruto (The Ox era el apodo de John Entwistle). Todas las canciones demuestran la grandeza como compositor de Pete Townshend, canción por canción este disco es extraordinario; el genio de Pete continuaría con sus posteriores obras. 54
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 1. "Out in the Street" 2. "I Don't Mind" (Brown) 3. "The Good's Gone" 4. "La-La-La Lies" 5. "Much Too Much" 6. "My Generation" 7. "The Kids Are Alright" 8. "Please, Please, Please" (Brown/Terry) 9. "It's Not True" 10. "The Ox" (Townshend/Moon/Entwistle/Hopkins) 11. "A Legal Matter" 12. "Instant Party" ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 060. Beatles - Revolver (1966) Revolver es el séptimo álbum de The Beatles, fue lanzado a la venta el 5 de agosto de 1966. El álbum presentó varios nuevos desarrollos estilísticos que llegarían a ser más pronunciados en álbumes posteriores. Éste logró ser número uno en la lista de éxitos de Gran Bretaña y de Estados Unidos. Revolver fue el disco que marcó la carrera de los fab four como psicodélica. Con grandes contrastes como "Taxman" (rock), "Tomorrow never knows" (psicodélica), "Eleanor Rigby" (con un cuarteto de cuerdas) y "Yellow submarine" (con efectos de sonido de submarino y canción de taberna, propia de las tradiciones germanas, inglesas o irlandesas). Revolver frecuentemente es citado como uno de los mejores álbumes. En 1997 fue selecionado en el tercer puesto de los mejores álbumes de todos los tiempos en una encuesta de 'Music of the Millennium' dirigida por prestigiosos medios, como son HMV, Channel 4, The Guardian y Classic FM. En 1998 los lectores de la Q 55
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ magazine colocaron al álbum en el segundo lugar, mientras que en el año 2001, la cadena de televisión VH1 lo situó en el puesto número uno. Revolver fue también votado como mejor álbum en el Virgin All Time Top 1,000 Albums. Una crítica de PopMatters describió al álbum como "Los miembros individuales de la banda más grande de la historia de la música pop alcanzaron su punto más alto a nivel musical en el tiempo exacto", mientras que la revista Ink Blot dijo que el álbum "Se mantiene en la cumbre de la música pop occidental". El famoso Ozzy Osbourne, en sus entrevistas, siempre dice que Revolver es su álbum británico preferido. 1. Taxman, 2. Eleanor Rigby 3. I'm Only Sleeping 4. Love You To, 5. Here, There, and Everywhere 6. Yellow Submarine 7. She Said She Said 8. Good Day Sunshine 9. And Your Bird Can Sing 10. For No One 11. Doctor Robert 12. I Want to Tell You 13. Got to Get You Into My Life 14. Tomorrow Never Knows ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 061. The Beach Boys - Pet Sounds (1966) Pet Sounds es el undécimo álbum de estudio del grupo estadounidense de música pop The Beach Boys, que fue compuesto casi en su totalidad por su líder, Brian Wilson, junto al músico y publicista Tony Asher y lanzado el 16 de mayo de 1966. Este destacaba por su carácter introspectivo, volcado por las experiencias personales del mismo Wilson, que difería mucho de sus producciones anteriores que eran muy melódicas y que contaba con armonías vocales, que se convirtió en el sello del grupo. Esto probablemente, por la influencia que el disco Rubber Soul y Revolver de The Beatles causó en Wilson, quien obsesivamente buscaba el sonido perfecto en sus nuevas producciones. El disco de los fab four de Liverpool, era el paso lógico que la música de mediados de los setenta tenía que dar en busca del sonido progresivo. Brian wilson entendió que su próximo disco, debía superar lo hecho por los jovenes Ingleses. Pet Sounds incorpora músicos profesionales ya que los Beach Boys 56
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ restantes contribuirían poco en la instrumentación, para concentrarse en el trabajo vocal. Por primera vez, Wilson se sentía satisfecho con un trabajo. No obtuvo el éxito al que el grupo estaba acostumbrado (fue su primer gran fracaso comercial), pero sí una obra artística que, según el propio Paul McCartney, "es el mejor disco vocal jamás grabado" y sirvió de inspiración para el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), obra cumbre de The Beatles. Baladas, folk y coqueteos leves con el rock and roll, todo con armonías vocales, Pet Sounds ha crecido con el tiempo para convertirse para algunos en uno de los álbumes más influyentes. El álbum fue grabado en sonido monoaural, como todos los discos de los Beach Boys, debido a la sordera de un oído de Brian Wilson, resultado de un accidente de infancia. Varias veces se ha intentado reeditar Pet Sounds en estéreo, pero los fans han opuesto resistencia. En ediciones posteriores en disco compacto se incluye una versión de I Know There's An Answer con diferente letra (y bajo el título de Hang On To Your Ego), ensayos y tomas alternas. 1. Wouldn't It Be Nice 2. You Still Believe In Me 3. That's Not Me 4. Don't Talk (Put Your Head On My Shoulder) 5. I'm Waiting For The Day 6. Let's Go Away For A While 7. Sloop John B 8. God Only Knows 9. I Know There's An Answer 10. Here Today 11. I Just Wasn't Made For These Times 12. Pet Sounds 13. Caroline No ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 062 - Fred Neil - Fred Neil (1966) Pionero de los folkies en Greenwich village en New York, de hecho cuando Dylan llegó, Fred ya se había pateado todos los garitos. Nunca consiguió el reconocimiento que se merecia, de hecho su canción mas conocida llegó a lo mas alto a través de una versión de un tema suyo a cargo de Harry Nilsson (muy buena todo hay que decirlo) el everybody´s talkin´. Había comenzado a finales de los 50, y este sería su segundo y mejor disco. paradigma del sonido songwriter, con una produccion made in Nick Venett, preñado de buenisimas canciones: the dolphins (si es de el, no de Tim Buckley), that´s the bag i´m in, o I´ve got a secret. Este disco se volvió a reeditar en 1969 con el nombre de Everybody´s Talkin´debido al exito de la cancion en la voz de Nilsson, pero tampoco sirvió para relanzar su carrera, lo cual tampoco le importaba mucho a Fred Neil, siempre un poco al margen de la industria. Grabaría un disco más, el arriesgado Sessions, antes de darse el piro para su Florida natal a 57
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ contemplar a los delfines. Super influyente artista por ejemplo en gente como el propio Tim Buckley 1. The Dolphins 2. I've Got A Secret (Didn't We Shake Sugaree) 3. That's The Bag I'm In 4. Dadi-Da 5. Faretheewell (Fred's Tune) 6. Everybody's Talkin' 7. Everything Happens 8. Sweet Cocaine 9. Green Rocky Road 10. Cynicrustpetefredjohn Raga ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 063. The Byrds-Fifth Dimension (1966) Tras dos discos donde dejaron escritas las tablas de la ley de como mezclar folk con rock logrando como resultado un nuevo género que es mucho más que la suma de estos dos elementos, llega el disco del cambio. El álbum de mayor carga lisérgica de los Byrds. Gene Clark acababa de abandonar la formación alegando miedo a coger aviones, pero antes de su marcha dejó registrada "Eigh miles high", una de las mejores canciones del grupo y uno de los singles más relevantes de los años 60 y de la historia de la música por ser un claro precursor del movimiento psicodélico. Buena parte de culpa de esa anticipada sonoridad psicodélica la tenía Roger McGuinn y la innovadora e influyente utilización de su Rickenbacker de 12 cuerdas, palpable en joyas como la citada "Eight miles high", "I see you" (escrita a medias por McGuinn y Crosby) y "What's happening?!?!", la primera composicion en solitario de David Crosby para los Byrds. El propio McGuinn, responsable en este disco tras la marcha de Gene Clark del peso compositivo, firma otras destacables piezas como la homónima del álbum donde Van Dyke Parks (asimismo colaborador de los Beach Boys) aporta sus teclados, la más comercial y asequible space-country "Mr. Spaceman" y "2-4-2 Fox Trot (The Lear Jet Song)", un curioso tema final en el que introducen juguetones efectos sonoros. Para completar el trabajo adaptan con maestría dos canciones de folk tradicional enaltecidas por arreglos de cuerda en las que sacan a relucir su dominio en las armonías vocales, "Wild Mountain Thyme" y la excepcional historia de fidelidad amorosa narrada en "John Riley". "Fifth Dimension" también contiene la escalofriante "I come and stand at every door", un poema de Nazim Hikmet musicado tiempo atrás por Pete Seeger y que cuenta la triste historia de un niño víctima de la bomba de Hiroshima. El instrumental "Captain Soul" y la versión de "Hey Joe", popular tema escrito por Billy Roberts, son los puntos débiles de una de las grabaciones más arriesgadas e importantes de los Byrds, que 58
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ desarrollan psicodelia de alto nivel y atisbos de space-rock en un disco realmente valioso, como casi todo lo realizado por este esencial conjunto californiano. 1. 5D (Fifth Dimension) 2. Wild Mountain Thyme 3. Mr. Spaceman 4. I See You 5. What's Happening?!?! 6. I Come and Stand at Every Door 7. Eight Miles High 8. Hey Joe 9. Captain Soul 10. John Riley 11. 2-4-2 Fox Trot (The Lear Jet Song) 12. Why? [Single Version] 13. I Know My Rider (I Know You Rider) 14. Psychodrama City 15. Eight Miles High [Alternate RCA Studios Version][Alternate Take] 16. Why [Alternate RCA Studios Version][Alternate Take] 17. John Riley [Version 1][Instrumental] ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 064. Bob Dylan - Blonde On Blonde (1966) Blonde on Blonde es el séptimo álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en 1966. Es considerado el primer álbum doble de la historia del Rock, ya que su duración forzó a editarlo en dos LPs, aunque las reediciones digitales permiten incluir todo el álbum en un único disco compacto. Es notable por introducir la marca dylaniana de blues rock, completamente establecida en su álbum anterior, Highway 61 Revisited, con un sonido más ecléctico e incluso letras más surrealistas. A pesar de su naturaleza inflexible, es considerado uno de los mejores discos de Dylan y uno de los mejores álbumes de la historia del Rock. Blonde on Blonde supondría el final de una era para Dylan, quien sufriría al poco tiempo un accidente de moto que cambiaría sustancialmente su vida personal y artística. Grabado en Nashville, Tennessee, el álbum fue producido por Bob Johnston. Alcanzó el puesto #9 en las listas de Billboard y el #3 en el 59
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Reino Unido, siendo certificado como doble disco de platino. En las listas de los mejores álbumes de la historia, elaboradas por VH1 y Rolling Stone, figura en el puesto nueve. 065. Monks - Black Monk time (1966) 1. Rainy Day Women #12 & 35 2. Pledging My Time 3. Visions of Johanna 4. One of Us Must Know (Sooner or Later) 5. I Want You 6. Stuck Inside of Mobile With the Memphis Blues Again 7. Leopard-Skin Pill-Box Hat 8. Just Like a Woman 9. Most Likely You Go Your Way and I'll Go Mine 10. Temporary Like Achilles 11. Absolutely Sweet Marie 12. 4th Time Around 13. Obviously 5 Believers 14. Sad Eyed Lady of the Lowlands ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• Año 1965, cinco soldados estadounidenses se cansan de repente de servir a su ejército y deciden permanecer en la entonces República Federal de Alemania, en plena guerra fría y hartados de la vida que estaban llevando. Deciden formar una banda. Tendría un banjo como instrumento. Se raparían sus cabezas al medio, como si de monjes se tratara, porque también estarían así ataviados, con vestimenta clerical y cuerdas franciscanas. Eso sí, la música que destilaría su furia generacional poco tendría que ver con la religión. Más bien todo lo contrario: grabarían uno de los primeros discos de punk, incluso antes de que se tenga alguna noción de dicha palabra. The Monks son una de esas casualidades del destino, verdaderas anomalías de la cultura rock. ¿Cómo se puede explicar entonces que cinco ex soldados yankees terminen formando uno de los grupos más de avanzada que hayan pisado nuestro planeta y a miles de kilómetros de su propio hogar? Tal vez en esa amalgama de factores esté la respuesta. Lo cierto es que estos hombres que declaraban ser 60
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ los «Anti Beatles» llevaron velocidad, vértigo, energía y mucho más a la todavía algo alertagada música europea circa 1966. «Black monk time» no solamente es uno de los grandes discos del garage rock, sino incluso de todos los años 60s. Por su capacidad visionaria, sus ritmos monótonos, hipnóticos, repetitivos, pero también salvajes y dotados de una crudeza totalmente proto punk; por su histrionismo, condición freak y su irreverencia; por no temer a hacer música de avanzada en condiciones desfavorables; por estar «five years ahead of my time», como decían los Third Bardo, en palabras que les corresponderían en realidad a estos monjes. Obviamente, pasaron sin pena ni gloria por aquellos años del rock alemán y anglosajón en general. Pero, de seguro, a aquellos jóvenes que los vieron por televisión en algunas de sus apariciones en el Beat Club algún ruido les hizo en la cabeza el hecho de ver a cinco pseudomonjes generando el mismísimo caos en uno de los típicos programas televisivos para bandas de rock que había por aquel entonces. Luego llegó algo llamado krautrock y, aunque las diferencias sean notorias, algo de aquel viejo espíritu de The Monks apareció de una forma u otra. También se encargaron de dejar su legado: un puñado de demos, rarezas y materia de collectors, un disco indestructible («Black monk time», 1966), una película en su honor y una vasta influencia que fue recogida por varias generaciones. Casi nada. 1. Monk Time 2. Shut Up 3. Boys Are Boys and Girls Are Choice 4. Higgle-Dy-Piggle-Dy 5. I Hate You 6. Oh, How to Do Now 7. Complication 8. We Do Wie Du 9. Drunken Maria 10. Love Came Tumblin' Down 11. Blast Off! 12. That's My Girl 13. I Can't Get Over You 14. Cuckoo 15. Love Can Tame the Wild 16. He Went Down to the Sea ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 066. The Kinks-Face To Face (1966) Cuasi impoluta grabación del mordaz cronista británico Ray Davies, que sirve para consolidar a su incomparable autor como uno de los más grandes letristas y genios musicales de la historia pop. Entre sus muchas virtudes se encuentra la capacidad de adornar sus perspicaces y corrosivos textos con una hiperpegadiza y exquisita 61
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ línea melódica, interpretada por la cruda factura vocal de su hermano Dave en "Party line", desarrollar una acompasada pieza de aire R&B de nuevo con Dave en la voz solista en "You're looking fine", ofertar lustrosos regalos sónicos engalanados por la siempre agradable presencia de un hapsicordio en "Rosy, won't you please come home", tema dedicado a su hermana, u ofrecer un sincero tributo con "Session Man" al recurrido pianista Nicky Hopkins, presente también los créditos del álbum. Atmosféricos temas como "Rainy day in June" y "Fancy", canción de notorios efluvios orientales y otra serie de títulos totalmente imprescindibles, empapados del típico sonido y causticidad social de los Kinks, como "Dandy" (versionada con posterioridad por los Herman's Hermits), "House in the country", "Most exclusive residence for sale", "Little miss queen of darkness", el número 1 en listas británicas "Sunny Afternoon" o la nostálgica "I'll remember", hacen de "Face to face" un trabajo clave en la trayectoria y evolución del grupo de los hermanos Davies. 1. Party Line 2. Rosie Won't You Please Come Home 3. Dandy 4. Too Much on My Mind 5. Session Man 6. Rainy Day in June 7. House in the Country 8. Holiday in Waikiki 9. Most Exclusive Residence for Sale 10. Fancy 11. Little Miss Queen of Darkness 12. You're Lookin' Fine 13. Sunny Afternoon 14. I'll Remember 15. I'm Not Like Everybody Else 16. Dead End Street 17. Big Black Smoke 18. Mister Pleasant 19. This Is Where I Belong 20. Mr. Reporter 21. Little Women ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 067. The Mamas & the Papas - If You Can Believe Your Eyes And Ears (1966) Debut de una de las grandes bandas del sonido de la Costa Oeste estadounidense (aunque ellos se formaron en la otra costa), magníficos en su habilidad vocal, elegantes en la ejecución instrumental y brillantes en la creación gracias al talento compositivo de John Phillips. 62
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Pop vocal en tiempos de amor libre y flores en el pelo con ensoñadoras combinaciones de voces (a las que a veces se suman Hal Blaine, Joe Osborne y Larry Knetchell) y sublimes melodías ejemplificadas en sus impresionante clásicos "California Dreamin'", "Monday monday" y "Go where you wanna go", todas ellas escritas por John y producidas de forma magistral por Lou Adler. Junto a ellas, delicias indispensables del grupo menos conocidas pero de igual valía como "Got a feeling", "Straight Shooter", "Hey girl" o "Somebody Groovie", ornamentadas por sus sugestivas armonías. Entre las versiones destacan "I call your name", cantada en plan vodevilesco, muy distinta a la de los Beatles y dulces revisitaciones de temas como "Do you wanna dance" de Bobby Freeman o "Spanish Harlem" de Ben E. King, a los que llevan hacia su terreno de pop refulgente. 1. Monday, Monday 2. Straight Shooter 3. Got A Feelin' 4. I Call Your Name 5. Do You Wanna Dance 6. Go Where You Wanna Go 7. California Dreamin' 8. Spanish Harlem 9. Somebody Groovy 10. Hey Girl 11. You Baby 12. The In Crowd ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 068. Paul Revere And The Raiders - Midnight Ride (1966) The Raiders lo formó Paul Revere en 1958. Uno de los grupos de poprock y garaje americano más importantes de los 60. Fueron los primeros en firmar con Columbia Records, el disco recogío sus primeros éxitos en listas estadounidenses, interpretados de forma vibrante por el grupo liderado por el vocalista Mark Lindsay, el teclista Paul Revere y el productor Terry Melcher (hijo de la famosa Doris Day), co-autor de muchos de sus temas originales y arquitecto principal de su sonido. 1. Kicks 2. There's Always Tomorrow 3. Little Girl In The 4th Row 4. Ballad Of A Useless Man 5. I'm Not Your Stepping Stone 6. There She Goes 7. All I Really Need Is You 63
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 8. Get It On 9. Louie Go Home 10. Take A Look At Yourself 11. Melody For An Unknown Girl 12. Shake It Up 13. Little Girl In The 4th Row (Italian Version) 14. SS 396 15. Corvair Baby ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 069. Frank Zappa & The Mothers of Invention - Freak Out (1966) O lo que es lo mismo, Frank Zappa, el trovador lunático más trastornado del rock, el heredero inevitable del exceso californiano, inspirador, años después, de iluminados psicodélicos (Syd Barrett, Paul Kantner…) Disco perfecto para acompañarnos éstas navidades, llenando los ambientes familiares, villancicos para la ocasión (los chillidos de Kim Fowley en “Help, I’m a Rock” son muy propicios), el regalo perfecto para aquellos que aseguran “a mí megusta mucho la música…” Teniendo un amplio abanico entre todo el repertorio de FZ, he elegido éste porque, sencillamente fue el primero, para él y para mi, el inicio de nuestra estrecha relación, y duradera, y fiel. Posiblemente escuche más “Absolutely Free”, “Hot Rats” o “Apostrophe’” o Incluso “Over-Nite Sensation”, “Roxy & Elsewhere” Y “Sheik Yerbouti” (y hasta puede que sean mejores, en valoraciones a su descomunal obra, no me meto, para éso están los pretenciosos llamados músicos), qué decir de “THE GRAND WAZOO”, en fin, y los que quedan por nombrar. Inabarcable, increíble, excesivo y cínico, Mr. Zappa y sus madres de la invención (en éste disco Ray Collins, Jim Black, Roy Estrada y Elliott Ingber; cambiarán frecuentemente…) nos llevan por un viaje inolvidable. 1. Hungry Freaks, Daddy 2. I Ain't Got No Heart 3. Who Are the Brain Police? 4. Go Cry on Somebody Else's Shoulder 5. Motherly Love 6. How Could I Be Such a Fool 7. Wowie Zowie 8. You Didn't Try to Call Me 9. Any Way the Wind Blows 10. I'm Not Satisfied 11. You're Probably Wondering Why I'm Here 12. Trouble Every Day 13. Help, I'm a Rock 14. It Can't Happen Here 15. Return of the Son of the Monster Magnet 64
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 070. The Rolling Stones-Aftermath (1966) Jones se luce a lo largo de todo el álbum, ya sea interpretando un dulcimer en la preciosa balada "Lady Jane", unas marimbas en "Under my thumb" y en la formidable "Out of time", un sitar en "Mother's little helper" (espléndido tema que trata de cómo una apenada madre encuentra consuelo en las anfetaminas), una slide guitar en "Doncha bother me" y un fuzz bass en "Flight 505" (con una elegante introducción de piano) y en "Think". Otros importantes instantes de enorme inspiración son "It's not easy", "I am waiting", "High and dry" (con ascendencias country) o "Take it or leave it" (pieza que pone de manifiesto su vena más pop), cortes maestros para un disco sin fisuras y absolutamente redondo en el que participó el ubicuo Jack Nitzsche. 01. Paint It Black 02. Stupid Girl 03. Lady Jane 04. Under My Thumb 05. Doncha Bother Me 06. Think 07. Flight 505 08. High and Dry 09. It's Not Easy 10. I Am Waiting 11. Going Home Uno de los mejores y más compactos trabajos de los Rolling Stones. "Aftermath" es además el primer álbum escrito enteramente por el tándem Jagger/Richards (aunque ciertamente lo que hacían era ofrecer la base de los temas y el grupo en conjunto modelaba definitivamente la pieza), lo que denota el gran progreso del dúo en este campo, respaldados por la tremenda efectividad en la sección rítmica del bajista Bill Wyman y del gran batería Charlie Watts y sobre todo por un pletórico Brian Jones que con su innato talento instrumental enriquece y engrandece aún más las composiciones de Mick y Keith. ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 65
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 071. Simon & Garfunkel – Parsley, Sage, Rosemary & Thyme (1966) Hermoso disco, como así son las apacibles melodías y la bella combinación de voces de sus autores e intérpretes, líricos declarantes de una generación reivindicativa en un escenario de decisivos cambios, como fue la incorporación de la protesta y demanda juvenil en el ámbito sociocultural y político, fruto, entre otros muchos factores, de la madurez aportada al rock y el pop por los músicos procedentes del folk, avezados poetas de cariz social. Este es un álbum con sonoridades acústicas folk-pop, acariciadas por clavicordios en alegóricas historias de matiz antibélico, exposiciones de angustia existencial en cálidas tonalidades, refugio interno en el hogar conocido, rítmicas piezas satíricas que se burlan del consumismo desaforado, deliciosos y delicados cánticos de apariencia optimista, simpáticos ejercicios dylanianos, entonaciones líricas con comentario social, rememoraciones para la gran poetisa Emily Dickinson o el tradicional "Noche de Paz" arrullando apuntes sobre la guerra del Vietnam y la protección de los derechos civiles. El disco, producido por el gran Bruce Johnston, presenta unos fenomenales arreglos vocales de Art Garfunkel, siempre a la sombra compositiva del maestro Paul Simon, quien nos regala joyas, al margen de los grandes clásicos del álbum (entre ellos "Scarborough Fair" o "Homeward Bound", como "The Dangling Conversation" o la maravillosa "Flowers never bend with the rainfall", todo un prodigio de sensibilidad y talento melódico. 1. Scarborough fair - canticle 2. Patterns 3. Cloudy 4. Homeward bound 5. The big bright green pleasure machine 6. The 59th street bridge song (feeling groovy) 7. The dangling conversation 8. Flowers never bend with the rainfall 9. A simple desultory philippic 10. For Emily, whenever I may find her 11. A poem on the underground wall 12. 7 o'clock news - Silent night ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 66
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 072. 13th Floor Elevators – Psychedelic Sounds of the13th Floor Elevators (1966) 13th Floor Elevators fue una banda psicodélica de mediados de los años 60, formada en diciembre de 1965 en Austin, Texas, Estados Unidos. Son reconocidos como la primera banda en emplear el término psicodelia en un álbum. Cuando se acrisolan las vibraciones y ritmos garajeros con el consumo intensivo de ácido, el mundo sonoro de inclinación stoniana, propagado por experiencias lisérgicas, se convierte en un excitante paisaje policromo de instrumentación narcotizada y efusividad vocal: la psicodelia de los 13th Floor Elevators. Uno de los primeros grupos en transferir los efectos de las drogas en sus composiciones musicales fue esta banda de Texas, creada en 1965 en Austin, la capital del estado. A comienzos del año 66 y en un sello local grabaron el sencillo "You're gonna miss me" (cara b "Tried to hide", una canción que había sido compuesta por Erickson en su época con los Spades. La compulsiva vocalidad del cantante y la dinámica percusión obtenida del original sonido del jug de Hall se convertirían en las dos principales características de los temas de la banda, un recorrido por la devoción sensorial del LSD. Después de actuar con bastante seguimiento por el estado de Texas fueron descubiertos por Lelan Rogers (hermano del famoso cantante de country Kenny), quien les consiguió un contrato con el sello International Artists, en donde reeditaron el single, consiguiendo entrar en listas de ventas en el puesto número 55. El Lp se tituló "The Psychedelic Sounds of The 13th Floor Elevators”, todo un disco clave en la historia de la psicodelia que contenía sensacionales temas como el citado sencillo, "Reverberation" (su segundo single), la balada "Splash 1", "Roller Coaster" o la soberbia "Fire Engine". El consumo abusivo de drogas les llevo a ser arrestados y perseguidos en bastantes ocasiones y hartos de tanto acoso se largaron a San Francisco, en donde actuaron en varios clubes con bastante éxito. 1. You're Gonna Miss Me 2. Roller Coaster 3. Splash 1 4. Reverberation (Doubt) 5. Don't Fall Down 6. Fire Engine 7. Thru the Rhythm 8. You Don't Know (How Young You Are 9. Kingdom of Heaven 10. Monkey Island 11. Tried to Hide 12. Everybody Needs Somebody to Love 13. Before You Accuse Me 14. I'm Gonna Love You Too 15. You Really Got Me 16. Roll Over Beethoven" 67
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 17. The Word 18. Gloria 19. She Lives (In a Time of Her Own 20. We Sell Soul 21. You're Gonna Miss Me ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 073. John Mayall’s Blues Breakers – With Eric Clapton (1966) Los Bluesbreakers de John Mayall, legendario nombre del blues británico, fue uno de los principales criaderos de grandes instrumentistas británicos. Por sus filas pasaron, entre otros muchos, personajes como Eric Clapton, Mick Taylor, Aynsley Dunbar, Jack Bruce, Peter Green, Mick Fleetwood o Andy Fraser. John Mayall nació el 29 de noviembre de 1933 en Macclesfield, localidad de Cheshire. Amante del blues de Chicago Mayall comenzó su trayectoria con su banda, denominada en principio Blues Syndicate, a comienzos de los años 60. Por mediación de otra institución del blues en Gran Bretaña, Alexis Korner, John comenzó a plasmar en vinilo sus primeras grabaciones, como “John Mayall plays John Mayall” (1965), fenomenal disco en vivo grabado en el Klooks Kleek y editado en la Decca a través del cual se podía apreciar su habilidad en sonsacar clásicos sonidos blues y R&B derivados de sus ascendientes negros. Entre sus composiciones destaba la que abría el disco, “Crawling up a hill”. Entre los músicos y junto a John Mayall, encargado de la voz, el órgano, la armónica y el piano, se encontraban Roger Dean a la guitarra, John McVie al bajo y Hughie Flint a la batería. Su segundo álbum y uno de los mejores de su discografía es “Bluesbreakers with Eric Clapton” (1966), producido por Mike Vernon. No cabe duda que la presencia de Clapton, uno de los grandes héroes de la guitarra en toda la historia del rock que había dejado a los Yardbirds, propulsó el LP a niveles comerciales mucho mayores que los de su primer disco ya que alcanzó el número 6 en las listas de LPs del Reino Unido. Al lado de Clapton y Mayall estaban de nuevo en esta grabación el bajista John McVie y el batería Hughie Flint. En el disco, junto a sus temas originales, sonaban versiones de Ray Charles, Freddie King o Robert Johnson. Tras este álbum Eric Clapton dejaría a Mayall para formar Cream. Su reemplazo no sería moco de pavo: Peter Green, quien tocó en su tercer LP, “A hard road” (1967), un gran disco (número 10 en Inglaterra) en el cual la batería fue ocupada por Aynsley Dunbar. 1. All Your Love 2. Hideaway 3. Little Girl 4. Another Man 5. Double Crossing Time 68
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 6. What'd I Say 7. Key To Love 8. Parchman Farm 9. Have You Heard 10. Ramblin' On My Mind 11. Steppin Out 12. It Ain't Right ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 074. The Yardbirds – Roger The Engineer (1966) Disco clave de los británicos Yardbirds que establecía un equilibrio entre su tradicional gusto por el blues y una búsqueda experimental sónica con querencia hacia la psicodelia, en especial por la presencia del espléndido guitarrista Jeff Beck, sustituto del fugado Eric Clapton. Producido por el bajista Paul Samwell-Smith, "Roger The Engineer" (título concedido al disco con el paso de los años por el dibujo realizado por Chris Deja del ingeniero de sonido Roger Cameron) comienza su recorrido con "Lost Woman", un tema blues con una impresionante línea de bajo. Más temas R&B incluidos en el LP son "The Nazz Are Blue" o "Rack My Mind", muy buenas piezas pero que pecan de casi plagiar sus modelos (escúchese la obra de Slim Harpo o Elmore James). Lo mismo se puede decir de "Jeff's Boogie", tema muy influenciado por Chuck Berry, y de "What Do You Want", canción cuyo estribillo es idéntico al "Who Do You Love" de Bo Diddley. La parte más experimental, pop y psicodélica, incluye temas tan interesantes como "Over, Under, Sideways, Down", rebotante corte en el cual Beck introduce un riff de corte oriental; "I Can't Make Your Way", tema pop con trazos folk y comentario social; la garajera "He's Always There", dominada por el sonido de la fuzz guitar; la sencillez pop que vuelve a aparecer en la exigua "Farewell", una bonita canción con destacable aportación vocal de la banda, hecho usual en los surcos de este trabajo y apreciable en la iterativa y notable "Ever Since The World Began", un tema en el cual critican la avaricia monetaria. La gran joya del disco es "Turn Into Earth", una hipnótica pieza que mezcla el pop con los cantos gregorianos, logrando conformar un aborbente sonido. El gran petardo del disco es "Hot House Of Omagarashid", un aburrido cántico mantra. En los CDs con bonus tracks aparecen varias composiciones en las que coincidieron Jeff Beck y Jimmy Page, de las dos ("Psycho Daisies" es un tema correcto de base blues con Page al bajo) destaca "Happening Ten Years Ago", una pieza en la que se aprecian elementos rock, blues y psicodélicos que presagiaban los logros venideros de la Jimi Hendrix Experience. 1. Lost Woman 2. Over, Under, Sideways, Down 69
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 3. The Nazz Are Blue 4. I Can't Make Your Way - The Yardbirds, Dreja, Chris 5. Rack My Mind 6. Farewell - The Yardbirds, Relf, Keith 7. Hot House of Omagarashid 8. Jeff's Boogie 9. He's Always There - The Yardbirds, McCarty, Jim [UK] 10. Turn Into Earth 11. What Do You Want 12. Ever Since the World Began 13. Psycho Daisies 14. Happenings Ten Years Time Ago ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 075. Nina Simone – Wild is the Wind (1966) Nina era un género en sí misma. Se tiró a menudo, con el paracaídas dudoso de canciones muy poco distinguidas, sobre terreno pantanoso... y se la pegaba. Pero una y otra vez conseguía, la muy leona, ponerse de pie. Pero todo eso es posterior a estos años en los que abordaba, concienzuda pero delicada, unos clásicos casi siempre aquilatados a nuestra memoria por versiones que nos gustan mucho por la Simone, pero que gustan aún mucho más si los asumen Sinatra, Billie Holiday y hasta David Bowie ("Wild Is the Wind" ). ¿Una artista menor que su leyenda? Digamos sólo que una artista mal comprendida primero por los que la rechazaban, por ingobernable y rarefacta, y después por quienes, francamente exagerados, la colocaron a última hora entre los mitos sonoros imprescindibles del siglo pasado. Pero habrá que reconocer que, literalmente, su talento sí era fuera de serie, fuera de norma. Única, sí, divina, menos. 1.: I Love Your Lovin' Ways 2.: Four Women 3.: What More Can I Say 4.: Lilac Wine 5.: That's All I Ask 6.: Break Down And Let It All Out 7.: Why Keep On Breaking My Heart 8.: Wild Is The Wind 9.: Black Is The Colour Of My True Love's Hair 10.: If I Should Lose You 11.: Either Way I Lose ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 70
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 076. Astrud Gilberto - Samba Beach (1967) Astrud Gilberto es sin duda la voz más importante dentro la corriente latina del jazz y la cantante más representativa de la "bossa nova" un estilo surgido en la raíz del pueblo brasileño, y que entronca con lo mejor de la tradición latina del swing. Comenzó a cantar casi por casualidad en 1963. Joao Gilberto, su esposo en ése momento y de quien tomaría el apellido, Stan Getz y Antonio Carlos Jobim se hallaban en New York registrando para el sello Verve el histórico álbum "Getz/Gilberto", una de las referencias indiscutibles en lo que se dio en llamar "samba jazz". Astrud servía de traductora entre brasileños y americanos cuando el productor Creed Taylor, creador posteriormente del sello "CT", sugirió que en la versión de "Garota de Ipanema" (La chica de Ipanema, la pieza mas famosa de todos los tiempos de la bossa nova) se incorporase una parte en inglés, y sugirió que Astrud la cantase. Fue su consagración y el inicio de una brillante carrera como cantante, tanto de temas brasileños como de Jazz y temas de películas, iniciada en 1965 con "The Astrud Gilberto Álbum". Grabó con el saxofonista Stan Getz y también con Gil Evans, Stanley Turrentine, Quincy Jones, Walter Wanderley, James Last y con su propio grupo. 1. Stay 2. Misty Roses 3. Face I Love 4. Banda (Parade) 5. Oba, Oba 6. Canoeiro 7. I Had the Craziest Dream 8. Bossa Na Praia (Beach Samba) 9. My Foolish Heart 10. Dia das Rosas (I Think of You) 11. You Didn't Have to Be So Nice 12. Não Bate O Coroção 13. Tristeza (Goodbye Sadness) [*] 14. Call Me [*] 15. Here's That Rainy Day [*] 16. Tu Meu Delirio [*] 17. It's a Lovely Day Today [*] ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 71
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 077. Nico - Chelsea Girl (1967) Después de que Andy Warhol la integrase en la grabación del mítico y primer LP de la Velvet Underground, la rubia modelo alemana Nico voló en solitario y grabó su debut, “Chelsea Girl” (1967) con la ayuda de sus antiguos colegas velvetianos (quienes le compusieron gran parte del disco), Jackson Browne, quien (parece ser que) además de compartir cama con Nico en la época de la grabación también dejó su impronta en varios temas, y el productor Tom Wilson, ocupado previamente con Bob Dylan o Simon & Garfunkel. Básicamente son canciones folk abarrocadas con textos poéticoreflexivos, evocaciones memorativas y tono tristón-introspectivo, adornadas bellamente con violines y cuerdas, como la apertura de este fosco álbum, la balada “The fairest of the seasons”, una hermosa melodía compuesta por Jackson Browne y Gregory Copeland y arreglada de manera exquisita de manera orquestal. Sin duda de lo mejor del LP. Browne compone en solitario “These days”, tema folk orquestal con unas pautas (tanto en tono como en concepción de sonido) muy similares al previo. John Cale y Lou Reed son los autores de “Little Sister”, con sonidos bucólicos de flauta, un texto con imaginería natural y un órgano machachón-lisérgico (quizá a alguien la gélida y depresiva vocal de Nico le reviente un tanto, quizá…), y Cale se ocupa de la atmósferica “Winter Song”, con unos urgentes arreglos de cuerda, una nervuda flauta y un perturbador fondo de guitarra acústica para una pieza folk con ecos medievalesteutónicos. “It Was a Pleasure Then”, quizá con toques autobiográficos, aparece Nico acompañado en la escritura a John Cale y Lou Reed en una pieza folk de esencia velvetiana con las clásicas ínfulas avant-gardé, sonidos feedback, guitarras desaliñadas y retumbantes, atmósferas oscuras, viola chirriante y vocalidad invocadora. El título homónimo (pero en plural), compuesto por Reed y Sterling Morrison (guitarista de la Velvet), nos devuelve el sonido de flauta y la beldad de las cuerdas junto a una encantadora melodía y un largo paseo por las chicas de Chelsea. Bob Dylan le escribió la estimable (pero menor dentro de la escritura dylaniana) “I’ll keep it with mine” antes de retornar a Jackson Browne en “Somethere There’s a Feather”, otra preciosa melodía ornamentada por las cuerdas. “Wrap You Troubles in Dreams” es otro corte de Lou Reed en el cual se manifiesta la posibilidad de deserción de las contrariedades personales, paradójicamente narrada la huida existencial por medio de una melodía triste y penetrante, de nuevo enfatizada por instrumentos de cuerda y viento. El álbum termina con “Eulogy to Lenny Bruce”, maravillosa tonada del nunca bien ponderado Tim Hardin y un punto final que concomita en la tristeza y melancolía que rezuma este trabajo. 1.Fairest of the Seasons 2. These Days 3. Little Sister 4. Winter Song 5. It Was a Pleasure Then 6. Chelsea Girls 72
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 7. I'll Keep It With Mine 8. Somewhere There's a Feather 9. Wrap Your Troubles in Dreams 10. Eulogy to Lenny Bruce ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 078. The Beatles - Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band (1967) Es considerado la producción de rock más influyente de todos los tiempos por muchos críticos; la revista Rolling Stone lo colocó en el numero 1 de «Los Mejores Discos de todos los tiempos». Marcado por su ambiciosa y compleja experimentación que aunaba elementos típicos de pop con características clásicas y vodevilescas sumergidas en mesmerizantes esencias psicodélicas, este disco ahondó en esa faceta experimental de una manera nunca vista (sólo Brian Wilson y su "Pet Sounds" había cuidado tanto un producto musical) y abrió la senda sónica a todos los demás grupos para la expansión y renovación audaz de las constantes básicas de la música poprock. Grabado en una época de psicodelia y experimentación, el álbum, producido por George Martin es un precursor de técnicas de grabación y composición. Fue el primer disco grabado en ocho canales, con dos consolas de cuatro canales, ampliando los límites de lo que hoy es la estereofonía. Fue, además, un éxito de ventas y popularidad. Incorporó técnicas muy novedosas en el mundo de la música. La idea central del álbum, sugerida por Neil Aspinall consistió en que los Beatles tomasen el papel de La banda del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta, dejando atrás limitaciones y transformando al rock en objeto de culto. En 13 canciones llevan al límite el concepto del rock, agregando orquestaciones, instrumentos hindúes, grabaciones tocadas al revés y sonidos de animales. Rock, music hall, baladas, jazz y hasta música oriental se mezclan en Sgt. Pepper. Como últimos datos, aportar que este es el primer disco en la historia de la música en publicar todas las letras impresas y que la extraordinaria portada (con gente como Karl Marx, Fred Astaire, Edgar Allan Poe, Marilyn Monroe, Oscar Wilde Marlene Dietrich o Bob Dylan) fue realizada por Peter Blake. 1. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band 2. With a Little Help from My Friends 3. Lucy in the Sky with Diamonds 4. Getting Better 5. Fixing a Hole 6. She's Leaving Home 7. Being for the Benefit of Mr. Kite! 8. Within You Without You (*) 73
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 9. When I'm Sixty-Four 10. Lovely Rita 11. Good Morning Good Morning 12. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise) 13. A Day in the Life ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 079. Country Joe & the Fish – Electric Music for the Mind & Body (1967) B. Johnson) sin olvidar algún momento para el romanticismo (la maravillosa tonada country-pop "Sad and lonely times" o el sexo ("Happiness is a porpoise mouth" . Todo ello desplegado con logradas melodías, alucinógenos pasajes de guitarra y órgano, y una doliente y narcotizada vocalidad. La instrumentación evoca un ambiente oriental y recrea una seductora atmósfera lisérgica, en especial el instrumental "Section 43", la excelente y sedante "Bass Strings" (sobre el LSD) o "Grace", tema dedicado a Grace Slick. Esta travesía ácida nos obsequia con once piezas de apariencia calmosa que in crescendo con las escuchas irá penetrando en el melómano aficionado al sonido de grupos como Buffalo Springfield (la voz de Joe McDonald es muy similar a la de Neil Young), Byrds, Jefferson Airplane o The Doors. 1. Flying High 2. Not So Sweet Martha Lorraine 3. Death Sound Blues 4. Happiness Is a Porpoise Mouth 5. Section 43 6. Superbird 7. Sad and Lonely Times 8. Love 9. Bass Strings 10. The Masked Marauder 11. Grace Primer y valioso disco de la banda Country Joe & The Fish. Sinuosas piezas psicodélicas con ascendencias blues que desarrollan de manera reflexiva y punzante, materias temáticas de índole políticosocial ("Superbird" es una acerba sátira contra el presidente Lyndon ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 74
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 080. Buffalo Springfield - Buffalo Springfield Again (1967) Después de debutar con un LP homónimo Buffalo Sprinfield editó “Again”, otra maravillosa colección de canciones que denota la creciente falta de cohesión de la banda (demasiado ego junto) con la grabación dispersa de estos once fenomenales temas a través de los cuales podemos escuchar sonoridades psicodélicas, pop, rock, country, blues y folk. “Mr. Soul”, magnífica canción de Neil Young sobre la industria del rock (y la fama de la estrella de rock) dedicada a las mujeres del Whisky A Go go y a todas las mujeres de Hollywood. Tiene un riff stoniano (similar a “Satisfaction”) de envoltura psicodélica con la gimiente y acerba guitarra líder de Neil acompañada por las rítmicas de Stephen Stills y Richie Furay. En “A child’s claim to fame”, pieza con el dobro de James Burton, se muestran las querencias de Furay al country-rock y su talento vocal para conducir su agradable melodía. “Everydays”, elegante tema escrito por Stills muestra las ácidas seis cuerdas de Young ornamentando una pieza significada por sus trazos jazzísticos, en especial el piano interpretado por el propio Stephen, quien hace armonías vocales con Richie. Jim Fielder hace un gran trabajo en el bajo.“Expecting to fly” es una maravilla majestuosamente producida y arreglada por Neil y Jack Nitzsche, quien también se encarga de tocar el piano eléctrico. El sentido etéreo de la atmósfera y el acomodo psicodélico y ensoñador en sus formas hacen de este tema uno de los mejores momentos del álbum, con gloriosas armonías entre la voz laxa de Neil y Richie al falsete. El gigante Neil adelantándose al dream pop varias décadas en esta pieza.“Bluebird” retoma al Stills más rockero siempre con gotas ácidas propias de esta sensacional época. El tema sería versionado por diversos grupos, entre ellos Shadows of Knight. Buen solo guitarrero y sensacional tratamiento vocal al “Do you thinkkkk she knowwwwwwws you?, Do you thinkkk at all?”. Pura lisergia con una coda con banjo interpretado por Charlie Chin.“Hung upside down”, también de Stephen Stills, es una delicia con el clásico “pa pa pa pa pa” sesentero que bien podría ser interpretada por los Doors. Stills toca la guitarra fuzz y a los teclados, mientras que Neil nos deja alguno de sus ejemplares solos. Gran canción.En “Sad memory” Furay vuelve a tomar el mando compositivo con una preciosa balada melancólica acústica.“Good time boy”, escrita por Furay e interpretada y producida por el batería Dewey Martin es un impetuoso soul a lo Wilson Pickett o a lo James Brown. La sección de viento que toca es la del American Soul Train.“Rock & roll woman”, inspirada a Stills por David Crosby y con una óptima labor en el teclado de Stephen, presagia futuros trabajos de Crosby, Stills & Nash, aunque aquí las voces, fantásticas, corren a cargo de Stills, Young & Furay.El disco se cierra con una especie de suite conceptual titulada “Broken Arrow”, otra pieza psicodélica llena de imaginería y lujosos arreglos obra de un genio como Neil Young (con ayuda de Jack Nitzsche), quien aquí intenta emular a lo Beatles más complejos y ambiciosos. 1. Mr. Soul 2. Child's Claim to Fame 75
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 3. Everydays 4. Expecting to Fly 5. Bluebird 6. Hung Upside Down 7. Sad Memory 8. Good Time Boy 9. Rock 'N Roll Woman 10. Broken Arrow ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 081. Captain Beefheart And The Magic Band - Safe As Milk (1967) Primer album y único realmente de toda su discografía, que suena dentro de lo que podría catalogarse como "normal", super blues psycodélico con tremendas guitarras (una a cargo de Ry Cooder) y la voz de Don Van Vliet, que suena como si le estuvieran quemando vivo. Un disco muy influyente y revolucionerio, algo asi como un segundo Freak Out! de Zappa. El disco abre con Sure 'Nuff 'n Yes I Do, tal vez mi favorita del disco y excelente manera de abrir. Otras favortias son Zig Zag Wanderer, que esta bien entretenida, Whre There's Woman, una extraña balada, cosa que le quedaba bien al Captain, y Dropout Boogie, otra que es tremenda, muy movida. 1.: Sure Nuff 'n' Yes I Do 2.: Zig Zag Wanderer 3.: Call On Me 4.: Dropout Boogie 5.: I'm Glad 6.: Electricity 7.: Yellow Brick Road 8.: Abba Zaba 9.: Plastic Factory 10.: Where There's A Woman 11.: Grown So Ugly 12.: Autumn's Child 13.: Safe As Milk (take 5/bonus track) 14.: On Tomorrow (bonus track) 15.: Big Black Baby Shoes (bonus track) 16.: Flower Pot (bonus track) 17.: Dirty Blue Gene (bonus track) 18.: Trust Us (take 9/bonus track) ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 76
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 082. Moby Grape - Moby Grape (1967) 1. Hey Grandma 2. Mr. Blues 3. Fall on You 4. 8:05 5. Come in the Morning 6. Omaha 7. Naked, If I Want To 8. Someday 9. Ain't No Use 10. Sitting by the Window 11. Changes 12. Lazy Me 13. Indifference ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 083. Love - Da Capo (1967) Uno de los discos debut más importantes en toda la historia del rock. Filtrando con talento a gente como Byrds, Buffalo Springfield o Beatles, los Moby Grape demostraron que poseían suficiente bagaje musical como para convertirse en una de las bandas más importantes de los EEUU. La inestabilidad emocional de sus componentes impidió lo previsible. Grandes canciones de exigua duración como "8:05", "Omaha", "Sitting by the window", "Lazy me", "Someday" o "Come in the morning", destilan sabores pop, rock, soul, psicodelia, country-rock o blues en ejecuciones desgarradas y eclécticas, con fragmentos pausados, bellas melodías y hermosas armonías, todo ello parte integrante de esta maravilla de álbum, obra de una banda de San Francisco compuesta por cinco estupendos compositores, cantantes e instrumentistas. 77
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Responsables de uno de los discos definitivos de la historia del pop, el magnánimo "Forever Changes", el grupo liderado por Arthur Lee ofrecía ese mismo año otra joya de parecida valía y textura titulada "Da Capo". Posando en la portada en un paraje de la mansión del gran intérprete de terror Bela Lugosi, la banda californiana despliega un caleidoscópico disco de sonidos psicodélicos. El álbum se mueve desde el poderío sónico de "Stephanie knows who" o "7 & 7 is" (una demoledora pieza que cuenta con una frenética bateria de Alban "Snoopy" Pfisterer y que posteriormente sería versionada por los Ramones) hasta las placerenteras y soleadas "Orange Skies", "¡Qué vida!", "The Castle" (una de las canciones preferidas del Led Zeppelin Robert Plant) o la fabulosa "She comes in color", piezas repletas de embelesadoras flautas (tocadas por Tjay Cantrelli, al igual que el saxo de "Stephanie knows who", clavicordios y cálidos ritmos acústicos. El último tema, "Revelation", una larguísima jam fuera de tono aunque con algunos fragmentos jazzísticos muy disfrutables, supone el final de un sobresaliente disco que si en vez de esta culminación incluyera tres o cuatro temas más de similar empaque a los anteriores estaría a la altura de su obra más popular y fundamental. 1. Stephanie Knows Who 2. Orange Skies 3. ¡Que Vida! 4. Seven & Seven Is 5. Castle 6. She Comes in Colors 7. Revelation 8. Seven & Seven Is (Bonus track) ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 084. Beau Brummels - Triangle (1967) Liderados por el compositor y guitarrista Ron Elliott y el cantante Sal Valentino, los Beau Brummels, tras la grabación de varios discos repletos de pop y folk-rock, publican su "Sgt. Peppers" particular, un título empapado de experimentación sonora, dominado por la prolijidad en las melodías y un gran trabajo en las armonías vocales, cualidades ilustradas a la perfección en esa esencial y arrebatadora canción titulada "Magic Hollow". El grupo de San Francisco, que cuenta aquí con un gran copartícipe como es Van Dyke Parks (colaborador de los Beach Boys) a los teclados, despliegan un sugerente e imaginativo pop psicodélico que no oculta propensión al folk-rock y en algunos pasajes al countryrock. Se inicia con "Are you happy", una primorosa canción de base acústica (con Valentino cantando de forma embelesadora ese "...how do you feel?...", sonoridad presente en casi todo el álbum, un 78
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ álbum de impecable factura con grandes temas como "Only dreaming now", evocativa pieza de una bailarina que cuenta con unos magníficos arreglos de cuerda, "The keeper of time", un tema de cimiento country-pop, al igual que "And I've seen her". "Triangle" es un notable tema adornado con arreglos de viento, "The wolf of velvet fortune" es una extraordinaria balada psicodélica de poderosa inspiración lírica que presenta incluso algunos aromas de flamenco y la referida "Magic Hollow" es una de las mas hermosas canciones escritas por un grupo pop que cuenta con el clavicordio de Van Dyke Parks acariciando la inmejorable melodía creada por Elliott y Valentino. La canción, por su sonoridad, podría estar incluida dentro de ese glorioso álbum de los extraordinarios Zombies llamado "Oddessey & Oracle". 1.Are You Happy? 2.Only Dreaming Now 3.Painter Of Women 4.Keeper Of Time, The 5.It Won't Get Better 6.Nine Pound Hammer 7.Magic Hollow 8.And I've Seen Her 9.Triangle 10.Wolf Of Velvet, The 11.Old Kentucky Home ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 085. The Monkees - Headquarters (1967) Para muchos la mejor obra del cuarteto norteamericano The Monkees, un disco en el que por primera vez interpretan ellos mismos los instrumentos, hecho que revaloriza su lujoso contenido y que demanda mayor respeto y credibilidad hacia un grupo a menudo injustamente maltratado por el proceso de su creación. Los cuatro Monkees se reparten la tarea vocal en su tercer trabajo, repleto de hermosas canciones que contienen todos los ingredientes necesarios del mejor pop, es decir, exquisitez melódica, voces dulces y melodiosas (en especial la de Davy Jones), brillantes armonías vocales y una luminosa producción a cargo de Chip Douglas (colaborador asimismo de los Turtles y ejecutor del bajo en algunas piezas) que permite comprobar su poderío instrumental. "I'll spend my life with you", "Forget that girl", "Shades of gray", "Mr. Webster" o "I can't get her off my mind" son cautivadoras piezas que hablan por sí solas, además temas de cosecha propia como "You told me", "You just may be the one" y "Sunny girlfriend" 79
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ de Michael Nesmith, "For Pete's sake", compuesta por el rubio Peter Tolk y cantada por Mickey Dolenz o "Randy Scouse Git", escrita por el propio Dolenz, son prueba de su gran habilidad compositiva. Magistral. 086. Tim Buckley - Goodbye And Hello (1967) 01-You Told Me 02-I'll Spend My Life With You 03-Forget That Girl 04-Band 6 05-You Just May Be The One 06-Shades Of Gray 07-I Can't Get Her Off My Mind 08-For Pete's Sake 09-Mr. Webster 10-Sunny Girlfriend 11-Zilch 12-No Time 13-Early Morning Blues And Greens 14-Randy Scouse Git ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• La tradición de musos folk durante los sesenta fue imparable y decantó en enésimas posturas de tal o cual músico enharbolando tal o cual sonido o intención. Provenientes de la misma raíz contestaria al cabo apenas de un par de años los cantautores folk estaban en pleno apogeo vanguardista sin ir a la zaga de otros músicos de origen diferente. Tim Buckey, aparecido en la soleada movida de Los Ángeles fue uno de los folkman que devino con mayor ímpetu y gloria en la desembocadura genial de 1967. Con sólo 19 años Buckley debutó con un disco homónimo casi perfecto, de múltiple recursos, un rango vocal emotivo, amplio y estertóreo. Su música era trágica, oscura y trémula ya fuese acompañado sólo por una guitarra, cuartetos de cuerdas o extraños mantos de inmateria lisérgica. Su segundo álbum , quizá el más recordado y comentado de cuantos publicó en su corta vida pero amplio legado, fue Goodbye and Hello, de 1967. Dentro del grandísimo sello Elektra, Buckley junto a su letrista asistente Larry Beckett, se embarcaron en un proyecto 80
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ ambicioso, cúlmine y que cada día gana en poder cautivador. Las diez canciones que componen este Goodbye and Hello, aclamado en su época no obstante la angustia infiltrada en cada surco de la pieza, son maravillas de un exquistez y polifacetismo increíbles. El barroquismo épico del tema homónimo; la tristeza aniquilante de Phantasmagoria in Two; el melancólico impresionismo de "Morning Glory"; la euforia y frenesí de "I Never Asked to Be Your Mountain"; "Pleasant Street", en donde gime por una generación creativamente brillante pero autoindulgente y condenada al fracaso, "hacia adónde irá toda esta gente aturdida" que dice. Tim Buckley seguiría durante el resto de la década deparándole sorpresas a sus seguidores, cambiando el pelaje en colores más crepusculares y misteriosos. Sin embargo, su estirpe incomensurable tiene su punto de alcance celestial en esta obra de 1967. 1. No Man Can Find the War 2. Carnival Song 3. Pleasant Street 4. Hallucinations 5. I Never Asked to Be Your Mountain 6. Once I Was 7. Phantasmagoria in Two 8. Knight-Errant 9. Goodbye and Hello 10. Morning Glory ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 087. Love - Forever Changes (1967) Una de las grandes obras maestras de la historia del pop-rock en la que el líder del grupo californiano Love, Arthur Lee, va desgranando su peculiar y surrealista visión del mundo y del amor, con magistrales temas imbuidos de atractivas y trémulas texturas folk-rock y psicodélicas, siempre desplegadas en hechizantes melodías pop de hálito acústico, ensalzadas por la palpitante voz del inestable genio. El fallecido cantante y guitarrista Bryan MacLean acompaña al talentoso Lee con dos extraordinarias y bellas composiciones ("Alone again or" quizá sea la canción más popular del disco) que no desmerecen para nada el conjunto de un trabajo clave en el desarrollo del pop. Maravillosamente arreglado y orquestado, se trata de un disco sin desperdicio, al igual que el anterior Lp del grupo, "Da Capo" y el posterior "Four Sail". 01. Alone Again Or 81
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 02. A House Is Not A Motel 03. Andmoreagain.mp3 04. The Daily Planet 05. Old Man 06. The Red Telephone 07. Maybe The People Would Be The Times Or Between Clark And Hilldale 08. Live And Let Live 09. The Good Humor Man He Sees Everything Like This 10. Bummer In The Summer 11. You Set The Scene ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 088. Cream - Disraeli Gears (1967) Cream estaba formado por tres músicos de excepción, el vocalista y guitarra Eric Clapton (nacido el 30 de marzo de 1945 en Surrey), el cantante y bajista Jack Bruce (nacido el 4 de mayo de 1943 en Glasgow) y el batería Ginger Baker (nacido el 19 de agosto de 1939 en Londres), tres personajes bien conocidos en la industria discográfica inglesa, ya que habían pertenecido a importantes formaciones de la época. Eric Clapton, entre otros conjuntos, había sido parte fundamental de los Yardbirds y John Mayall's Bluesbreakers; Jack Bruce, formó parte de la Graham Bond Organisation, Manfred Mann y también los John Mayall's Bluesbreakers y el batería Ginger Baker fue miembro de la Alexis Korner Blues Incorporated y la Graham Bond Organisation. El terceto, junto al letrista Pete Brown, unieron fuerzas a mediados de los 60 para protagonizar uno de los encuentros con mejores resultados de la historia del rock. "Fresh Cream" fue el preludio de su album más brillante, producido por Felix Pappalardi, "Disraeli Gears" (1967), un magistral Lp con absorbentes piezas imbuidas de blues, rock, pop y psicodelia como "Tales of Brave Ulysses", "Swlabr", "Strange Brew" o "Sunshine of your love". 1. Strange Brew 2. Sunshine of Your Love 3. World of Pain 4. Dance the Night Away 5. Blue Condition 6. Tales of Brave Ulysses 7. SWLABR 8. We're Going Wrong 9. Outside Woman Blues 10. Take It Back 11. Mother's Lament 82
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 089. Pink Floyd - The Piper At The Gates Of Dawn (1967) "Lucifer Sam", "Matilda Mother" o "The Gnome". La excepcional "Astronomy Domine" y el largo instrumental space-rock "Interstellar Overdrive" define a la perfección el sonido particular de los Pink Floyd liderados por ese genio llamado Syd Barrett. 01.- Astronomy Domine 02.- Lucifer Sam 03.- Matilda Mother 04.- Flaming 05.- Pow R. Toc H. 06.- Take Up Thy Stethoscope And Walk 07.- Interstellar Overdrive 08.- The Gnome 09.- Chapter 24 10.- Scarecrow 11.- Bike Una de las piezas básicas de la psicodelia británica es este "The Piper At The Gates of Dawn", primer disco de Pink Floyd y obra magna de su principal hacedor, el iluminado lisérgico Syd Barrett, que a base de potenciar su intrincada imaginería galáctica y surrealista con buenas cargas de LSD consigue roturar en campos sónicos nunca explorados con anterioridad a la publicación de este álbum, ubicando el rock en esferas espaciales con la creación del denominado space-rock. Envolventes trabajos de guitarra, incisivas lineas de bajo, atmósféricos y etéreos teclados, hipnóticos e insólitos efectos de estudio y líricas de basamento estelar, onírico, infantil y ácido para compactar un Lp en el que la psicodelia alcanza su máximo apogeo sin menospreciar el poder de la melodía pop (con construcciones vocales similares al estilo Who de "Sell Out" en canciones como ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 83
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 090. The Who - The Who Sell Out (1967) Uno de los primeros discos conceptuales de la historia del pop-rock, desplegado con brillantez por parte de Pete Townshend y compañía: la gran voz de Roger Daltrey, el simpar sentido rítmico del bajo de John Entwistle y la innovadora, nerviosa e imprevisible sonoridad de la batería de Keith Moon. Un trabajo exuberante de pop psicodélico, que cuenta con numerosos elementos humorísticos en su naturaleza lírica, en los que hay acomodo irónico para la masturbación, los tatuajes o los problemas con el acné y el olor corporal. "Mary Anne with the shaky hand", "Tatoo", "I can see for miles" o la psicodélica compuesta por John Keene (de Thunderclap Newman) "Armenia city in the sky" son algunas joyas (en la reedición en CD incluyen otras maravillas como "Someone's coming" de la primera gran obra de los Who, uno de los mejores grupos británicos de todos los tiempos. 1. Armenia City in the Sky 2. Heinz Baked Beans 3. Mary Anne with the Shaky Hand 4. Odorono 5. Tattoo 6. Our Love Was 7. I Can See for Miles 8. I Can't Reach You 9. Medac 10. Relax 11. Silas Stingy 12. Sunrise 13. Rael 1 ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 84
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 091. The Velvet Underground - The Velvet Underground and Nico (1967) Otros momentos indelebles de un álbum clave para entender la música actual son "Heroin", "Venus in furs", "I'm waiting for the man", "There she goes again" o "Black Angel's Death Song". El disco, que se publicó un año después de su grabación, pasó totalmente desapercibido para la gran masa, aunque rápidamente figuró como trabajo de culto entre fervientes seguidores de las exploraciones sónicas, como David Bowie o Brian Eno. 01 - Sunday Morning 02 - I'm Waiting For The Man 03 - Femme Fatale 04 - Venus In Furs 05 - Run Run Run 06 - All Tomorrow's Parties 07 - Heroin 08 - There She Goes Again 09 - I'll Be Your Mirror 10 - The Black Angel's Death Song 11 - European Son "The Velvet Underground & Nico" (1966) sería el primer y esencial trabajo de la banda en formato Lp (con la famosa portada de la banana diseñada por el propio Warhol) marcado por las composiciones de Reed y sus textos narrativos sobre los ambientes urbanos más e*** (con propensión por el mundo de las drogas y el sexo) de la Gran Manzana. Al grupo y bajo sugerencia de Warhol se incorporó la rubia cantante y actriz alemana Nico, cuyo nombre real era Christa Paffgen. El material, totalmente fuera de los circuitos comerciales, establecía una sugerente, acérbica e intensa mezcolanza entre avant-garde y pop-rock, con momentos repletos de fiereza y desabrimiento y otros calmos y bellamente melódicos. Los estupendos singles que se editaron de este disco fueron "All tomorrow's parties" (cara b "I'll be your mirror" y "Femme Fatale" (cara b "Sunday Morning". ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 85
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 092. Frank Sinatra - Frank Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim (1967) 01. The Girl From Ipanema (Gârota di Ipanema) 02. Dindi 03. Change Partners 04. Quiet Nights Of Quiet Stars (Corcovado) 05. Meditation (Meditacáo) 06. If You Never Come To Me 07. How Insensitive (Insensatez) 08. I Concentrate On You 09. Baubles, Bangles And Beads 10. Once I Loved (O amor en paz) ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 093. The Doors - The Doors (1967) n pleno auge del bossa nova en el jazz, el talento de dos genios se juntan para realizar una joya musical, Frank Sinatra y Antonio Carlos Jobim. Sinatra, es de los mejores intérpretes de la historia de la música, y se le reconoce por su excelente fraseo, dominio de la respiración, y por su forma de transmitir las emociones y sentimientos descritos en las letras de las canciones; sólo él puede llevar hasta la intimidad de quién lo escucha exactamente lo que dice la canción así no conozca el idioma. Por su parte, Tom Jobim es considerado el padre de la Bossa Nova en Brasil, es el mayor compositor del género, y fue quien la hizo popular fuera de su país natal, entre otros, con la ayuda de importantes artistas estadounidenses, como Frank Sinatra, con quien fusionó la Bossa con el jazz, creando un nuevo ritmo que podemos disfrutar en este disco. Grabado en de un concierto 1967 y editado en Mayo de 1998, tiene 10 temas de agradables ritmos de bossa nova. Muy recomendado 86
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Con ingredientes de sobra para jugar un papel destacado en la recta final de los agitados años 60, la formación californiana The Doors grababan este esencial album debut de poprock rociado con aromas psicodélicos, trazos poéticos y elementos sonores deudores del jazz y el blues. En su primer trabajo se encuentran algunos clásicos ineludibles para entender la importancia de esta banda en la historia del rock, como el primer sencillo "Break on through (to the other side)", el número 1 "Light my fire" (con un descomunal teclado de Manzarek) y la apocalíptica "The End", circundadas por el sentir blues de la versión de Willie Dixon "Back door man", una estupenda recreación del "Alabama song (Whiskey bar)" del alemán Bertol Brecht y Kurt Weill y otras temas de cosecha propia de fuerte inspiración e inmaculada ejecución como "Soul Kitchen", "The crystal ship", "Twentieth Century Fox", "I looked at you", el halo de misterio que rodea a la psicodélica "End of the night" y el enérgico estribillo de "Take it as it comes", que ponen de manifiesto la destreza, compenetración, imaginación y gran técnica de unos músicos excepcionales. 094. The Birds - Younger Than Yesterday (1967) 1. Break on Through (To The Other Side) 2. Soul Kitchen 3. The Crystal Ship 4. Twentieth Century Fox 5. Alabama Song 6. Light My Fire 7. Back Door Man 8. I Looked At You 9. End Of The Night 10. Take It As It Comes 11. The End Tras el abandono por miedo a coger aviones de su principal compositor, Gene Clark, los cuatro Byrds restantes no se vinieron abajo y terminaron presentando uno de sus mejores trabajos en el mítico año de 1967. ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• Lo más destacable aquí (además de su gran calidad global) es el aporte y destape compositivo de Chris Hillman, autor de joyas como "So you want to be a rock 'n' roll star" (junto a McGuinn y con sonido real de gente gritando en un concierto de los Byrds realizado en Inglaterra a mediados de década) o caramelos de alta categoría melódica como "Have you seen her face", "Thoughs And Words" o "The Girl With No Name", esta última canción estaba dedicada a Girl Freiberg. Por lo demás, el grandioso e imitado sonido de la guitarra de doce cuerdas de McGuinn junto a las habilidades para crear canciones de 87
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ sonoridad inconfundible de Crosby como "Renaissance Fair" o "Why" ( ambas con McGuinn) o "Everybody's been burned" hacen de este trabajo uno de los momentos cumbres de la mezcolanza entre el pop psicodélico y el folk-rock con pequeñas dosis de country ("Time Between" o "The girl with no name" en el que el único bajón se encuentra en la fallida "Mind Gardens". Produce Gary Usher, colaborador asimismo de los Beach Boys. 1. So You Want to Be a Rock 'N' Roll Star 2. Have You Seen Her Face 3. C.T.A. - 102 4. Renaissance Fair 5. Time Between 6. Everybody's Been Burned 7. Thoughts and Words 8. Mind Gardens 9. My Back Pages 10. Girl with No Name 11. Why 12. It Happens Each Day [*] - The Byrds, The Byrds 13. Don't Make Waves [*] - The Byrds, The Byrds 14. My Back Pages [Alternate Version][#][*][Version] 15. Mind Gardens [Alternate Version][#][*] 16. Lady Friend [*] 17. Old John Robertson [Single Version][*] ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 095 - The Young Rascals - Groovin (1967) Good Lovin' de The Young Rascals fue sin duda alguna una de mis canciones favoritas, en aquellos días en los que andaba descubriendo las excelencias de la música de los 60, y aún hoy es uno de mis temas de cabecera. Aquel Good Lovin’ fue uno de los grandes éxitos del 66, número 1 en USA, un tema trepidante, lleno energía y vitalidad, pleno de soul-beat (por llamarlo de alguna manera), con una arrolladora voz que traslada a todo el tema una fuerza inusitada, que te invita a no parar de bailar y brincar hasta el final. Tras esta fantástica canción, pronto me topé con el otro gran clásico del grupo, editado en el 67, el bucólico y melodioso Groovin’. Todo lo que era ritmo y energía en Good Lovin’, es delicadeza y sensibilidad en Groovin’, una atemporal maravilla de pop soul , capaz de emocionar a los ánimos más rígidos. Y así fue como Good Lovin' y la delicada y bella Groovin', sus dos números 1 entre el 66 y el 67, me llevaron irremediablemente a buscar más temas de The Young Rascals, temas que me descubrirían 88
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ a una excelente banda, que mezclaba como pocos el soul con el pop y el R&B. Una banda, un grupo, que pasaría a formar parte de mi batallón de indispensables de los 60, sobre todo gracias a las memorables canciones que editaron entre el 66 y el 68. Canciones que discurren, como antes hemos dicho, desde el R&B primario de sus comienzos, hasta el elegante y emotivo pop-soul de bellos arreglos de finales del 67. The Young Rascals cuando iniciaron su recorrido, allá por el 66, ya mezclaban con acierto el soul y pop. Fueron la primera banda blanca que firmó para el sello Atlantic y podemos decir que junto con grupos como los Box Tops inauguraron esa curiosa categoría de grupos de “soul de ojos azules”. Sí, ojos azules, y tez blanca, pero sólo hay que escuchar sus versiones de clásicos de la música negra como Slow Down, Mustang Sally y In the Midnight Hour, incluidos en su primer disco, para descubrir a una poderosa voz y un gran organista, Felix Cavaliere, junto a un grupo con mucho soul. Pero sin duda, su gran acierto fue la gran facilidad con que mezclaban diferentes estilos, casi siempre con grandes resultados. Soul salvaje y emotivo como demuestran las versiones de clásicos que ya hemos citado. Garage con toques psicodélicos del calibre de temas como Find Somebody o la desgarrada You Better Run, con un ritmo frenético, de guitarras desmadradas y un hammond ardiente. Y como no, pop soul elegante, exquisito, dulce y emotivo (me quedé sin adjetivos) tal y como demuestran monumentos del pop como A place in the sun, A Girl Like You, Groovin’, Baby Let’s Wait y la fantástica I belive, donde la emoción contenida se palpa desde el suave comienzo hasta el estallido final, a través de esa preciosa guitarra que lidera la melodía, la desgarrada voz de Cavaliere y el intenso hammond que arropa todo el tema. En definitiva, exquisitas melodias de pop soul acompañadas de grandes armonias vocales, e inspiración a la hora de componer. Grandes, grandes. 3. I'm So Happy Now 4. Sueño 5. How Can I Be Sure 6. Groovin' 7. If You Knew 8. I Don't Love You Anymore 9. You Better Run 10. Place in the Sun 11. It's Love 1. Girl Like You 2. Find Somebody Bajo consejo musical y espiritual de Jerry García (Grateful Dead), la ácida banda edifica uno de sus mejores trabajos y uno de los mejores ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 096. Jefferson Airplane - Surrealistic Pillow (1967) 89
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Lps del denominado sonido San Francisco. Pop-rock psicodélico y folk-rock de influencias Byrds o Buffalo Springfield cogidos de la mano para un segundo excelente álbum marcado por la sobresaliente escritura y las voces de Grace Slick, Marty Balin y Paul Kantner. El album contiene extraordinarios temas como el melódico "My best friend", escrito por Skip Spence (primerizo componente de los Jefferson Airplane y posterior miembro de Moby Grape), las bellísimas baladas "Today" y "Comin' back to me", la rockera "3/5 of a mile in 10 seconds" y la lisérgica "Plastic Fantastic Lover", obras de un inspirado Balin. Los dos grandes e inmortales clásicos de la banda compuestos por la recién llegada Slick, "Somebody to love" y "White Rabbit" complementan lo más destacado de este psicodélico cóctel de amor, hippismo y LSD, servido por un atrayente sentido de la armonía e impecable ejecución a cargo de grandes instrumentistas como los guitarristas Jorma Kaukonen y Kantner o el bajista Jack Cassady. "How do you feel", un tema a lo Mamas & The Papas, "DCBA.- 25" o la instrumental folk estilo Simon & Garfunkel "Embryonic Journey" son canciones muy disfrutables pero inferiores a las primeras citadas. 01.- She has funny cars 02.- Somebody to love 03.- My best friend 04.- Today 05.- Comin´ back to me 06.- 3,5 of a mile in 10 seconds 07.- D.C.B.A. -25 08.- How do you feel 09.- Embryonic journey 10.- White rabbit 11.- Plastic fantastic lover ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 097. The Kinks – Something Else by the Kinks (1967) En 1967, mientras la mayoría de los artistas musicales estaban inmersos en la explosión psicodélica, los Kinks y más concretamente el inefable Ray Davies seguía escribiendo según le marcaban las pautas de su enorme inspiración, sin reparar en modas de ninguna clase. De esta forma, ese mismo año, el grupo se encerraba en el estudio de grabación con el productor Shel Talmy para registrar las excelentes trece canciones que integran "Something Else by The Kinks", entre ellas, una de las más brillantes y celebradas de toda su carrera, "Waterloo Sunset". Además de este viaje por el atardecer de Waterloo, los Kinks nos regalan otras inmortales gemas impregnadas tanto de la usual ironía de su autor en punzantes comentarios sociales como de un 90
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ romanticismo de tonalidad harto melancólica. Dentro del primer bloque se englobarían "David Watts", "Harry Rag", el barroquismo de "Two sisters" (que cuenta con sarcasmo la curiosa historia de dos hermanas que corren distinta suerte) o "Situation vacant", una pieza sobre un matrimonio fracasado tras la interferencia de una ambiciosa suegra en la que se incluyen primorosos sonidos de pianos y órgano Hammond. En el segundo incluiríamos los ritmos de bossanova de la fenomenal "No Return", la sentimental y divertida "Afternoon tea" o la añoranza de un amor veraniego en "End of the season". Destacable es asimismo la celebración del astro rey en el tema de influjo lisérgico "Lazy Old Sun". Dave Davies, aunque en muy menor medida, comienza a desarrollar su faceta compositiva colaborando con su hermano en "Death of a clown" y escribiendo en solitario dos temas de fácil aprovechamiento, como "Funny face" y la impresionante "Love me till the sun shines", que configuran un sensacional trabajo apoyado por la importantísima labor rítmica del bajita Pete Quaife y el infravalorado y fundamental trabajo en la batería de Mick Avory. 1. David Watts 2. Death of a Clown 3. Two Sisters 4. No Return 5. Harry Rag 6. Tin Soldier Man 7. Situation Vacant 8. Love Me Till the Sun Shines 9. Lazy Old Sun 10. Afternoon Tea 11. Funny Face 12. End of the Season 13. Waterloo Sunset ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 098. Donovan - Sunshine Superman (1967) Las admirables melodías y arreglos, además de una encantadora voz son algunos de los apreciables rasgos musicales de Donovan, un subestimado (en realidad es un grandísimo autor) cantante y compositor folk y pop psicodélico que con este soberbio "Sunshine Superman" logró su cima como cantautor. El álbum oferta cánticos hippies de amor y paz con sonoridad llena de ornamentos, recuerdos a músicas pretéritas con sonidos inventivos en los que participó gente como Jimmy Page a la guitarra eléctrica, A. Friend al violín o Sheila Phillips al sitar. Las magníficas canciones, producidas por Mickie Most, incluyen su gran éxito en single "Sunshine Superman" y glorias como "Season of the witch", "Guinevere" "The fat angel" (dedicada a Mama Cass de Mamas & The Papas) o "Bert's blues" (el Bert del título es el músico 91
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ de folk escocés Bert Jansch), aunque es una pérdida de tiempo decir títulos, ya que todo el álbum es pura delicia. 1. Sunshine Superman - Donovan, Donovan 2. Legend of a Girl Child Linda 3. Three Kingfishers 4. Ferris Wheel 5. Bert's Blues 6. Season of the Witch 7. Trip - Donovan, Donovan 8. Guinevere 9. Fat Angel 10. Celeste ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 099. Merle Haggard - I'm a Lonesome Fugitive (1967) Merle Haggard ha sido uno de los artistas y compositores más importantes desde Hank Williams, una de las figuras de referencia de la escena country desde la década de los sesenta. Muchos de sus temas son ya clásicos del género y su influencia se ha extendido hasta nuestros días. Al igual que su ídolo Bob Wills, su música es un crisol de influencias -country, jazz, blues, and folk- creando un peculiar estilo personal. En 1965 firma con Capitol Records, un año después el éxito le empezaba a situar como una estrella de la música country con temas como "Swinging Doors", "The Bottle Let Me Down" y "I'm a Lonesome Fugitive" - que fue su primer número uno-, siendo nominado por la Academia de la Múisca Country para los premios como mejor vocalista. A partir de esos momentos Merle conseguirá el favor del público nada menos que 37 Top Ten, incluidos 23 números uno en la lista de singles. En 1967-1968 obtuvo cuatro números uno: "Branded Man," "Sing Me Back Home," "The Legend of Bonnie and Clyde," y "Mama Tried," (formó parte de la banda sonora del film "Killers Three", su debut como actor). Con la excepción del tema "Bonnie and Clyde," se observa un cambio, puesto que comienza a hacer referencia a su pasado. Como cada canción es un éxito aún mayor que la anterior, Merle se anima a continuar componiendo con un estilo cada vez más personal. 1. I'm a Lonesome Fugitive 2. All of Me Belongs to You 3. House of Memories 4. Life in Rison 5. Whatever Happened to Me 6. Drink up and Be Somebody 7. Someone Told My Story 8. If You Want to Be My Woman 9. Mary's Mine 10. Skid Row 11. My Rough & Rowdy Ways 12. Mixed up Mess of a Heart 92
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 100. Jimi Hendrix – Are You Experienced (1967) El guitarrista de rock más innovador de todos los tiempos en uno de los más importantes Lps de la historia. La verdad es que sus habilidosos dedos y su imaginación en la escritura podía deslizarnos emocional y sensitivamente por meandros sonoros de incalculable influencia postrera y hacernos gozar de enormes composiciones empapadas de psicodelia, blues y rock. Acompañados por los infravalorados y valiosos Noel Redding (bajo) y Mitch Mitchell (sensacional batería) Jimi se mueve desde el rock psicodélico de "Manic Depression" hasta el blues ácido de "Red House" pasando por temazos de contagioso ritmo como "Can you see me", ramalazos de aguda penetración guitarrera en "I don't live today", melodiosas tonadas sobre protectoras y lisérgicas cascadas en "May this be love", sugestividad psico jazz-rock en "Third stone from the sun", maravillas rocks de alma soul como "Remember" o clásicos vibrantes de la talla de "Foxy Lady" o "Fire", retazos de historias con ubicaciones de alta lubricidad. En la reedición en formato CD se añadieron a la edición original británica los sencillos que contienen algunas de sus ejecuciones más populares, entre ellas "Hey Joe", la única canción no escrita por Jimi Hendrix en la cual mixtura su absorbente trabajo de guitarra con unos candorosos apoyos vocales de Mitchell y Redding convirtiendo al tema de Billy Roberts en una obra maestra. Otra gran composición añadida es "Purple Haze", todo un standard sobre las drogas que epitomiza el genio de Hendrix. 1. Foxey Lady 2. Manic Depression 3. Red House 4. Can You See Me 5. Love Or Confusion 6. I Don't Live Today 7. May This Be Love 8. Fire 9. 3rd Stone from the Sun 10. Remember 11. Are You Experienced 12. Hey Joe 13. Stone Free 14. Purple Haze 15. 51st Anniversary 5 16. The Wind Cries Mary 17. Highway Chile ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 93
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 101. The Electric Prunes - I Had Too Much To Dream (Last Night) (1967) Grupo de garaje y pop psicodélico americano procedente de la ciudad de Los Angeles. Formado en 1965, su música estaba caracterizada por originales experimentaciones lisérgicas y un apreciable sentido para la melodía. Los componentes iniciales de The Electric Prunes eran el cantante y guitarrista Jim Lowe, el guitarra líder Ken Williams, el guitarrista rítmico James "Weasel" Spagnola, el bajista y teclista Mark Tulin, y el batería Preston Ritter, quien reemplazó a Michael "Quint" Weakley. Una pieza importante en el sonido de los Electric Prunes fue el productor Dave Hassinger, un exquisito técnico que había colaborado como ingeniero de sonido para los Rolling Stones en los discos "Out of our heads" y "Aftermath", ocupando también el puesto de productor para bandas como The Grateful Dead e ingeniero para LPs de Jefferson Airplane o The Seeds. El gran éxito para los Electric Prunes llegó con el tema "I Had Too Much to Dream (Last Night)", una pieza compuesta por Nancie Mantz y Annette Tucker que en manos de la banda y Dave Hassinger poco se parecía a la demo presentada por la pareja de compositoras, convirtiéndose con sus ropajes psicodélicosl la energía otorgada por la instrumentación del conjunto y la voz de Lowe en uno de los grandes clásicos del psico-garage. El single, segundo del grupo, les llevó al puesto número 11 en el Billboard. "Get Me to the World on Time" fue su siguiente sencillo, una canción escrita por Tucker y Jill Jones con la que la banda acercaba los ritmos de Bo Diddley a la lisergia del momento. Cosecharon estimables ventas, alcanzando el tema el puesto 27.Ambas canciones estaban incluidas en su LP debut, "The Electric Prunes" (1967). Producido por Hassinger y arreglado por el propio grupo, era un buen disco de ecléctica sonoridad, siempre desde un enfoque psicodélico. Los temas, en su mayoría escritos por Annette Tucker, Nancie Mantz y Jill Jones, tanto ofertaban pujante piezas de garaje psicodélico como sensibles baladas pop o piezas vodevilescas. 1. I Had Too Much to Dream (Last Night) 2. Bangles 3. Onie 4. Are You Lovin' Me More (But Enjoying It Less) 5. Train for Tomorrow 6. Sold to the Highest Bidder 7. Get Me to the World on Time 8. About a Quarter to Nine 9. King Is in the Counting House 10. Luvin' 11. Try Me on for Size 12. Toonerville Trolley 94
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 102. Loretta Lynn – Don’t Come Home a Drinkin’ (With Lovin’ on Your Mind) (1967) 2. I Really Don't Want to Know 3. Tomorrow Never Comes 4. There Goes My Everything 5. The Shoe Goes on the Other Foot Tonight 6. Saint to Sinner 7. The Devil Gets His Dues 8. I Can't Keep Away from You 9. I'm Living in Two Worlds 10. Get What 'Cha Got and Go 11. Making Plans 12. I Got Caught ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 103. Shivkumar Sharma-Brijbushan Kabra-Hariprasad Chaurasia Call Of The Valley (1967) Nacida en los bosques de Butcher Hollow en 1935, la cantante country Loretta Lynn se convirtió en un icono de la música folk americana en 1981. Esto ocurrió cuando una película basada en la biografía de Lynn, «Coal Miner’s Daughter», llenó teatros y le valió a la actriz Sissy Spacek un Oscar. Durante 2 décadas, Lynn fue una habitual de las listas country, logrando un éxito tras otro y orientando sus letras hacia un universo femenino con temas como «Don’t Come Home a Drinkin», «Fist City» y «Woman of the World». Más tarde, Lynn forjó una exitosa relación con el compositor Conway Twitty. 1. Don't Come Home a Drinkin' (With Lovin' on Your Mi 95
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 104. The Velvet Underground - White Light - White Heat (1967) " Call Of The Valley " es en la música clásica india lo que el "Hamlet" es en el teatro Inglés o la "Mona Lisa" en la pintura europea, un hito que está destinado a seguir siendo el estándar de oro para siempre. Muy posiblemente el álbum clásico o instrumental más vendido de la India de todos los tiempos. Sigue encontrando, después de tres décadas, nuevos oyentes que al escuchar este álbum pasa a ser una de las experiencias más completas de su vida. La música es simple. Es profundo. Es fascinante. También es revolucionario. El santoor (martilló dulcimer), flauta y guitarra, tres maestros creando seis piezas sencillas, de alrededor de seis a siete minutos cada una. La temática es romántica, uno de los instrumentos representa el ambiente natural y los otros dos representan a un hombre y una mujer cortejando. Usted puede o no sentirlo, pero comprenderá que son himnos a la madre naturaleza. La belleza radica en que no se tiene que ser conocedor, ni siquiera se tiene que saber cosa alguna sobre música clásica india para disfrutar de este maravilloso álbum. 1. Ahir Bhairav/Nat Bhairav 2. Rag Piloo 3. Bhoop Ghara [Dadra] 4. Rãg Des 5. Rag Pahadi 6. Ghara-Dadra - Brij Bhushan Kabra 7. Dhun-Mishra Kirwani - Shivkumar Sharma 8. Bageshwari - Hariprasad Chaurasia ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• Grabado en unos pocos días en 1967, este disco deja de lado el costado más pop del primer disco de la banda al igual que a Nico y a Andy Warhol, que fueron despedidos después del primer disco. El disco fue editado en 1968 por el sello Verve. El álbum está lleno de feedback y noise, así como letras que tratan los temas poco convencionales que The Velvet ya había tratado en The Velvet Underground and Nico (drogas, sexo, travestismo). Es considerado uno de los más distorsionados y saturados de la historia del rock. Su sonido es el más crudo de todos los discos de Velvet Underground. "White light, white heat" (1967), el documento más rugoso y disonante de la carrera del grupo, de feroz anticomercialidad y neurálgica ejecución, ilustrada en temas producidos por Tom Wilson (productor de Bob Dylan, Franz Zappa o Simon & Garfunkel ) como "The gift", "I heard her call my name" o "Sister Ray". La repercusión en su tiempo fue nula y John Cale, decepcionado por ello y tras mantener unas fuertes disputas personales con Lou Reed, 96
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ abandonó el grupo para comenzar su carrera en solitario (posteriormente limarían sus asperezas y colaborarían juntos de nuevo). Su sustituto sería Doug Yule, ex miembro de Grass Menagerie. 1. White Light White Heat 2. Gift 3. Lady Godiva’s Operation 4. Here She Comes Now 5. I Heard Her Call My Name 6. Sister Ray ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 105. The Jimi Hendrix Experience - Axis Bold As Love (1967) Tras romper moldes con su apabullante "Are you experienced?", estableciendo una seductora e impresionante conexión entre el blues, el rock y la psicodelia, el malogrado guitarrista de Seattle volvía a la carga con esta segunda entrega en estudio facturando una nueva obra maestra en la que a las referidas constantes musicales añade con acierto unas estupendas dosis pop en canciones como la funky "Wait until tomorrow", con unos atractivos coros (en los que interviene gente como Graham Nash o Roy Wood), "You got me floatin'" o "She's so fine", una maravilla escrita y cantada por el bajista Noel Redding, la cual está fuertemente influenciada por los Who. El jazz sirve de aposento para la elegante "Up from the skies", mientras que el blues es la base de la psicodélica "If 6 was 9", excelente tema que se convierte en uno de los momentos imprescindibles del álbum junto a otras piezas memorables como la rockera "Spanish castle magic" y su extraordinario riff de guitarra, "Ain't no telling", con una devastadora sección rítmica, la fabulosa balada "Little wing", que conocería posteriormente una gran versión de Eric Clapton, la sensacional "Castles made of sand", que cuenta con un brillante texto acompañado de una magnífica melodía, la atmósferica "One rainy wish", o "Bold as love", una despedida de disco rebosante de intensa emotividad. Toda una portentosa exhibición del guitarrista más genial e innovador que ha dado el rock. 01 - EXP 02 - Up from the Skies 03 - Spanish Castle Magic 04 - Wait Until Tomorrow 05 - Ain't No Telling 06 - Little Wing 07 - If 6 Was 9 08 - You Got Me Floatin' 09 - Castles Made of Sand 97
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 10 - She's So Fine 11 - One Rainy Wish 12 - Little Miss Lover 13 - Bold as Love ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 106. Aretha Franklin - I Never Loved a Man the Way I Love You (1967) Una de esas mágicas confluencias que de vez en cuando se producen en el mundo de la música, tuvo lugar a finales del 66 en las oficinas de Atlantic Records en Nueva York. Allí, una seminal y poderosa vocalista de soul, de profundas raíces gospel, buscaba dar un giro radical a la que hasta ese momento estaba siendo una dubitativa carrera musical dentro del sello Columbia, más cercana al jazz más pop que al poderoso y vibrante soul. En aquellos días una tal Aretha Franklin, que años antes había decido dar el salto del gospel a la música laica, animada y avalada nada más y nada menos que por el gran Sam Cooke, se dejaba embaucar por uno de los capos de la Atlantic Records, el avispado y genial productor Jerry Wexler, para dejar Columbia, firmar por Atlantic y comenzar de esta forma uno de los períodos más gloriosos de la música soul, en el que Aretha Franklin fue una de las principales protagonistas de este estallido soul, proporcionándonos algunos de los momentos más emocionantes, viscerales y desgarradores que nos ha dejado la música negra, en discos como este I've Never Loved a Man (The Way I Love You) que hoy traemos a Sensaciones Sonoras, y que fue el primer disco que Aretha grabó para Atlantic, en aquel lejano Marzo de 1967. Cuando Jerry Wexler firmó a Aretha Franklin, sabía perfectamente lo que podía conseguir de ella, la intensidad y sentimiento que podía volcar sobre sus desgarradas y viscerales interpretaciones con su espectacular voz, y tenía muy claro el acompañamiento musical que necesitaba aquella fabulosa voz. No lo dudó, y se llevó a Aretha al sur, a los estudios Muscle Shoals, caracterizados por su sonido primario y directo, de vientos cortantes, y pianos y guitarras descarnadas, y donde el soul más desgarrado y el R&B más abrasivo parecían brotar con absoluta naturalidad. Y allí, junto a músicos del calibre de Chips Moman, Spooner Oldham, Jimmy Jhonson, y Bobby Womack, además de con sus hermanas a los coros, Aretha Franklin grabó este fabuloso I've Never Loved a Man (The Way I Love You), que incluye poderosas interpretaciones de temas propios, así como de monstruos del soul como Otis Redding y Sam Cooke entre otros. Un disco que pone de manifiesto la grandeza del soul y el torrente de emociones que Aretha Franklin transmitía en aquella época. Profundas y maduras emociones expresadas por “una mujer de 25 años con el sonido, los sentimientos y la experiencia de alguien mucho mayor y con una vida muy intensa”, según diría Jerry Wexler. Tal y como decía ella, “Soul es la habilidad para hacer partícipes de 98
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ tus sentimientos a otras personas”, una habilidad que ella dominaba perfectamente, tal y como se aprecia en esa rotunda y descarnada exigencia de respeto a su hombre, que es su espléndida versión del Respect de Otis Redding, o en esa otra intensa y desgarradora declaración de principios que es el tema que da título al disco, el fantástico I've Never Loved a Man, o en la preciosa balada Baby baby baby, un clásico tema de soul contenido, de muchos quilates, al igual que ese otro poderoso y visceral lamento interior que es Drown in my own tears, donde Aretha pone de manifiesto sus profundas influencias vocales del gospel. Y así podríamos seguir con todos y cada uno de los temas del disco, con su sentida versión del clásico de Cooke, A chance is gonne come, o con ese otro ejercicio de soul contenido, pero de enérgica interpretación vocal que es Dr Feelgood (love is a serious bussiness), todos ellos con un compacto, rotundo y escueto acompañamiento musical, que se apodera de tus sentidos con la misma fiereza con la que Aretha canta. Un clásico del soul, de la reina del soul, imprescindible para todo aquel que esté interesado en la música negra. 1. Respect 2. Drown in My Own Tears 3. I Never Loved a Man (The Way I Love You) 4. Soul Serenade 5. Don't Let Me Lose This Dream 6. Baby, Baby, Baby 7. Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business) 8. Good Times 9. Do Right Woman, Do Right Man 10. Save Me 11. Change Is Gonna Come 12. Respect [Stereo Version][*] 13. I Never Loved a Man (The Way I Love You) [Stereo Version][*] 14. Do Right Woman, Do Right Man [Stereo Version][*] ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 107. The Rolling Stones - Beggars Banquet (1968) Tras un breve periodo de confusión en el que editaron el álbum "Their satanic majesties request" como respuesta fallida (a pesar de tratarse de un buen trabajo) al "Sgt. Pepper's" de los Beatles, el siguiendo disco grande de los Rolling Stones significó un categórico, esencial y brillante regreso a sus orígenes musicales con este banquete de mendigos en el cual despliegan un menú que se aleja de experimentaciones psicodélicas y recuperan el sabor más afín a la banda en su registro de una sobresaliente colección de temas de consistencia rockera, sonidos acústicos y alma de blues, contenidas en un disco con retrete de mala muerte (aunque por lo menos tiene rollo de papel higiénico) en donde se manifiesta en una pintada que el sueño de Dylan es tirar de la cisterna. 99
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Una de sus mejores y más populares canciones, la satánica "Sympathy for the devil", que amalgama diferentes y atractivos ángulos sónicos (incluida la samba), es el espectacular punto de arranque a una prodigiosa sucesión de impetuosas, acérbicas, turbulentas e insurrectas piezas maestras. En "No expectations" muestran un talante desesperanzador con el malogrado Brian Jones ejecutando una hechizante slide guitar, al igual que hace en la fantástica y subestimada "Jig-Saw Puzzle". Aportan su punto de vista sobre la efervescencia de la época y la consecuente violencia libertaria en la punzante "Street fighting man", su particular sentido del humor aflora en "Dear doctor", uno de sus primeros coqueteos con el country-rock. En "Stray cat blues" hablan de la relación con una quinceañera de ávidos deseos sexuales. "Parachute woman" evidencia su natural y constante apego al blues con un retorno a la materia carnal y el broche de oro a tan magistral demostración de talento musical lo pone el rock con espíritu gospel "Salt of the earth", pieza de anhelante comentario social que junto a "Sympathy for the devil" resulta el tema más logrado de "Beggars Banquet", una obra magna producida por el indispensable Jimmy Miller, que debuta aquí con los Stones y que proseguiría sus andanzas con el quinteto grabando sus Lps más contundentes. ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 1. Sympathy for the Devil 2. No Expectations 3. Dear Doctor 4. Parachute Woman 5. Jigsaw Puzzle 6. Street Fighting Man 7. Prodigal Son 8. Stray Cat Blues 9. Factory Girl 10. Salt of the Earth El cantante y multi-instrumentista Steve Winwood fue uno de los principales talentos surgidos en los años 60 en el Reino Unido. Después de comandar la banda de R&B Spencer Davis Group, al joven Winwood se le quedó pequeña la simulación enérgica de sus ascendencias negras y en tiempos de hippismo, psicodelia y experimentación sónica, con discos como “Revolver” o “Sgt Peppers” de los Beatles revolucionando el panorama musical, decidió abandonar en 1967 a Spencer Davis para desarrollar su nuevo proyecto en un grupo al que llamó Traffic. Traffic” (1968) fue su segundo y gran LP (número 9 en el Reino 108. Traffic - Traffic (1968) 100
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Unido), otro estupendo trabajo producido por Miller, con, dentro de la psicodelia, incisiones R&B, jazz, soul, country y folk-rock, ecos de The Band y Buffalo Springfield, y composiciones importantes como “Feelin’ alright”, su quinto single que conoció versiones de Grand Funk Railroad o Joe Cocker, “Who knows what tomorrow might bring”, “You can all join in”, “Don’t be sad” o “40.000 Headmen”, tema del cual hicieron un cover Blood, Sweat & Tears. Después de este disco Dave Mason dejó definitivamente el grupo tras ser despedido por el restante trío. Este hecho haría tambalear la formación ya que el propio Winwood se marcharía para integrarse durante su corta existencia en el supergrupo Blind Faith. 01 - You Can All Join In 02 - Pearly Queen 03 - Don't Be Sad 04 - Who Knows What Tomorrow May Bring 05 - Feelin' Alright? 06 - Vagabond Virgin 07 - Forty Thousand Headmen 08 - Cryin' to Be Heard 09 - No Time to Live 10 - Means to an End ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 109. The Incredible String Band - The Hangman's Beautiful Daught (1968) Aunque la frase es manida, siempre vale recordarla. Según Proust, los verdaderos artistas son aquéllos capaces de abrir las puertas hacia un mundo desconocido, en el cual jamás se ha puesto un pie. La inveterada propuesta de Incredible String Band refrenda la sentencia ¿Quién dijo que para reivindicar un ánimo psicodélico eran necesarios un bajo con fuzz, overdubs, distorsión y arsenales electrónicos? Desde 1966, el dúo conformado por Robim Williamson y Mike Heron se prodigaron en explorar en las tradiciones vernáculas y añosas de la campiña bretona, oculta en las inmemoriales leyendas de toda una pléyade de seres fantásticos e imposibles personajes; el tándem reinterpretó desde un prisma vanguardista y lisérgico toda la oralidad vertida en las músicas pastoriles originarias inglesas. Antes de la publicación del monumento folk que amerita estas líneas, ya habían sacudido las bateas con 5.000 Spirits or the Layers of the 101
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Onions en el '67. Para el año siguiente, la propuesta serpenteante, quebradiza y absolutamente personal de los ISB estaba ya madura en su esperpéntica belleza. Dos instrumentistas eximios, ingiriendo más de la cuenta cubos de LSD y con unas posibilidades musicales inmensas, dieron frutos en esta honesta y magistral odas a la mitología celta en su lectura más alucinógena. 110. The Kinks - Village Green Preservation Society (1968) Estructuras complejas, instrumentos recónditos y desconocidos, dulces voces bucólicas infectadas de la revolución de entonces: experimentando con lo arcaico, podría ser un epígrafe de este álbum que, mayor sorpresa, alcanzó el puesto cinco en ventas en el Reino Unido, una fortuna que ya se hubiesen querido los Velvet Underground, Silver Apples y tanto obseso que anduvo suelto por entonces. "Waltz of New Moon", "The Witches Hat", "A Very Cellular Song", "There is a Green Crown", "The Minotaur's Song", son parte de un viaje condimentado con sítares, dulcímeres, flautas de agua, y una serie interminable de vetustos y nobles instrumentos acústicos usados por incontables generaciones de labriegos, pastores y juglares de la vieja Bretaña. Un generoso deleite y una apertura hacia el frondoso follaje de los secretos celtas. 1. Koeeoaddi There 2. Minotaur's Song 3. Witches Hat 4. Very Cellular Song 5. Mercy I Cry City 6. Waltz of the New Moon 7. Water Song 8. Three Is a Green Crown 9. Swift as the Wind 10. Nightfall Primera y soberbia producción de Ray Davies en un conjunto idílico de naturaleza conceptual y tonalidad melancólica, tan brillante en su labor melódica como en su aspecto lírico. Al margen de las modas y corrientes sonoras que le rodeaban a ambos lados del Atlántico, Ray Davies proseguía su itinerario sardónico sobre sus congéneres y contexto social con esta maravilla bucólica denominada "The Village Green Preservation Society", un evocativo y pastoril LP de pop y rock con trazos cabareteros e incluso blues ("Last Of The Stream Powered Trains". Es una crónica nostálgica sobre las costumbres y tradiciones británicas, una memoria de los paisajes, personajes y valores de un pequeño pueblo verdoso que componen el mejor y más subestimado disco de los Kinks. ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 102
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 111. Ravi Shankar – Sounds of India (1968) 1. The Village Green Preservation Society 2. Do You Remember Walter 3. Picture Book 4. Johnny Thunder 5. Last Of The Steam-Powered Trains 6. Big Sky 7. Sitting By The Riverside 8. Animal Farm 9. Village Green 10. Starstuck 11. Phenomenal Cat 12. All OF My Friends Were There 13. Wicked Annabbella 14. Monica 15. People Taake Pictures Of Each Other 16. The Village Green Preservation Society (Stereo Mix) 17. Do You Remember Walter (Stereo Mix) 18. Johnny Thunder (Stereo Mix) 19. Monica (Stereo Mix) 20. Days (Stereo Mix) 21. Village Green (Stereo Mix) 22. Mr. Songbird (Stereo Mix) 23. Wicked Annabbella (Stereo Mix) 24. Starstuck (Stereo Mix) 25. Phenomenal Cat (Stereo Mix) 26. People Take Pictures Of Each Other (Stereo Mix) 27. Days (Stereo Mix) ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• The Sounds of India de Ravi Shankar es la mezcla definitiva de música hindú clásica, y resulta accesible, está bien documentada e interpretada de forma gloriosa. En aquella época, en la que ubicar músicas del mundo resultaba complicado, Shankar fue el perfecto embajador musical, alguien acostumbrado a las legiones de admiradores, pues era antiguo amigo e informal profesor de música de los Beatles (George Harrison le llamó en una ocasión "el padrino de las músicas del mundo" ) 1. An Introduction to Indian Music 2. Dadra 3. Maru-Bihag 4. Bhimpalisi 5. Sindhi-Bhairavi 103
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 112. Os Mutantes - Os Mutantes (1968) Formados en 1966, Os Mutantes fueron responsables de renovar el sonido brasileño del momento por su combinación de la psicodelia y el rock, junto a la música popular. Sus primeros discos "Os Mutantes" y "Mutantes" hicieron del trío formado por los hermanos Arnaldo y Sérgio, junto a Rita Lee una de la bandas más dinámicas y radical de la época. Han contado en muchas ocasiones con colaboraciones como las de Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé o Gal Costa. Para el resto del mundo, Brasil equivale a fútbol, cuerpos hermosos y bossa nova. La expresión "dictadura militar represiva" aparece en pocas guías. La llegada de los hippies en el verano de 1967 situó la contracultura en el foco de atención con efectos devastadores. Tomaron lo que habían oído procedente de Londres y San Francisco y lo desarrollaron. La derecha detestaba su pelo, su moral y las drogas; la izquierda despreciaba su corrupción de la música brasileña pura. 1. Panis et Circenses 2. Minha Menina 3. O Relógio 4. Adeus Maria Fulo 5. Baby 6. Senhor F 7. Bat Macumba 8. Premier Bonheur du Jour 9. Trem Fantasma 10. Tempo No Tempo 11. Ave Genghis Khan ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 104
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 113. The Jimi Hendrix Experience - Electric Ladyland (1968) soul y del R&B con las que la Experience había perfeccionado su técnica, Hendrix mantuvo un control relativamente firme pese al frenesí de LSD y demás neuróticos que lo rodeaba. 01. ...And The Gods Made Love 02. Have You Ever Been (To Electric Ladyland) 03. Crosstown Traffic 04. Voodoo Chile 05. Little Miss Strange 06. Long Hot Summer Night 07. Come On (Let The Good Times Roll) 08. Gypsy Eyes 09. Burning Of The Midnight Lamp 10. Rainy Day, Dream Away 11. 1983... (A Merman I Should Turn To Be) 12. Moon, Turn The Tides... Gently Gently Away 13. Still Raining, Still Dreaming 14. House Burning Down 15. All Along The Watchtower 16. Voodoo Child (Slight Return) Es un álbum doble que suele ser considerado uno de sus mejores álbumes. Se destacan elementos que anticipan el rock progresivo en canciones como "1983... (A Merman I Should Turn to Be)", y la versión de la canción de Bob Dylan "All Along The Watchtower" (que suele ser considerada por muchos como la mejor versión de la misma, incluso por Dylan). De igual manera que la tecnología de los estudios y los efectos de guitarra habían mejorado y se habían desarrollado en los últimos años de la década de los 60, también lo hicieron los sonidos grabados por The Jimi Hendrix Experience; y el álbum más popular de Jimi, el increíble Electric Ladyland (conocido por su célebre e insólita portada, en la que aparece un grupo de mujeres desnudas), aprovechó plenamente la nueva ciencia del rock. Aunque la interpretación de los músicos y las estructuras de las canciones se volvieron más dispersas, libres de los parámetros de la tradición del ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 105
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 114. The Songs Of Leonard Cohen (1968) La capacidad literaria del canadiense fue un valor determinante para su posterior obra musical. Ya a los 17 años había formado un trío de tendencia country-western llamado The Buckskin Boys, estilo musical que siempre lo definió a pesar de la posterior utilización de teclados y sintetizadores. Cohen publicó su primer L.P. —Songs of Leonard Cohen—, en 19684, vinilo en donde deleitó con canciones como Suzanne, un poema escrito en tercera persona —recurso muy querido por Cohen— que transcurre en un encuentro durante un viaje por un río; en la canción, una guitarra acústica fluye como el agua y las voces femeninas del coro subliman el encuentro con una mujer, tan bella que hasta el propio Jesucristo se rinde al deseo de viajar con ella. En Sisters of Mercy («Hermanas de la Caridad»), otro de los cortes de este vinilo, despliega una sensualidad turbadora — que remarca el sonido de unas campanillas—, juega con el equívoco entre el amor terrenal y el amor a Dios («Ellas tocaron mis dos ojos y yo toqué el rocío en sus dobladillos…») y trasmite la paz de haber encontrado un lugar en donde soldar los fragmentos del alma rota por la familia y el desamparo, concepto que anticipa la futura creencia zen del canadiense. Con So Long, Marianne («Hasta luego, Marianne», canción que recoge, seguramente, los últimos momentos de su relación con Marianne Jensen, a quien conoció en la isla de Hydra) Cohen relata, esta vez en primera persona, una despedida con la voz crispada, al borde de la extenuación. Este estilo «confesional», intimista, es el signo inconfundible de su obra y uno de los motivos, sin duda, de la fascinación que despierta su voz. En So Long, Marianne la incomprensión y la soledad en el amor**, otro de sus temas recurrentes5, volaban subrayadas por una partitura musical algo más elaborada y compleja —en donde podemos escuchar un bello acompañamiento de mandolina— que en las anteriores canciones comentadas. A pesar de su triste y ensimismada voz y la sencillez extrema de la música de sus primeras canciones, con este disco Cohen dejó muy claro que la música del siglo XX había encontrado a uno de sus mejores creadores. Songs of Leonard Cohen es la piedra angular de una prolífica carrera creativa, en donde la poesía y la música se identifican con una fórmula que conmueve profundamente y que muchos confesaron que no podían resistir sin desequilibrarse. Se llegó a decir, incluso, que de día era imposible escuchar a Cohen... 1. Suzanne 2. Master Song 3. Winter Lady 4. Stranger Song 5. Sisters of Mercy 6. So Long, Marianne 7. Hey, That's No Way to Say Goodbye 8. Stories of the Street 9. Teachers 10. One of Us Cannot Be Wrong 106
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 115. Johnny Cash - At Folsom Prison (1968) At Folsom Prison es un álbum en vivo del cantante country Johnny Cash grabado y lanzado el año 1968 en la prisión estatal de Folsom, California. En el álbum aparecen artistas como June Carter, Carl Perkins y la banda de Cash "the Tennessee Three" en el Cd se incluyen canciones como "Greystone Chapel" que fue escrita por un prisionero de la cárcel llamado Glen Sherley y por lo tanto nunca la había cantado en su vida sino hasta la noche antes de la presentación, esa misma noche antes de conocer de la canción vino el sacerdote de la prisión y le mostró la canción interpretada por el prisionero y rápidamente hizo que la incluyeran en el álbum y la presentación. Aunque Cash respetaba las plegarias de los prisioneros ellos lo respetaban a él y sus melodías por lo tanto se quedaron en silencio y tuvieron que agregarle gritos y abucheos después de la grabación. El disco lanzado en 1968 corta partes de las canciones y saca otras por motivo de tiempo y espacio pero en la reedición del año 1999 se incluyen más canciones pero sigue sin ser el concierto entero pero pusieron canciones como "I'm Not in Your Town to Stay," "I've Got a Woman," "Long Legged Guitar Picking Man," y una melodía bastante diferente a la canción original de "Greystone Chapel".En el 2003 este álbum de Cash fue uno de los 50 álbumes escogidos por la librería del congreso de Estados Unidos y lo agregaron al registro nacional.En el 2006 salió #3 de los 40 mejores álbumes de country de la historia del canal Country Music Television (CMT). 1. Folsom Prison Blues 2. Busted 3. Dark As The Dungeon 4. I Still Miss Someone 5. Cocaine Blues 6. 25 Minutes To Go 7. Orange Blossom Special 8. The Long Black Veil 9. Send A Picture Of Mother 10. The Wall 11. Dirty Old Egg-Suckin' Dog 12. Flushed From The Bathroom Of Your Heart 13. Joe Bean 14. Jackson 15. Give My Love To Rose 16. I Got Stripes 17. The Legend Of John Henry's Hammer 18. Green, Green Grass Of Home 19. Greystone Chapel 107
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 116. Laura Nyro – Eli & the Thirteenth Confession (1968) 04 - Poverty Train 05 - Lonely Women 06 - Eli's Comin' 07 - Timer 08 - Stoned Soul Picnic 09 - Emmie 10 - Woman's Blues 11 - Once It Was Alright Now (Farmer Joe) 12 - December's Boudoir 13 - The Confession ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 117. Aretha Franklin - Lady Soul (1968) Laura Nyro es, musical, personal y físicamente, una de las cantautoras más hermosas. En este, su segundo álbum, consigue amalgamar montones de influencias: rock, pop, folk, jazz y mucho gospel. Si bien comenzó escribiendo canciones para otros artistas, en sus discos queda claro que también era una gran intérprete. Pianista, guitarrista, cantante, Laura emociona como nadie y cada uno de sus álbumes es una experiencia única. No hay ni un segundo en Eli and the Thirteenth Confession que no sea una invitación a vivir y llorar de placer. ¿Cómo no enamorarse de Laura después de escucharlo? 01 - Luckie 02 - Lu 03 - Sweet Blindness 108
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Lady Soul, es un álbum editado por Aretha Franklin el 22 de enero de 1968. Producido por Jerry Wexler, uno de los cerebros de la música soul de la época, 'Lady soul' viaja por todos los caminos del género, junto a una vigorosa sección de metal y las aportaciones de guitarristas de excepción como Eric Clapton y Bobby Womack. El disco pasaba de la intensidad de 'Money won't change you' -un tema firmado por James Brown- y 'Come back baby' -de Ray Charles-, hasta la espiritualidad de 'People get ready', de Curtis Mayfield, y en cada tema Aretha dejó su sello imborrable. 'Lady Soul' aportó a la historia clásicos como '(You make me feel like) A natural woman', uno de los más recordados de toda la carrera de la cantante, que firmaron Gerry Goffin, Carole King y el propio Wexler. Entre sus diez temas, el álbum incluyó dos que la cantante compuso junto a su marido, Ted White, 'Since you've been gone (sweet sweet baby)' y 'Good to me as I am to you'. El disco obtuvo un éxito rotundo y con el tiempo se convirtió en un título habitual de las listas de los mejores discos de la historia, no sólo del soul, sino de la música moderna en general. Aretha pasó de 'Lady' a 'Queen'. Desde entonces no se ha bajado del trono del soul. El álbum consiguió llegar a lo más alto de las listas de ventas americanas. En 2003 la cadena VH1 nombró a "Lady Soul" en el puesto 41 de los mejores álbumes de la historia. Para la revista Rolling Stone se encontraría en el puesto número 84. 1. Chain of Fools 2. Money Won't Change You 3. People Get Ready 4. Niki Hoeky 5. (You Make Me Feel Like) A Natural Woman 6. Since You've Been Gone (Sweet Sweet Baby) 7. Good to Me as I Am to You 8. Come Back Baby 9. Groovin' 10. Ain't No Way ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 118. Blue Cheer - Vincebus Eruptum (1968) Donde el ruido comenzó. Demoledor álbum debut de los californianos Blue Cheer, un power trio de San Francisco, que alejado de las posturas hippies de sus colegas de ubicación, estaban altamente influenciados por las prestidigitaciones guitarreras de Jimi Hendrix, al que incluso superaban en la capacidad de perforación y fiereza sónica, convirtiéndose en básicos precursores del futuro heavy metal. Estos pasajes hard-rockeros plenos de ácido y blues muestran el poderío instrumental del terceto, en especial la guitarra hiriente, distorsionada y sinuosa de Leigth Stephens y el estruendoso y bestial ataque de Paul Wahley sobre su resonante batería a lo largo de estas seis piezas llenas de crudeza, desabrimiento y acrimonia, entre las que destacan la membruda versión del "Summertime Blues" (en 109
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ donde incluyen el riff del "Foxy Lady" de Hendrix), tema clásico del pionero del rock Eddie Cochran. Las demás (con especial mención para el gran riff de "Out of focus", tema escrito y cantado por el bajista Dickie Peterson) son abrumadoras y gozosas revisitaciones del rock y el blues más clásico pero con una atrayente sonoridad caótica, retorcida y retumbante. 1. Summertime Blues 2. Rock Me Baby 3. Doctor Please 4. Out Of Focus 5. Parchment Farm 6. Second Time Around ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 119. The Byrds - The Notorious Byrd Brothers (1968) Excepcional disco, una auténtica obra maestra que se engrandece aún más por los problemas acaecidos en su elaboración con marchas, idas y venidas y demás avatares. David Crosby dejó la banda (mucho antes ya lo había hecho Gene Clark) y su buen amigo Michael Clarke le siguió (en este trabajo el que toca casi todos los pasajes de batería es Jim Gordon).nTodos estos inconvenientes no afectaron al resultado final de la obra, el LP más bello que nunca han grabado los Byrds, uno de los conjuntos más influyentes de la historia del rock, además de creadores del folk-rock, country-rock, jangle-pop y country-pop, el repique de la guitarra Rickenbacker de 12 cuerdas de Roger McGuinn, que además de ampliar el significado del folk expandió la flamígera llama de la psicodelia, se puede encontrar en cualquier estilo musical pasado y presente, desde el power-pop de Teenage Fanclub hasta los primeros sonidos alternativos de R.E.M. pasando por el rock de factura comercial de U2. Ya en su época, muchos grupos fueron influidos por la banda californiana, incluídos los propios Beatles, no en vano, John Lennon aparece en "Revolver" con el modelo de gafas que McGuinn había patentado. En "Notorious Byrd Brothers" los Byrds intentaron siempre desde su propia personalidad establecer una respuesta a la cuidadosa producción del "Sgt Pepper's" de los Beatles, utilizando de nuevo a Gary Usher, colaborador también de "Younger than yesterday" en las tareas productivas. El resultado es excelente. Su celestial combinación de voces junto a unas magistrales composiciones llenas de barroquismo con secciones de viento, arreglos de violines, teclados siderales y guitarras enraizadas en una hechizante amalgama de pop, country, rock, folk y psicodelia. La soberbia capacidad instrumental de sus protagonistas contó con la impagable aportación de las guitarras de Clarence White y Red Rhodes, el Moog de Paul Beaver y los apoyos vocales de Curt Boettcher, un mago de la producción vocal de los años 60 que ayudó a llevar al éxito a los Association y formó parte de dos poco conocidos pero magistrales proyectos de pop psicodélico: Sagittarius y The Millennium. 110
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 1. Artificial Energy 2. Goin' Back 3. Natural Harmony 4. Draft Morning 5. Wasn't Born to Follow 6. Get to You 7. Change Is Now 8. Old John Robertson 9. Tribal Gathering 10. Dolphin's Smile 11. Space Odyssey 12. Moog Raga [Stereo][*][Instrumental] 13. Bound to Fall [Stereo][#][*][Instrumental] 14. Triad [Stereo][*] 15. Goin' Back [Stereo][#][*] 16. Draft Morning [Stereo][Alternate Take][#][*][Take] 17. Universal Mind Decoder [Stereo][#][*][Instrumental] ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 120. Big Brother & the Holding Company - Cheap Thrills (1968) "Volver a los buenos tiempos es lo que intentamos con nuestra música, a dar saltos y colocarse". Con estas palabras definió este álbum la mismísima Janis Joplin. En ella voz y mito se hacen uno; se rompe la vieja leyenda del blues, con una chica hippie blanca de texas capaz de desgarrar el alma casi a la altura de grandes como Big Mama Thornton o Memphis Minnie. Cheap thrills es el segundo álbum de Janis Joplin como voz principal de la banda de rock y blues Big Brother & the Holding Company. El grupo había realizado en 1967 una espectacular actuación en festival de Monterrey, lo cual hizo que este disco fura acogido con gran entusiasmo por el gran público. No tardaría nada en alcanzar los primeros puestos de las listas estadounidenses en 1968. Fue tal el éxito que el álbum consiguió estar en lo más alto durante ocho semanas seguidas. La voz de Janis hace que las canciones suenen atemporales, es una mezcla perfectamenta entre el blues y el jazz 111
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ más desgarrados, con una instrumentación que se mueve hacia el rock menos comercial de su época. Podriamos meter este álbum dentro del estilo haigh-ashbury que se dio fuertemente a finales de los 60s. En el álbum encontramos sonidos que nos llevan desde el rock, como ya había dicho, hasta el doo-wop o el soul, sin olvidarnos del blues, el cual Janis domina como pocas cantantes blancas. Tras este álbum, realmente mientras cosechaba éxito este disco, Janis emprendió su carrera en solitario, comenzando así el mito. El álbum está compuesto por siete canciones, de las cuales podemos encontrar cuatro de nueva creación; estando tres de ellas compuestas por la propia Janis junto al guitarrista de la banda, Sam Andrew; y tres versiones de temas clásicos del jazz y el soul. 1.-Combination of the Two 2.-I Need a Man to Love 3.-Summertime 4.-Piece of My Heart 5.-Turtle Blues 6.-Oh, Sweet Mary 7.-Ball and Chain 8.-Roadblock 9.-Flower In the Sun (Previously Unissued) 10.-Catch Me Daddy (live) 11.-Magic of Love (live) ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 121. The United States Of America (1968) The United States of America fue una de las agrupaciones más peculiares de finales de los 60s. Liderados por Joseph Byrd, intérprete de numerosos instrumentos electrónicos, eran capaces de pasar de piezas en extremo experimentales, con numerosos sintetizadores, órganos, maquinitas de diversos tipos y baterías eléctricas, a torbellinos psicodélicos furiosos, tan cercanos a los primeros Grateful Dead como a My Bloody Valentine. A Byrd, mente principal del quinteto, se le suma la preciosa, enigmática voz de Dorothy Moskowitz, que canta como una cruza entre una Sandy Denny doblemente agotada y una especie de Laura Nyro cínica, rabiosa. Las letras pesadillezcas, críticas, acompañan a la música en esta suerte de descenso a infiernos electrónico-lisérgicos. Aires festivos sutiles, bajos que por momentos marchan como la columna vertebral de John Cleese parodiando a un militar, el violín eléctrico burlón de Gordon Marron, las composiciones afiladísimas, construidas más allá de géneros y límites, arman un álbum que parece creado para 112
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ trascender y pisotear cualquier tipo de preconcepto de lo que supuestamente debería ser el rock, la psicodelia o la música electrónica. No es casual que los United States of America logren su objetivo, no dividiendo, sino amalgamando; sumando elementos tan diversos como el agua y el aceite para lograr una obra que hierve, quema y deja pensando en cuántos territorios sonoros le quedan por explorar a la música popular. Tampoco es casual que la agrupación se llame United States of America; nombre que les permite reírse abiertamente de ese eterno intento de preservar los valores tradicionales norteamericanos al realizar una música que obligaría a taparse los oídos a casi cualquier republicano que en un principio se pueda sentir atraído/orgulloso por la idea de que cinco jóvenes titulen así a su nueva agrupación de "música moderna". Lo que sí puede resultar, más allá de toda alabanza, es que el disco suene por momentos poco conciso, algo débil como un todo. Imagino que es difícil de evitar, al tratarse de una obra que mezcla, entre otras cosas, folk, hard rock psicodélico, krautrock, pop de cámara, coros escalofriantes, curiosidad/complejidad "progresiva", densidad protopunk y collages abstractos algo zappeanos (aunque este disco fue grabado el mismo año que Absolutely Free -es decir, Frank no se les adelantó por mucho). Para disfrutar a esta única obra de los United States of America, entonces, hay que estar de un humor especial; buscando construcciones intrincadas y ácidas, más que pretendiendo relajarse con composiciones agradables y amenas. Pero lo más gracioso es que la cerebralidad y frialdad de ciertos (muchos) pasajes del disco se rompen en mil pedazos al irrumpir temas como I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar o Stranded in Time que, en comparación con otros momentos del álbum, son -al menos desde lo puramente musical- odas a la alegría y calidez. The United States of America es un trabajo, en definitiva, que se sostiene en la tensión entre disonancia industrial, cierto romanticismo agridulce y una bienvenida dosis de absurdo irreverente. Después de semejante montaña rusa sonora, eso sí, lo que más queda retumbando en la cabeza es que es una pena que estos muchachos no hayan seguido tocando juntos. 01 - The American Metaphysical Circus 02 - Hard Coming Love 03 - Cloud Song 04 - The Garden of Earthly Delights 05 - I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar 06 - Where Is Yesterday 07 - Coming Down 08 - Love Song for the Dead Ché 09 - Stranded in Time 10 - The American Way of Love .......a. Metaphor for an Older Man .......b. California Good Time Music .......c. Love Is All Bonus tracks: 01 - Osamu's Birthday 02 - No Love to Give 03 - I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar - Alternate version with Moskowitz singing lead 04 - You Can Never Come Down 05 - Perry Pier 06 - Tailor Man 07 - Do You Follow Me 08 - The American Metaphysical Circus - Demo version 09 - Mouse (The Garden of Earthly Delights) - Demo version 10 - Heresy (Coming Down) - Demo version ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 113
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 122. Dr. John - Gris-gris (1968) AT MIDNIGHT. La presencia en todo el disco de las congas marcando ritmos africanos, las panderetas, mandolinas y flautas, se dejan oír ya desde este primer hechizo que abre el disco. 1.: Gris Gris Gumbo Ya Ya 2.: Danse Kalinda Ba Doom 3.: Mama Roux 4.: Danse Fambeaux 6.: Jump Sturdy 5.: Croker Courtbullion 7.: Walk On Gilded Splinters ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 123. Iron Butterfly - In A Gadda Da Vida (1968) Aunque el disco fue grabado en California, Mac Rebennack, quien se esconde tras el nombre de Dr. John, nace, se cría y desarrolla su faceta musical en Nueva Orleáns, donde trabaja durante años como multi-instrumentalista, músico de estudio y productor de innumerables grabaciones de los 50. Así que, al menos respecto al corazón y sentimientos, nos llega este “Gris gris” desde la Nueva Orleáns más profunda, cuna del jazz y lugar de fusión de las culturas americana, europea y africana. Con aire de ritual africano y de voodoo, pero a su vez con esencias del R&B y del jazz, Dr. John nos arrastra en su viaje a través del Barrio Francés hasta las orillas del Missisipi, donde las tortuosas ramas cargadas de líquenes de los robles centenarios conforman un ambiente fantasmal. Ya desde la primera canción, la hipnotizante “Gris gris gumbo ya ya”, eres consciente de que éste es un álbum para escucharlo sólo… y de noche. Este disco debería llevar una etiqueta que dijera PLAY IT ONLY 114
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Surgidos en la segunda mitad de la década de los 60, Iron Butterfly fue una de las principales formaciones de acid-rock de la época, endureciendo y extremando los axiomas característicos de la psicodelia americana, nutrido en su música y letras por el consumo de drogas lisérgicas e imbuido sonoramente por los postulados progresivos. El grupo se creó en 1966 en la ciudad californiana de San Diego. Estaba compuesto por el cantante Darryl DeLoach, el vocalista y teclista Doug Ingle (nacido el 9 de septiembre de 1946 en Omaha), el guitarrista Danny Weis, el bajista Greg Willis y el batería Jack Pinney. En este primer proceso de formación y ya establecidos en la ciudad de Los Angeles, se sucedieron rápidos y constantes cambios en la banda. Willis dejó su puesto a Jerry Penrod y Pinney a Bruce Morse, que posteriormente sería reemplazado por Ron Bushy. Los nuevos miembros en llegar a Iron Butterfly serían el bajista Lee Dorman y el guitarrista Erik Brann. Con esta formación y siempre bajo el liderazo compositivo de Doug Ingle, grabarían su Lp más triunfante, "In-AGadda-Da-Vida" (1968), disco que contenía el famoso y extenso tema homónimo, con excitantes tramos instrumentales, que contiene un insistente y poderoso riff, un conocido solo de batería y un teclado de inspiración clásica. In-A-Gadda-Da-Vida, es un tema rock de diecisiete minutos, ocupando enteramente la segunda cara de éste. La letra es simple, y se escucha sólo al principio y al final. La canción incluye un memorable riff de guitarra y bajo, y sostiene este riff durante más o menos toda la duración del tema. El riff es usado como base para los largos solos de órgano y guitarra, que son interrumpidos a la mitad por un largo solo de batería, uno de los primeros solos en una grabación de rock, y probablemente uno de los más famosos en este género. La canción es importante en la historia del rock porque, junto con Blue Cheer y Steppenwolf, marcó el punto en el cual la música psicodélica produjo heavy metal. En los siguientes años setenta artistas de heavy metal y rock progresivo como Deep Purple y Led Zeppelin le debieron mucho de su sonido, y más incluso de sus actuaciones en directo, a esta grabación. Alcanzando el número cuatro, la canción se pasó ciento cuarenta semanas en la lista del Billboard 200. 1. Most Anything You Want 2. Flowers and Beads 3. My Mirage 4. Termination 5. Are You Happy 6. In-A-Gadda-Da-Vida ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 124. Pretty Things - S.F.Sorrow (1968) 115
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Los Pretty Things, fantástico grupo iniciados en sonidos R&B, se reconvirtieron en un conjunto lisérgico de pop psicodélico a finales del decenio para la elaboración de "S. F. Sorrow", la primera óperarock de la historia que tuvo una gran influencia en el líder de los Who, Pete Townshend, a la hora de idear su exitoso "Tommy". Concebido por las mismas fechas que otros insignes obras como "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles y "The Piper at the gates of dawn" de Pink Floyd, y grabado en los mismos estudios de Abbey Road, "S. F. Sorrow" nunca gozó de la popularidad y reconocimiento de sus contemporáneos, seguramente debido a que nunca tuvo el apoyo y la promoción de éstos, ya que musicalmente es comparable a cualquiera de los mejores trabajos de su tiempo, una obra maestra rotunda de la era psicodélica que narrando la triste historia del solitario S. F. Sorrow, nos deleita con momentos inolvidables como "S. F. Sorrow is born", "Bracelets of fingers", "Private sorrow", "Death", "Baron Saturday", "I see you", "Trust" o "Loneliest person". Esta auténtica joya, con exquisita producción de Norman Smith, merece ser redescubierta por su absorbente atmósfera y la capacidad de conexión de diversas influencias ácidas para la edificación de un trabajo sorprendente,original y excitante, sin duda, de lo mejor que jamás se haya grabado en los años 60 en las Islas Británicas. 12. Old Man Going 13. Loneliest Person 14. Defecting Grey (acetate version) 15. Defecting Grey [Bonus] 16. Mr.Evasion [Bonus] 17. Talkin' About The Good Times [Bonus] 18. Walking Through My Dreams [Bonus] 19. She Says Good Morning [Live 1969] 20. Alexander [Live 1969] ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 125. Simon & Garfunkel - Bookends (1968) 01. S.F. Sorrow Is Born 02. Bracelets of Fingers 03. She Says Good Morning 04. Private Sorrow 05. Balloon Burning 06. Death 07. Baron Saturday 08. The Journey 09. I See You 10. Well of Destiny 11. Trust 116
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Un prodigioso vocalista y un genial compositor y no menos estupendo cantante formaron la pareja más importante y popular de los años 60. Simon & Garfunkel ocuparán un lugar de oro en la historia de la música folk-rock gracias a unos temas llenos de belleza en su ejecución vocal e instrumental pero también de perspicaz lírica no exenta de crítica social. Si Simon & Garfunkel ya habían conseguido el respeto crítico y sus ventas era millonarias, en 1967 lograrían convertirse en unos de los rostros más reconocidos en el mundillo musical gracias al tremendo éxito de la película "El graduado", un estupendo film que contenía varios temas antiguos del dúo y uno nuevo compuesto para el film titulado "Mrs. Robinson". Este sencillo y otras espléndidas canciones como "America", "A Hazy shade of winter", "Old friends" o "At the zoo" vendrían contenidas en su disco "Bookends" (1968), otro magnífico trabajo que consiguió un merecido triunfo en ventas. Este triunfo no se vería reflejado en las relaciones entre Paul y Art. Garfunkel se veía apartado en las tareas compositivas y Simon deseaba retomar su carrera en solitario. 1. Bookends Theme 2. Save The Life Of My Child 3. America 4. Overs 5. Voices Of Old People 6. Old Friends 7. Bookends Theme 8. Fakin' It 9. Punky's Dilemma 10. Mrs. Robinson 11. A Hazy Shade Of Winter 12. At The Zoo ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 126. Small Faces – Ogdens’ Nut Gone Flake (1968) En una época en la que la psicodelia y la experimentación con nuevos sonidos estaban tan en boga, con discos imprescindibles de los grandes nombres de la historia del rock, los Small Faces no quisieron ser menos y sorprendieron con este trabajo publicado en el sello Immediate de Andrew Oldham, el ex productor y mánager de los Rolling Stones. El Lp está constituido por espléndidas canciones lisérgicas como "Long agos and worlds apart", escrita por el teclista Ian McLagan, la deslumbrante "Happines Stan", "The Hungry Intruder" o "The Journey". En el álbum hallamos hermosas piezas instrumentales que indican su grandeza como músicos, como la homónima del disco y el absorbente final de "Rene". También incluyen un ligero regreso a la primera etapa de raíces Decca-R&B con "Rollin' Over", y una serie de pulidos diamantes psicodélicos, como "Afterglow", "Song of a baker", la clásica "Lazy 117
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Sunday" o "Mad John". Son diferentes pasajes de "Ogden's Nut Gone Flake", un LP conceptual con una preciosa portada obra de P. Brown que sigue los pasos de un personaje llamado Happiness Stam en busca del lado oscuro de la luna con el aporte narrativo en la segunda cara de Stanley Unwin. 01. Ogden's Nut Gone Flake 02. Afterglow (Of Your Love) 03. Long Agos And Worlds Apart 04. Rene 05. Song Of A Baker 06. Lazy Sunday 07. Happiness Stan 08. Rollin' Over 09. The Hungry Intruder 10. The Journey 11. Mad John 12. Happy Days Toy Town ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 127. Band – Music from Big Pink (1968) Es 1968 un año crucial en el desarrollo de la música rock, 1968 es un período convulso, tumultuoso que requirió nuevas directrices para paradigmas musicales que corrían riesgo de estancamiento: las cintas invertidas, los sítares y los clavecines, apóstoles instrumentales de la sustancia aérea de gran parte de la vanguardia psicodélica debían dar paso a un sentido más terreno, verista y límpido: llegó la hora de las músicas tradicionales, de las raíces recuperadas, de lo vernáculo. En esta nueva orientación de los derroteros que debía andar el rock, nadie estuvo a tan gran altura como The Band en este su disco debut. A diferencia de otras agrupaciones cultoras desde el '68 del llamado country rock, la apropiación de estos canadienses no se circunscribió a un estilo determinado sino que absorbió toda la anchura de las músicas estadounidenses tradicionales desde una sensibilidad nueva, fresca y versátil. 118
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Por tanto, "Music From Big Pink" es, como muchos han dicho, unas línea divisoria de aguas. Todo lo que fue y será el rock estadounidense en su línea más comprometida está en los surcos de este debut lúcido y transgresor: gospel, hillbilly, country, diexeland, rock& roll, soul, rhythm & blues y dosificadas gotas de psicodelia y pop, adornan un álbum bellísimo y profundo. Destacar canciones es inoficioso pero vale la pena escuchar hasta el hastío temas como "In The Station", "Chest Fever", "We Can Talk", "Lonesome Suzie", "The Weight" y la grandísima versión para "I Shall Be Released" de su compañero de ruta, Bob Dylan. 1. Tears of Rage 2. To Kingdom Come 3. In a Station 4. Caledonia Mission 5. Weight 6. We Can Talk 7. Long Black Veil 8. Chest Fever 9. Lonesome Suzie 10. This Wheel's on Fire 11. I Shall Be Released ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 128. Jeff Beck – Truth (1968) Jeff Beck tendría su gran oportunidad al remplazar a Eric Clapton en los Yardbirds en 1965, en la cual rápidamente impactó por sus impresionantes pirotecnias en la guitarra, con el uso de efectos no comunes para la época, como la distorsión y el feedback. Luego este se alejaría del grupo presentando un sencillo pop "Hi-Ho Silver Lining" y posteriormente "Tallyman", para después formar The Jeff Beck Group junto al vocalista Rod Stewart, el bajista Ron Wood, el baterista Aynsley Dunbar, que rápidamente fue sustituido por Mickey Waller y el teclista Nicky Hopkins. La banda presentaría en 1968 su disco debut el Lp "Truth", álbum que sumaba un estilo mucho más heavy al blues-rock inglés que seria bien recibido (aunque no tanto como sus posteriores incursiones en la mezcla de rock, el jazz y el Blues que quedan demostradas en lp tales como "Blow By Blow" o Wired". Este soberbio disco de una duración aproximada de más de media hora, contiene un brillante trabajo de Jeff Beck en las seis cuerdas la 119
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ que es complementada por una excelente estructura rítmica a la que se le añade un mas que estupendo trabajo del aun desconocido Rod Stewart. Lo que lo constituye en un Lp muy uniforme de principio a fin, en el que podemos destacar temas, en las cuales se intercalan el virtuosismo de los riff de Beck con la voz de Stewart, temas en los cuales queda reflejado por que Jeff Beck es uno de los mejores y más innovadores guitarristas del largo andar del rock n roll. 1. Shapes Of Things 2. Let Me Love You 3. Morning Dew 4. You Shook Me 5. Ol’ Man River 6. Greensleeves 7. Rock My Plimsoul 8. Beck’s Bolero 9. Blues De Luxe 10. I Ain’t Superstitious ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 129. Caetano Veloso – Caetano Veloso (1968) Caetano Vianna Temes Veloso nació el 7 de agosto de 1942 en Santo Amaro de Purificação, una pequeña ciudad del estado de Bahía, (Brasil). La suya fue una familia amante de la música y numerosa integrada por ocho hijos, dos de ellos adoptados; Caetano aprendió en su casa a tocar el piano y a los nueve años compuso su primera canción, un baião. Cuando llegó el momento de los estudios universitarios, junto a su hermana María Bethania, se trasladó a Salvador de Bahía, donde pasó su juventud y estudió Arte en la Universidad. A fines de 1966 acompañó a su hermana María Bethania, quien había sido invitada a cantar en una obra musical en Río de Janeiro; obtuvo su primer éxito cuando su hermana grabó su primera composición. Rápidamente ganó algunos premios y pudo grabar su primer álbum con Gal Costa: Domingo. En 1968, junto a Gilberto Gil, fue uno de los primeros emprendedores del tropicalismo, movimiento cultural cuyo 120
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ objetivo era la re-evaluación de la música tradicional brasileña. Grabó en 1968 su primer álbum solista llamado Caetano Veloso y su música cruzó las fronteras con su controvertida É proibido proibir. Le fueron otorgados varios premios en distintos festivales de televisión. Un año después, logró con su álbum Tropicalia, que surgiera el movimiento musical conocido como tropicalismo, del que forman parte algunos músicos de Bahía como Gilberto Gil, Gal Costa o María Bethania. 1. Tropicália 2. Clarice 3. No Dia Em Que Eu Vim-me Embora 4. Alegria, Alegria 5. Onde Andarás 6. Anunciação 7. Superbacana 8. Paisagem Util 9. Clara 10. Soy Loco por Tí, América 11. Ave Maria 12. Eles ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 130. Scott Walker – Scott 2 (1968) A partir de mediados de los 60 el mundo del pop comenzó a ser imbuido de nuevas corrientes más experimentales y psicodélicas, algo que no iba con la música de los Walker Brothers, lo que provocó su ruptura en 1967. La personalidad introspectiva de Scott Walker marcaría profundamente su venidera existencia y obra en solitario, iniciada con “Scott” (1967), y continuada con este álbum “Scott” (1968) en donde revelaría un maduro talento como compositor, alejado de su previa imagen de teen idol, y su querencia por los trabajos del cantautor belga Jacques Brel, convirtiéndolo en una figura de culto y uno de los ídolos de muchos músicos, como David Bowie, quien siempre sintió fervor por la figura líder de los Walker Brothers y siguió su carrera como solista con gran admiración. El propio Bowie y Brian Eno estuvieron a punto de colaborar con Walker en el Lp “Heroes”, pero finalmente esta asociación, tan deseada por el camaleón del rock, no se produjo. En los años 90, incluiría el tema de 121
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Scott, “Nite Flights” en su Lp “Black Tie, White Noise”. Gary prosiguió en el mundo de la música como Gary Walker & The Rain y John, quien grabó varios singles en solitario, se casó con la vocalista Kathy Young, alejándose durante un período de la industria del disco. En el año 2000 apareció su primer álbum en solitario, “You” (2000), producido y arreglado por el propio John Walker. En la década de los 70, el trío volvería a juntarse grabando varios Lps de interés y nulo éxito comercial, alcanzando en 1975 la máxima repercusión de este reagrupamiento con el single “No regrets”. 1. Jackie 2. Best Of Both Worlds 3. Black Sheep Boy 4. The Amorous Humphrey Plugg 5. Next 6. The Girls From The Streets 7. Plastic Palace People 8. Wait Until Dark 9. The Girls And The Dogs 10. Windows Of The World 11. The Bridge 12. Come Next Spring ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 131. The Zombies – Odessey & Oracle (1968) Una de las grandes joyas ocultas (en su día) de la historia de la música moderna y uno de los Lps más exquisitamente bellos jamás compuesto. Los líderes compositores Rod Argent y Chris White ofrecen un muestrario psicodélico-pop extraordinario, con temas que pondrán en más de una ocasión el vello de punta a los amantes de las canciones bien construidas, ejecutadas, y arregladas, repletas de juegos de voces, imaginación compositiva, tacto sensible y maestría en las armonías. Además de su famoso "Time of the season", la música de los Zombies traspasada al oyente por la susurrante e incomparable vocalización de Colin Blunstone, la influyente base de teclados de Argent, la viveza de su sección rítmica y la destreza en las seis cuerdas de Paul Atkinson, desarrolla temas de impresionante textura melódica como "A rose for Emily", "Care of cell 44", "Beechwood Park" o "Hang up 122
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ on a dream", que hacen de este disco uno de los imprescindibles en tu discoteca particular. 1. Care of Cell 44 2. Rose for Emily 3. Maybe After He's Gone 4. Beechwood Park 5. Brief Candles 6. Hung up on a Dream 7. Changes 8. I Want Her She Wants Me 9. This Will Be Our Year 10. Butcher's Tale (Western Front 1914) 11. Friends of Mine 12. Time of the Season ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• •••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 132. Van Morrison – Astral Weeks (1968) Todo un viraje a su etapa R&B con los Them en este sensible y calmo disco repleto de jazz, soul, blues y folk irlandés de traza acústica y tonalidad sentimental, evocativa de una figura femenina de considerable atracción emocional. Junto a la construcción musical, lo más destacado de este álbum es la impresionante voz de Van Morrison, quiméricamente apasionada y épica en su exposición sentimental. Las canciones brotan desde un calado jazzístico, cimentadas en la espontaneidad emocional del cantautor irlandés, lo que conlleva grandes momentos dentro de unos temas muy valiosos, en especial grandes piezas como "The way young lovers do", "Ballerina", "Beside you" o "Cyprus avenue". Algunos pasajes, siempre con grandes letras de tintura poética, pueden resultar excesivamente dilatados y autocomplacientes. A pesar de ser considerado en general el mejor disco de Van Morrison en solitario (los que no soporten el jazz lo detestarán, los que por el contrario lo amen, lo idolatrarán) "Moondance" resulta superior. 1. Astral Weeks 2. Beside You 3. Sweet Thing 4. Cyprus Avenue 5. The Way Young Lovers Do 6. Madame George 7. Ballerina 8. Slim Slow Slider ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 123
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 133. The Byrds – Sweetheart of the Rodeo (1968) Las tensiones internas producidas por el camino lírico y sonoro del grupo entre Crosby, Hillman y McGuinn iban asimismo progresando, estos roces provocaron la marcha de David Crosby en plena grabación de su nuevo álbum, "The Notorious Byrds Brothers" (1968) al no querer los restantes miembros incluir la canción "Triad" en el Lp. En ese momento, se produjo la vuelta de Clark, pero tras un breve periodo se volvió a marchar, haciendo lo mismo el batería Michael Clarke. A pesar de tantas idas y venidas (se incorporó en las grabaciones gente como el guitarrista Clarence White y el batería Jim Gordon), el trabajo (con producción de Usher) fue muy bueno y de grata renovación con el añadido de cuerdas y metal empapando su clásico sonido folk-rock y country. Poco después, Chris Hillman presentó a su buen amigo Gram Parsons a McGuinn y el trío junto al batería Kevin Kelly (primo de Hillman) firmaron el sexto trabajo de los Byrds, "Sweetheart Of The Rodeo" (1968), una pieza clave dominada por Parsons dentro del countryrock. Gram Parsons se convirtiría en el padre del country-rock, como así quedó demostrado en sus postreras y antiguas andanzas. La calidad del disco no obstante dividió a los seguidores del grupo, ya que muchos echaban en falta los característicos sonidos primerizos de la guitarra de Roger McGuinn. Gram Parsons dejó el grupo cuando los Byrds (sin su conformidad) firmaron un contrato para actuar en Sudáfrica, un país dirigido por un gobierno racista. 01 - You Ain't Going Nowhere 02 - I Am A Pilgrim 03 - The Christian Life 04 - You Don't Miss Your Water 05 - You're Still On My Mind 06 - Pretty Boy Floyd 07 - Hickory Wind 08 - One Hundred Years From Now 09 - Blue Canadian Rockies 10 - Life In Prison 11 - Nothing Was Delivered 12 You Got A Reputation 13 Lazy Days 14 Pretty Polly 15 The Christian Life (Rehearsal--Take) 16 Life In Prison (Rehearsal--Take) 17 You're Still On My Mind (Rehearsal--Take) 18 One Hundred Years From Now (Rehearsal--Take) 19 All I Have Are Memories (Instrumental) ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 124
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 134. The Beatles – White álbum (1968) En un álbum doble de tanta riqueza, matices y diversidad estilística en el que han participado más de cuarenta músicos, entre ellos Billly Preston, Nicky Hopkins o el mismísimo Eric Clapton (toca la guitarra en "While my guitar gently weeps" es imposible destacar alguna canción ya que cada escucha puede revelar un aspecto o detalle pasado por alto de una pieza no valorada en su justa medida, que nos alcance su verdadera dimensión e impregne nuestras más agudas sensaciones entre sus elaboradas notas, ya que hasta la más nimiedad de los genios de Liverpool es un hecho gigantesco para la mayoría de los grupos. "Revolution 1" (un tema de posturas revolucionarias pero de esencia pacifista presentado aquí en su versión acústica, inferior a la fuerza eléctrica y distorsionada del single), "Helter Skelter" (la canción más potente en la carrera de los Fab Four, obra de McCartney que enloqueció al futuro asesino Charles Mason), "Dear Prudence" (dedicada a Prudence, la hermana de Mia Farrow), "Back in the USSR" (una simpática mezcolanza entre Chuck Berry y Beach Boys), "Sexy Sadie" (una acérbica crítica al Mararishi Yogi), "Martha My Dear" (un tema que Paul dedicó a su perra), "Rocky Raccon" (un tema acústico de sabor country), "Glass Onion" (en el que Lennon repasa con tono jocoso algunos temas de los Fab Four), "Happines is a warm gun" (absorbente pieza de sublimes variaciones), "Julia" (un emotivo, hermoso y obsesivo recuerdo de John a su querida madre) o "Why my guitar gently weeps" (la mejor canción escrita por George Harrison junto a "Something" de "Abbey Road" son algunos importantes elementos de un impresionante viaje al pasado, presente y futuro de la música del siglo XX, efectuada por unos Beatles faltos de cohesión, que ideaban y ejecutaban sus piezas casi en solitario, provocando desde su característica composición una asombrosa heterogeneidad nunca contemplada en un trabajo discográfico. Pop, rock, music-hall, psicodelia, country, blues, reggae, folk, surf e incluso heavy metal se dan cita en un álbum esencial, de una influencia descomunal en todo tipo de vertientes musicales. En la lírica mantiene tonalidades que alternan la melancolía, el júbilo, el desamparo, la acritud, el sarcasmo, la ironía o el cinismo. En este álbum, cada uno de los miembros del grupo empezó a demostrar el rango y profundidad de sus talentos de composición individuales, que seguirían así y serían usados en sus carreras solistas. De acuerdo a la Recording Industry Association of America, RIAA, el Álbum Blanco es el disco mejor vendido de The Beatles, siendo certificado como disco de platino en 19 oportunidades, y el noveno álbum mejor vendido en los Estados Unidos. Esta certificación proviene, sin embargo, de la distorsión que surge al contar dos veces cada unidad vendida de un álbum doble: sin este ajuste, el Álbum Blanco sería el cuarto disco mejor vendido de la carrera de The Beatles. Disc: 1 125
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 1. Back in the U.S.S.R. 2. Dear Prudence 3. Glass Onion 4. Ob-La-Di, Ob-La-Da 5. Wild Honey Pie 6. Continuing Story of Bungalow Bill 7. While My Guitar Gently Weeps 8. Happiness Is a Warm Gun 9. Martha My Dear 10. I'm So Tired 11. Blackbird 12. Piggies 13. Rocky Raccoon 14. Don't Pass Me By 15. Why Don't We Do It in the Road? 16. I Will 17. Julia Disc: 2 1. Birthday 2. Yer Blues 3. Mother Nature's Son 4. Everybody's Got Something To Hide Except Me And My Monkey 5. Sexy Sadie 6. Helter Skelter 7. Long, Long, Long 8. Revolution 1 9. Honey Pie 10. Savoy Truffle 11. Cry Baby Cry 12. Revolution 9 13. Good Night ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 135. Mothers of Invention – We’re Only in it for the Money (1968) El genio inquieto y sardónico de Frank Zappa diatribando con ironía contra el movimiento hippie y la ebullición y efervescencia de su contexto cultural, ejemplicada en el flower-power (primordialmente contra el falso hippismo). Su sátira establecida desde un fascinante y divertido trabajo poprock experimental se aposenta sónicamente en recovecos doo wop, pasajes de avant-gardé, pop de buena construcción melódica, elementos jazzisticos e incluso ritmos de vals. También en su temática desarrolla momentos para el optimismo libertario y el énfasis en su autodefinición como personalidad independiente, nihilista y contestaria. Algunas sonoridades utilizados en piezas de vana categoría y presuntoso vanguardismo como "Nasal retentive calliope music" o la inaguantable "The chrome plated megaphone of destiny", no pueden oscurecer el resultado conjunto de un magistral disco, original, ecléctico, hilarante y sorprendente, de vocalidad retorcida y bufona 126
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ que contiene joyas (todas ellas de exigua duración) del repertorio zappiano como "Who needs the peace corps", "Concentration Moon", "What's the uglies part of your body?", "Absolutely Free", "Idiot bastard son", "Flower punk", "Mother people", "Let's make the water turn black", "Lonely little girl" o "Take your clothers off when you're dance". 1. Are You Hung Up? 2. Who Needs the Peace Corps? 3. Concentration Moon 4. Mom & Dad 5. Telephone Conversation 6. Bow Tie Daddy 7. Harry, You're a Beast 8. What's the Ugliest Part of Your Body? 9. Absolutely Free 10. Flower Punk 11. Hot Poop 12. Nasal Retentive Calliope Music 13. Let's Make the Water Turn Black 14. Idiot Bastard Son 15. Lonely Little Girl 16. Take Your Clothes Off When You Dance 17. What's the Ugliest Part of Your Body? (Reprise) 18. Mother People 19. Chrome Plated Megaphone of Destiny ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 136. Neil Young – Everybody Knows This is Nowhere (1968) Obra maestra absoluta del gran Neil Young. En este segundo LP en solitario colaboró por primera vez con los ex Rockets, rebautizados como Crazy Horse, una banda que consiguió aportar a la música de Neil energía y una inusitada crudeza, característica en sus discos más rockeros. Lo increíble de este trabajo es la elevada comunión entre fuerza y sensibilidad que alcanza el maestro en temas de tembloroso rock con ocasionales retazos country. Las canciones suelen ser de larga duración con tendencia a la improvisación, pero se hacen cortas gracias a la soberbia conjunción y diálogo entre los diferentes instrumentos, que agrietados van tejiendo unos brillantes ejercicios de absorbente atmósfera. Desde una tonalidad agridulce y melancólica, Neil va exponiendo sus emociones amorosas en piezas clásicas como "Cinnamon Girl", un estupendo rock de incisivo riff, "Everybody Knows this is Nowhere", triste y bella melodía de sabor country, "Round & Round", gran tema 127
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ de especial sensibilidad cantado junto a Robin Lane (futura miembro líder de los Chartbusters), "Down by the River", hipnótica conjunción instrumental de Neil y los Crazy Horse contando una excelente historia rebosante de amor y muerte, "The Losing End", country-rock de primer orden sobre un vívido cántico desesperado por el amor perdido, "Running Dry", lívida atmósfera para esta obra maestra acentuada por un plañidero violín tocado por Bobby Notkoff, y la sensacional "Cowgirl in the sand", una de las canciones que mejor singulariza el poderío sónico de Neil con los Crazy Horse. 137. Captain Beefheart & His Magic Band – Trout Mask Replica (1969) 1. Cinnamon Girl 2. Everybody Knows This Is Nowhere 3. Round and Round (It Won't Be Long) 4. Down by the River 5. Losing End, The (When You're On) 6. Running Dry (Requiem For the Rockets) 7. Cowgirl in the Sand ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• El álbum que, para muchos, es la obra maestra de Van Vliet, Trout Mask Replica fue editado en noviembre de 1969 en Straight Records, sello recién creado por Frank Zappa. Para este disco, la Magic Band incluyó a Bill Harkleroad como guitarrista y a Mark Boston como bajista. Van Vliet comenzó a asignar apodos a los miembros de la banda, así Harkleroad es conocido como "Zoot Horn Rollo" y Boston como "Rockette Morton", mientras John French pasó a ser "Drumbo" y Jeff Cotton "Antennae Jimmy Semens". El grupo estuvo trabajando durante ocho meses las composiciones de Van Vliet, viviendo en comuna en unas condiciones que el batería John French describió como "Obsesivo" ("cult-like" . De acuerdo con Van Vliet, las 28 canciones del disco fueron escritas en tres semanas, pero llevó ocho meses para la banda el moldear las canciones y darles la forma definitiva. Como habitual mientras estuvo en la banda, John French jugó un papel fundamental a la hora de ayudar a Van Vliet a 128
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ transmitir al resto del grupo cómo que ría que sonasen las canciones. Las 28 canciones de Trout Mask Replica beben del blues, Bo Diddley, free-jazz y de viejas canciones de marineros, pero la forma de interpretarlas funde la música en un todo iconoclasta de extraños tempi, guitarras slide atonales, ritmos de batería truncados y toques de saxofón y clarinete bajo. El rango vocal de Van Vliet (de cuatro octavas y media) le permitió interpretar blues de voz cavernosa, falsetes histéricos, o divagaciones lacónicas. Las letras a menudo son impenetrables y sinsentido, pero un análisis más profundo revela una complejo y poético uso de los juegos de palabras, las metáforas y toda clase de referencias (a Steve Reich, a la historia musical, a la política estadounidense e internacional, al Holocausto Judío, al amor y a la sexualidad, a la música Gospel, al conformismo...)El crítico musical Steve Huey escribió que la influencia del álbum fue muy relevante, más que como inspiración directa, en el sentido en que enseñó a generaciones posteriores, particularmente en la época del punk y la new wave, qué era posible llegar a hacer dentro de un contexto rock, allanando así el camino para futuros experimentos musicales. Trout Mask Replica fue situado en el número 25 de una lista de "los 200 mejores discos del siglo XX" por la revista catalana Rockdelux y en el puesto número 58 de la lista de "los 500 mejores álbumes de todos los tiempos" por la revista Rolling Stone. El legado de Van Vliet es de un pobre saldo comercial, a pesar de que cuenta con devotos seguidores. Sin embargo, su influencia en la posterior música punk y new wave y otros géneros ha sido descrita como "incalculable" 01. Frownland 02. The Dust Blows Forward' N The Dust Blows Back 03. Dachau Blues 04. Ella Guru 05. Hair Pie: Bake 1 06. Moonlight On Vermont 07. Pachuco Cadaver 08. Bill's Corpse 09. Sweet Sweet Bulbs 10. Neon Meate Dream Of A Octafish 11. China Pig 12. My Human Gets Me Blues 13. Dali's Car 14. Hair Pie: Bake 2 15. Pena 16. Well 17. When Big Joan Sets Up 18. Fallin' Ditch 19. Sugar' N Spikes 20. Ant Man Bee 21. Orange Claw Hammer 22. Wild Life 23. She's Too Much For My Mirror 24. Hobo Chang Ba 25. The Blimp (Mousetrapreplica) 26. Steal Softly Thru Snow 27. Old Fart At Play 28. Veteran's Day Poppy ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 129
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 138. Creedence Clearwater Revival – Bayou Country (1969) temas como "Born on the Bayou", "Bootleg" o "Keep on Chooglin'". El álbum alcanzaría el puesto 7 en las listas de Billboard, convirtiéndose en el primero de una larga lista de éxitos en los siguientes tres años. El single "Proud Mary", respaldado por "Born on the Bayou", alcanzó el puesto #2 en las listas de Billboard. El tema se convirtió en una de las canciones más versionadas del grupo, con más de 100 grabaciones entre las que se incluía el éxito de 1971 de Ike y Tina Turner. 01. Born On The Bayou 02. Bootleg 03. Graveyard Train 04. Good Goly Miss Molly 05. Penthouse Pauper 06. Proud Mary 07. Keep On Chooglin Al margen de los movimientos musicales que se producían a su alrededor, la Creedence Clearwater Revival profundizaba en las clásicas raíces rock del pueblo americano, en los recios sonidos pantanosos de su entorno que tan bien reflejaban las composiciones de su líder John Fogerty. Pero esto no significaba que esta mirada rockera perdiera esencias blues, country e incluso pop, logrando una atractiva mezcolanza musical que tan característico hacía el sonido de la Creedence. La banda estaba formada por el cantante y guitarrista John Fogerty , su hermano mayor Tom Fogerty que se ocupaba de la guitarra rítmica, el bajista Stu Cook y el batería Doug Clifford. "Bayou Country" (1969) contiene su primer gran éxito, el single "Proud Mary" que entraría en los primeros lugares de las listas estadounidenses y británicas convirtiéndose en una de las canciones más importantes del año. Para Bob Dylan, "Proud Mary" era la mejor canción del 69. Los sonidos sureños empaparían el álbum con ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 130
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 139. Stills Crosby & Nash – Crosby, Stills & Nash (1969) El terceto Crosby, Stills & Nash estaba compuesto por el británico Graham Nash (nacido el 2 de febrero de 1942 en Blackpool), quien abandonó a los Hollies para unirse a los estadounidenses David Crosby (nacido el 14 de agosto de 1941 en Los Angeles), ex componente de los Byrds y Stephen Stills (nacido el 3 de enero de 1945 en Dallas), antiguo miembro de Buffalo Springfield. Esta reunión artística, producida en el año 1968, supuso uno de los proyectos musicales de mayor significación popular y crítica en los últimos años de la década de los 60 y comienzos de los 70. En 1969 publicaron su primer LpP "Crosby, Stills & Nash" (1969), un gran disco de sonoridad acústica que les llevó a lo más alto, cosechando un gran éxito comercial, corroborado en pletóricas actuaciones en directo repletas de miles de admiradores. Algunos temas del álbum han pasado a la antología de clásicos de la época, como "Suite: Judy Blue Eyes", una pieza dedicada por Stills a Judy Collins, "Marrakesh Express", single que Nash había escrito en la época de los Hollies o "Wooden Ships", un sensacional tema antibelicista. En el disco colaboraron multitud de importantes músicos establecidos en la California de los 60, como Chris Hillman, Jerry Garcia, Art Garfunkel, Carole King, Joni Mitchell, John Sebastian o Neil Young (nacido el 12 de noviembre de 1945 en Toronto), ex miembro de Buffalo Springfield que ya había iniciado una carrera en solitario. Young se uniría al trío en 1969, poco antes de aparecer en el famoso Festival de Woodstock. 1. Suite: Judy Blue Eyes 2. Marrakesh Express 3. Guinnevere 4. You Don’t Have to Cry 5. Pre-Road Downs 6. Wooden Ships 7. Lady of the Island 8. Helplessly Hoping 9. Long Time Gone 10. 49 Bye-Byes ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 131
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 140. Blood, Sweat & Tears - Blood, Sweat & Tears (2nd álbum) (1969) Una banda neoyorquina que causó sensación a finales de los 60 por su adecuada mixtura entre rock, jazz y música clásica. Esta fusión deparaba un admirable sonido en el cual cabían trazos de soul, psicodelia y blues, dentro de unas composiciones brillantes, que con el tiempo permanecerían presas de esta naturaleza, convirtiendose en un ejercicio aletargado de onanismo instrumental que terminó por hacer sucumbir el proyecto. Este proyecto venía derivado de la mente de un hombre, el cantante y teclista Al Kooper, ex componente de The Blues Project, grupo en el cual también se encontraba el guitarrista Steve Katz. Para la grabación de su segundo disco, "Blood, Sweat & Tears" (1969), un álbum producido por James William Guercio, quien había trabajado previamente con The Buckinghams y Chad & Jeremy, se incorporaron, además de Clayton-Thomas, los trompetistas Lew Soloff y Chuck Winfield y el trombonista Jerry Hyman, ya que el anterior trombonista, Dick Halligan, ocupó el puesto vacante de Kooper en los teclados. El segundo Lp fue otro gran disco, en el cual, además de presentar sus temas propios, versionaban a gente tan dispar como el compositor clásico Erik Satie, la cantautora Laura Nyro o el grupo psicodélico británico Traffic. Con este álbum consiguieron un enorme triunfo comercial, tanto en las listas de sencillos (con "Spinning Wheel", "You Made Me So Very Happy", and "And When I Die" como en las de Lps, llegando al número 1, consiguiendo el Premio Grammy al mejor disco del año 1969 y a la mejor canción del año por "Spinning Wheel". 01. Variation on a theme by Erik Satie 02. Smilig phases 03. Sometimes in winter 04. More and more 05. And when I die 06. God bless the child 07. Spinning wheel 08. You've made me so very happy 09. Blue part II 10. Variation on a theme by Erik Satie ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 132
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 141. Flying Burrito Brothers – Gilded Palace of Sin (1969) Gram Parsons exhibiendo su gran talento para desplegar narraciones agridulces en formato country-rock con retazos folk, blues e incluso gospel, trayectos plagados de meandros emocionales y anotaciones de carácter social. Los temas están escritos casi en su mayoría junto a su ex compañero de los Byrds, el bajista Chris Hillman, ocupado aquí en la guitarra rítmica y en la mandolina y dejando las cuatro cuerdas para Chris Ethridge, antiguo miembro de la International Submarine Band, primera formación de Parsons, con el que compone dos de sus canciones más celebradas, "Hot Burrito #1" y "Hot Burrito #2". En el recorrido lírico de Hillman/Parsons nos topamos con infames personajes femeninos (la magnífica "Christine's tune", otras salvadoras ("Juanita", ciudades corruptas y vendidas al capitalismo ("Sin city" , evocaciones antibélicas ("My uncle", huidas libertarias en motocicletas ("Wheels", e irónicas miradas a los movimientos culturales de la época ("Hippie Boy" . Junto a Etheridge, Parsons escribe las referidas y magníficas "Hot Burrito #1" y "Hot Burrito #2" y con el bluesman Barry Goldberg la triste "Do you know how it feels", pesarosa descripción sobre la soledad. Dos versiones sobre canciones de Dan Penn ("Do right woman", junto a Chips Moman, y "Dark end of the street", co-escrita con Spooner Oldham) compactan el tono afligido y sensible que suele acompañar toda la obra de Gram Parsons. 1.: Christine's Tune 2.: Sin City 3.: Do Right Woman Do Right Man 4.: Dark End Of The Street 5.: My Uncle 6.: Wheels 7.: Juanita 8.: Hot Burrito No 1 9.: Hot Burrito No 2 10.: Do You Know How It Feels 11.: Hippie Boy 12.: Lazy Days 13.: Image Of Me 14.: High Fashion Queen 15.: If You Gotta Go Go Now 16.: Man In The Fog 17.: Farther Along 18.: Older Guys 19.: Cody Cody 20.: God's Own Singer 21.: Down In The Churchyard 22.: Wild Horses ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 133
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 142. Johnny Cash – At San Quentin (1969) At San Quentin es un álbum del cantante country Johnny Cash, es de un concierto en vivo para los prisioneros en la prisión estatal San Quentin también fue televisado por Granada Televisión. En el disco original muchas canciones fueron sacadas o cortadas por razones de espacio aun así en la reedición de este álbum en el 2000 no contiene todo el concierto pero le agregaron canciones y mantuvo su éxito comercial olvidaron poner canciones como "Jackson" y "Orange Blossom Special" las cuales fueron interpretadas por Cash ese día, las pusieron después al sacar un DVD con la presentación entera. En el 2006 el sello disquero Legacy lanzo una version de lujo titulada: "At San Quentin - Legacy Edition" esta edición incluye un total de 3 CDs de los cuales 2 de ellos contienen 31 canciones (13 de ellas no habían salido antes) y un DVD llamado: "Johnny Cash In San Quentin" que es un documental filmado en 1969 hecho por Granada Television para la televisión Britanica, en este documental se entrevisto a guardias, prisioneros y gente cercana a Cash quienes estuvieron con el día del evento. Este álbum en descarga es la edición completa lanzada en el año 2000. 1. Big River 2. I Still Miss Someone 3. Wreck of the Old '97 4. I Walk the Line 5. Darlin' Companion 6. I Don't Know Where I'm Bound 7. Starkville City Jail 8. San Quentin 9. San Quentin Continued 10. Wanted Man 11. Boy Named Sue 12. Peace in the Valley 13. Folsom Prison Blues 14. Ring of Fire 15. He Turned the Water into Wine 16. Daddy Sang Bass 17. Old Account Was Settled Long Ago 18. Closing Medley ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 134
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 143. Creedence Clearwater Revival – Green River (1969) Por otra parte, el énfasis de la banda por crear nuevas versiones de sus temas favoritos continuó con "The Night Time Is the Right Time". 01. Green River 02. Commotion 03. Tombstone Shadow 04. Wrote A Song For Everyone 05. Bad Moon Rising 06. Lodi 07. Cross-Tie Walker 08. Sinister Purpose 09. Night Time Is The Right Time ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 0144. The Beatles – Abbey Road (1969) Tercer disco de la cuasi infalible Creedence Clearwater Revival. Ocho grandes temas propios a ritmo de magistral rock pantanoso de afinidad blues y country. Gradación nostálgica con "Green river", tema de inconfundible riff fogertyano; misteriosa en "Tombstone shadow", apocalíptica en "Bad Moon Rising" y amorosamente amenazadora en la espectacular "Sinister Purpose", canciones halladas en un Lp sin altibajos que presenta una de las grandes joyas del repertorio del grupo, "Lodi", una pieza de aroma country que diatriba sobre el hado y el destino de carácter fatalista. La habilidad compositiva de John Fogerty, su acritud en la forma de cantar y su poco valorada ejecución guitarrera en uno de sus puntos más álgidos. Rápidamente certificado como disco de oro junto al single "Green River", que también llegó al puesto #2. La cara B de "Green River", "Commotion", alcanzó el puesto #30. El tema "Lodi" se convertiría también en un éxito en las emergentes estaciones de radio de FM. 135
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Vio la luz con anterioridad a "Let it be", pero en realidad, el extraordinario "Abbey Road" fue la última grabación de la inmortal banda de Liverpool, concluyendo de manera magistral la trayectoria del mejor grupo de la historia. El enfoque musical para el álbum de los componentes era muy distinto, John, continuando las pautas de los cortes grabados para "Let it be", deseaba un álbum cuyo basamento fuese la vuelta a las raíces más básicas del rock'n'roll y el blues, mientras que Paul ansiaba la grabación de un disco más complejo, que rememorara los logros del "Sgt. Peppers". Por su parte, George, cansado de permanecer a la sombra de los dos grandes genios, y después de ya haber grabado los discos experimentales "Wonderwall Music" y "Electronic Sound", deseaba volar en solitario, no sin antes dejar su brillante impronta compositiva en este Lp. Esa constancia en las pautas básicas del rock llevaron a Lennon a componer temas como "Come together", una canción dominada por una base de blues que John compuso para la campaña del político Timothy Leary, aspirante a Gobernador del estado de California. El tema fue acusado de plagio por Maurice Levy, propietario de Big Seven Music, que inculpaba a Lennon del empleo de varias frases aparecidas en el tema de Chuck Berry "You can catch me", canción que finalmente y en beneficio económico de Berry y Levy, fue incluido en el posterior Lp "Rock'n'roll" del Beatle en solitario. El cimiento bluesy vuelve a asomar en "I want you (She's so heavy)", tema dedicado a Yoko Ono que cuenta con una insistente letra y una hipnótica parte final de abrupta conclusión. Otro corte destacado compuesto por John es "Because", una mágica y bella composición en la cual se aprecia la maestría del grupo en la utilización de las armonías vocales. George sorprende con dos de sus mejores composiciones. La preciosa balada "Something", canción dedicada a su esposa Pattie Boyd que se ha convertido en uno de los mejores temas de amor de todos los tiempos. Pattie se casaría con posterioridad con uno de sus mejores amigos, Eric Clapton. Curiosamente sería en el jardín de Clapton en lugar en el cual Harrison escribió "Here comes the sun", hermosa pieza acariciada por la delicada y soleada vocalidad de su autor. Igualmente cabe destacar la utilización en algunos temas ("Maxwell's Silver Hammer", "I want you", "Here comes the sun" o "Because" del sintetizador Moog por parte de George, un elemento que por aquellos tiempos raramente se utilizaba en la música pop (uno de los primeros en utilizarlo fue Keith Emerson), lo que demuestra una vez más su indiscutible capacidad de innovar y adelantarse a su tiempo. Ringo, por su parte, nos deleita con una simpática tonada de corte infantil, "Octopus's Garden", canción en la cual recordaba las historias de pulpos que le contó un capitán de barco en unas vacaciones pasadas en la Isla de Cerdeña. Paul, el mayor artífice del grueso del álbum, también retoma las patrones de "Let it be" en "Oh! Darling", gran canción blues de desgarrada vocalidad. Su pasión por el vodevil, heredada de su padre, se plasma en "Maxwell's Silver Hammer", un tema en el que incluso utilizan el sonido de un yunque, golpeado por Ringo. "You never give me your money" da inicio al glorioso medley final, obra básicamente de Macca, quien intentó realizar una especia de mini-ópera pop, en donde se encuentran eclécticos ritmos y sonoridades. La propia "You never give me your money" está fragmentada en cuatro partes: "You never give me you money", "That magic feeling", "One sweet dream" y el final con "1,2,3,4,5,6,7...all good children go to heaven". Posteriormente vendrán las lennonianas "Sun King", onírica pieza con John chapurreando varios idiomas, entre ellos, el español; "Mean Mr. Mustard", canción en la cual Paul utiliza el fuzz bass y la rítmica "Polythene Pam", tema dedicado a una fan de Liverpool llamada Pat Hodgett, que tenía como singular afición comer pedacitos de polietileno. Paul continúa el medley con "She came in through the bathroom 136
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ window", canción escrita en homenaje a las "Apple Scruffs", admiradoras del grupo que los acosaban insistentemente en la puerta del estudio o pululando cerca de sus hogares. La historia fabula sobre un hecho real acaecido cuando un grupo de fans entraron en casa de Paul por la ventana de su cuarto de baño. "Golden Slumbers" es una preciosa balada que McCartney adaptó con su extraordinario sentido de la melodía, tras hallar en casa de su padre la canción tradicional del mismo título. Esta pieza enlaza con "Carry that weight" y de nuevo un fragmento de "You never give me your money", preludio de "The End", canción que contiene el único solo de batería de Ringo en toda su trayectoria con los Beatles y que era la indicada para poner punto y final a su carrera sino fuera por la inclusión de "Her majesty", exigua coda acústica escrita por Paul que, en principio, iba a unir "Mean Mr. Mustard" y "Polythene Pam", y tras ser desechada por el propio McCartney fue incluida al final de la cinta por Geoff Emerick. Cuando sonó de manera sorprendente tras "The End", los Beatles decidieron dejarla en el álbum, uno de los grandes logros en la historia de la música moderna. El 4 octubre 1969 entró directamente en el nº 1 y permaneció en él 11 semanas. El 27 diciembre 1969 volvió al nº 1 durante 6 semanas. Permanencia total : 81 semanas. También fue nº 1 en las listas del "New Musical Express" y "Melody Maker".En Reino Unido los pedidos por adelantado llegaron a 190.000 copias llevándolo directo al nº 1. A nivel mundial se vendieron 4.000.000 a las seis semanas y 5.000.000 a final del año. A los diez años (1980), se alcanzó la cifra de 10.000.000 En Estados Unidos alcanzó el nº 1 en las listas de "Billboard", "Cashbox" y "Record World". 6. I Want You (She's So Heavy) 7. Here Comes the Sun 8. Because 9. You Never Give Me Your Money 10. Sun King 11. Mean Mr. Mustard 12. Polythene Pam 13. She Came in Through the Bathroom Window 14. Golden Slumbers 15. Carry That Weight 16. End 17. Her Majesty ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 145. The Who – Tommy (1969) 1. Come Together 2. Something 3. Maxwell's Silver Hammer 4. Oh! Darling 5. Octopus's Garden 137
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Tommy es un colosal doble álbum producido por Kit Lambert en el que Pete Townshend maquina una fábula sobre el personaje que da título al disco, un muchacho nacido sordomudo y ciego, experto en jugar a las máquinas pinball, que terminará convirtiéndose en un redentor de masas. La querencia por las obras conceptuales de Townshend ya se había percibido en trabajos anteriores como el excelente "Sell out" y la mini ópera-rock encontrada en "A quick one" y titulada "A quick one, while he's away". Lo impresionante de este disco, épico, intenso, apasionado y opulento en estructuras, desarrollos, texturas y tonos, es que no cuenta con bajones notables en su recorrido ya que el progreso narrativo de la historia no se ve amenazado por digresiones autocomplacientes, las viñetas enlazadas resultan significativas y siempre aportan datos o imágenes que configuran la personalidad y el contexto del individuo protagonista. A su vez tampoco ninguna composición pierde la calidad acostumbrada en los Who de la época, sean las canciones escritas por Townshend, mayoritariamente el autor del disco, ni del magnánimo bajista John Entwistle, responsable también de los grandiosos arreglos de viento que suenan a lo largo de todo el doble álbum, valorándose positivamente también la pequeña aportación en la escritura de Keith Moon en una simpática pieza. Ya no hay grupos como éste. Los puntos álgidos de esta obra maestra de sonoridad acústica pero ardorosa en consonancia con el natural ímpetu y fortaleza de los acordes y riffs guitarreros del gran Pete Townshend, y la inmensa potencia y personalidad de la sección rítmica de la banda, con un siempre exuberante Keith Moon en la batería y un vigoroso trabajo en las cuatro cuerdas de John Entwistle, quien también sabe aportar líneas melódicas de primer nivel y nutrir las fenomenales armonías vocales con el resto de sus compañeros, entre ellos el vigoroso Roger Daltrey, son "Amazing journey", "Christmas", "Cousin Kevin", "Underture", "The acid queen", "Go to the mirror" o las tres mejores canciones del álbum: "Pinball wizard", "I'm free" y “We’re not gonna take it”, la joya que cierra de manera inmejorable la trayectoria mesiánica de Tommy y este trabajo inmortal e imprescindible que hay que disfrutar de cabo a rabo. ¡Qué final! Buff. Ese "see me, feel me, touch me, heal me" interpretado por un Daltrey lastimero siempre será algo imperecedero. Magnífico. 01 - Overture 02 - It's a boy 03 - 1921 04 - Amazing journey 05 - Sparks 06 - Eyesight to the blind (the hawker) 07 - Christmas 08 - Cousin Kevin 09 - The acid queen 10 - Underture 11 - Do You Think It's Alright 12 - Fiddle about 13 - Pinball wizard 14 - There's a doctor 15 - Go to the mirror 16 - Tommy, can you hear me 17 - Smash the mirror 18 - Sensation 19 - Miracle Cure 20 - Sally Simpson 21 - I'm Free 22 - Welcome 23 - Tommy's Holiday Camp 24 - We're Not Gonna Take It ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 138
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 2. In A Silent Way 146. Miles Davis – In a Silent Way (1969) ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 147. Bee Gees – Odessa (1969) En 1968 Miles Davis comienza a grabar canciones para este disco, junto a los músicos Wayne Shorter, Chick Corea, Dave Holland, y Tony Williams. La primer grabación se hizo en el Columbia 30th Street Studio, en Nueva York, en septiembre de ese año. La grabación terminó en febrero de 1969, en Columbia Studio B, Nueva York, con los músicos originales, a quienes se sumaron Herbie Hancock, Joe Zawinul, Jack DeJohnette, y Joe Chambers. "In a Silent Way" presenta una fusión entre música jazz y rock. Miles Davis intentaba atraer a nuevo público, ya que, debido a la indiferencia del mismo, muchos clubes de jazz estaban cerrando. Tony Williams, baterista del grupo, dio a Davis música rock para escuchar. El resultado fue la asimilación de ritmos y tonos de este nuevo género. Pero la música conserva características del jazz. 1. Shhh/Peaceful Hay dos tipos de personajes en esta ecléctica fauna de compradores de discos verdaderamente insoportables. Unos, los necios cerrados, que no salen de un estilo musical ni a tiros, perdiéndose así uno de los mayores placeres de la melomanía cual es el disfrute de multitud de universos sonoros a cada cual más diverso pero igualmente disfrutables. Los Bee Gees son sin duda, una de las bandas más maltratadas por los presuntos comentaristas musicales e ignorante público en general, que, paradójicamente encumbran a otros con mucho menor talento. La culpa de ello: su tremendo éxito en la fiebre discotequera que los 139
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ encaramó a la más alta popularidad en los años 70. Este éxito bajo las bolas de espejos solapan sus mejores trabajos (sin su famoso falsete) que se encuentran en la psicodélica época anterior. "Odessa" es una de sus grandes obras, comparables a los mejores momentos de los Beatles y de un planteamiento de pop experimental muy similar al "Sgt. Peppers", el "Pet Sounds" de los Beach Boys u otra joya también oculta, "Odessey & Oracle" de los fabulosos Zombies. Aunque en ciertos momentos (pocos) les supera la pretenciosidad, cualquiera con un poco de sensibilidad melódica tendría que arrodillarse ante temazos de tintura melancólica y enorme talento compositivo como "Black Diamond", "Lamplight", "Melody Fair", "Suddenly", "Sound of love", "I Laugh in Your Face" o la instrumental "Seven Seas Symphony", envueltos en violines (de David Katz), pianos, oboes, trompetas y selectas armonías vocales, incluso se atreven con sabores country al más puro estilo Gram Parsons en "Give Your Best" o "Marley Purt Drive". Esencial. 1. Odessa (City on the Black Sea) 2. You'll Never See My Face Again 3. Black Diamond 4. Marley Purt Drive 5. Edison 6. Melody Fair 7. Suddenly 8. Whisper Whisper 9. Lamplight 10. Sound of Love 11. Give Your Best 12. Seven Seas Symphony 13. With All Nations (International Anthem) 14. I Laugh in Your Face 15. Never Say Never Again 16. First of May 17. The British Opera ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 148. Pentangle – Basket of Light (1969) Pentangle ha sido uno de los grupos más exquisitos que ha dado la música británica. Desde un punto de vista, digamos comercial, ha sido clasificada como una banda de folk o de folk-rock, pero en realidad su música es tan ecléctica como para reunir también elementos de jazz, blues, música medieval y barroca, e incluso aires orientales en algunos temas. Su formación original (1967) contaba con el liderazgo de dos excelentes guitarristas, John Renbourn y Bert Jansch, a los que acompañaba una sección rítmica impecable a cargo de Terry Cox en la percusión y Danny Thompson al bajo. Al frente de todos, la portentosa voz de la feucha, modosita y encantadora Jacqui McShee. Basket of Light, su tercer disco es simplemente grandioso, con el que alcanzaron la máxima popularidad. 140
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 1. Light Flight 2. Once I Had A Sweetheart 3. Springtime Promises 4. Lyke-Wake Dirge 5. Train Song 6. Hunting Song 7. Sally Go Round The Roses 8. The Cuckoo 9. House Carpenter 10. Sally Go Round The Roses 11. Sally Go Round The Roses 12. Cold Mountain 13. I Saw An Angel ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 149. Rolling Stones – Let it Bleed (1969) El último trabajo de los Stones en los años 60, con un título que parodiaba el "Let it be" de los Beatles, fue este soberbio tratado de rock cromatizado en alguno de sus mejores pasajes por pinceladas de country y blues, tanto en su aspecto acústico como eléctrico. Es un grandioso LP que supuso la última colaboración de Brian Jones con el grupo y el debut del guitarrista Mick Taylor, quien sólo participa en dos cortes del álbum pero deja la impronta de su habilidad en las seis cuerdas. En un álbum tan redondo como éste resulta muy difícil destacar alguna canción por encima de otra, pero momentos indelebles como el clásico "Gimme Shelter", pieza que cuenta con un extraordinario apoyo vocal de Mary Clayton, la adaptación del tema de Robert Johnson "Love in vain", el rock punzante y enérgico de "Live with me", el R&B de "Midnight Rambler" o la memorable balada "You can't always get what you want", con unos hechizantes coros arreglados por Nitszche, demuestran sobradamente la magnificencia de "Let it Bleed". La curiosa portada está diseñada por Robert Brownjohn. 1.Gimme Shelter 2.Love in Vain 3.Country Honk 4.Live With Me 5.Let It Bleed 6.Midnight Rambler 7.You Got the Silver 8.Monkey Man 9.You Can't Always Get What You Want ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 141
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 150. Nick Drake – Five Leaves Left (1969) también tocaba el clarinete y el saxofón. Hay que destacar que el reconocimiento le llegó después de haber muerto. Por ejemplo, en el año 2000 Volkswagen usó una de sus canciones en una publicidad televisiva y en un mes se vendieron más álbumes suyos que en los treinta años anteriores. Un disco hermoso y revelador. 1. Time Has Told Me 2. River Man 3. Three Hours 4. Way to Blue 5. Day Is Done 6. Cello Song 7. Thoughts of Mary Jane 8. Man in a Shed 9. Fruit Tree 10. Saturday Sun 151. Dusty Springfield – Dusty in Memphis (1969) Five Leaves Left, grabado en 1969, fue el primer álbum de Nick Drake, un músico folk inglés. Para este disco, integrantes del grupo británico de Folk Rock Fairport Convention asistieron con las grabaciones del bajo y guitarra eléctrica. Se dice que el título de este disco proviene de un paquete de cigarrillos Rizla, en el cual había un mensaje advirtiendo que sobraban solamente cinco hojas en el paquete. Algunos dicen que esta idea fue dirigida a gente que fumaba cánnabis, ya que se requería cinco hojas para liar a mano en forma de cigarillo. Nick Drake tenía sólo 21 años al ser publicado Five Leaves Left y antes de morir de una sobredosis de antidepresivos a los 26 años grabó otros dos Lps: Bryter Layter y Pink Moon. Sin embargo, ninguno de sus discos vendió una cantidad significativa de copias, en parte debido a que Drake se rehusaba a realizar presentaciones en vivo y a ser entrevistado. En sus letras se ven reflejados sus problemas de insomnio y depresión. En este disco, Drake toca la guitarra y el piano, además de cantar , aunque 142
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ Dusty Springfield es una de las grandes voces de pop-soul surgidas en la Gran Bretaña de los años 60, de gran calado sensitivo y efecto melodramático, su excepcional voz sobrepasa una glamourosa estampa del Swinging London para expandir sus ejecuciones pop con piezas blues, jazz y especialmente soul, convirtiéndose en la mejor vocalista blanca del estilo en toda su historia. Amante de la música afroamericana, Dusty presentó en 1965 el programa “The sound of Motown”, emisión televisiva que le sirvió para popularizar en su país su música favorita, el soul derivado de la legendaria factoria musical de Berry Gordy Jr. A partir de 1967, con la irrupción de nuevos caminos sonoros, como la psicodelia y el rock progresivo, la música de Dusty perdió interés en el Reino Unido, hecho que aprovechó la rubia vocalista para cambiar de rumbo. Fichó por Atlantic y grabó con la ayuda de Tom Dowd, Jerry Wexler y Arif Mardin su obra cumbre, “Dusty in Memphis” (1969), álbum en el cual aparecía el conocido tema “Son of a preacher man” (número 10 en el Billboard), una canción escrita por John Hurley y Ronnie Wilkins que al año siguiente fue versionada por Aretha Franklin. 1. Just a Little Lovin' 2. So Much Love 3. Son of a Preacher Man 4. I Don't Want to Hear It Anymore 5. Don't Forget About Me 6. Breakfast in Bed 7. Just One Smile 8. Windmills of Your Mind 9. In the Land of Make Believe 10. No Easy Way Down 11. I Can't Make It Alone ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 152. Elvis Presley – From Elvis in Memphis (1969) En la etapa entre 1961 y 1968, Elvis había conseguido triunfar tanto en el cine como la música. Con el tiempo, sin embargo, la popularidad de Elvis empezó a decaer. Al mismo tiempo, la invasión de la música británica en 1963, que se vio empujada al éxito en los años 50 precisamente gracias al éxito del norteamericano, empezó a dañar la carrera de Elvis, lo mismo que ocurrió con el éxito que alcanzaron otros artistas estadounidenses. Grupos como The Beatles, The Rolling Stones y The Doors, y cantautores como Bob Dylan entraron a formar parte del mundo de la música, y se convirtieron en una nueva alternativa para los fans más jóvenes. En 1968, las cosas cambiaron cuando Elvis protagonizó un espectacular regreso. 143
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ La increíble reacción del público y las excelentes críticas que recibió aquel especial animaron a Elvis a intentar recuperar la posición de líder en el mundo de la música. Para empezar, cambió su estilo de grabación por primera vez en casi una década. Dejó a un lado los estudios de Nashville que fueron su hogar entre 1960 y 1968, y un mes después de la emisión de aquel famoso especial televisivo de 1968 empezó a grabar en Memphis, contando además con un nuevo grupo de músicos. De nuevo, Elvis se resistía a dejarse encasillar por las barreras musicales de su época, y se volcó en el desarrollo de un estilo propio. Lo mismo que hizo con las canciones que interpretó tras su regreso del servicio militar, From Elvis in Memphis, el álbum que publicó en 1969 incluía varios géneros muy distintos entre si. El disco ofrecía nada menos que 12 personalidades musicales totalmente independientes. Apoyado por el éxito de los singles “In The Ghetto” y “Suspicious Minds”, las canciones contaban además con letras más maduras y con un mayor compromiso social. Elvis acababa de iniciar una nueva e importante etapa de su carrera. 1. Wearin' That Loved on Look 2. Only the Strong Survive 3. I'll Hold You in My Heart (Till I Can Hold You in My Arms) 4. Long Black Limousine 5. It Keeps Right on A-Hurtin' 6. I'm Movin' On 7. Power of My Love 8. Gentle on My Mind 9. After Loving You 10. True Love Travels on a Gravel Road 11. Any Day Now 12. In the Ghetto ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 153. Velvet Underground – Velvet Underground (3rd Album) (1969) Uno de los grandes grupos de todos los tiempos, poco valorado en su época, su roturación vanguardista, aridez y crudeza lírica y exploración sonora en territorios del pop y el rock influyó decisivamente en el desarrollo posterior de la música moderna, ya que sin su presencia artística, movimientos como el punk o grupos de diferentes sonidos alternativos jamás hubiesen surgido. Sin el principal motor vanguardista de la banda y con el predominio casi total de Reed en el diseño sonoro, la Velvet Underground publicaría su tercer disco, el homónimo "The Velvet Underground" (1969), un Lp espléndido, mucho más asequible y relajado que sus anteriores propuestas y repleto de fenomenales canciones de cuidadas melodías como "Candy says", "Pale blue eyes", "Beginning to see the light" o "Jesus". 144
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 1. Candy Says 2. What Goes On 3. Some Kinda Love 4. Pale Blue Eyes 5. Jesus 6. Beginning to See the Light 7. I'm Set Free 8. That's the Story of My Life 9. Murder Mystery 10. After Hours ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 154. Quicksilver Messenger Service – Happy Trails (1969) Banda de acid-rock estadounidense que tampoco desdeñó el folk, el blues y el jazz. Se formó a mediados de los años 60 en San Francisco. Aposentaba sus virtudes musicales en la interacción virtuosa de sus instrumentistas, en especial de los guitarristas John Cipollina y Gary Duncan. El germen de Quicksilver Messenger Service es obra del cantautor Dino Valenti, quien junto al citado Cipollina a las seis cuerdas, Jim Murray a la voz y armónica, David Freiberg al bajo y Casey Sonoban a la batería (Skip Spence también participó en la formación del grupo aunque estuvo muy poco tiempo) intentaron abrirse camino en la ciudad californiana en el año 1965. Tristemente, Valenti fue condenado por posesión de drogas a los pocos meses de la formación de la banda y tuvo que abandonar durante varios años el grupo. En 1969 publicaron "Happy Trails" (1969), un disco en directo que se convertiría en su LP más recordado, principalmente por su larga versión del "Who do you love", tema escrito por una de sus máximas influencias, el pionero del R&B y el rock'n'roll Bo Diddley, conduciendo las clásicas pautas guitarreras de Diddley a sus postulados psicodélicos. El álbum tiene una bonita portada realizada por George Hunter. 01. Who Do You Love - Part 1 02. When You Love 03. Where You Love 04. How You Love 05. Which Do You Love 06. Who Do You Love - Part 2 07. Mona 08. Maiden Of The Cancer Moon 09. Calvary 10. Happy Trails 145
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 155. Led Zeppelin – Led Zeppelin (1st Album) (1969) Surgidos a finales de los años 60 en el Reino Unido, la influencia del grupo Led Zeppelin es incalculable en la historia del rock. Su música trasciende cualquier etiqueta, incorporando a su básica sonoridad hard-rock y a su lírica de rasgos místicos y mitológicos, una heterogénea disposición sónica, embebida en su naturaleza rock de las tradicionales pautas del blues y de la tibieza acústica del folk británico. Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, rock and roll, el soul, la música celta, la música india, la árabe, el folk, el country e incluso el reggae. Aparte de esta marcada versatilidad en cuanto a influencias musicales se refiere, Led Zeppelin demostró en su repertorio una musicalidad tal, que bien puede representar el valor de la dinámica musical en el género de la música clásica, que corresponde con formas y composiciones muy estructuradas, y que dejan en evidencia la capacidad de adaptar conceptos compositivos como el contrapunto, característico en la música desde el periodo barroco. Después de actuar con éxito en clubes británicos y girar con masiva afluencia de público por los Estados Unidos con Vanilla Fudge, el grupo publicaría en Atlantic “Led Zeppelin” (1969), un extraordinario Lp debut grabado en treinta días y producido y arreglado por Jimmy Page, hecho que repetiría en todos los discos de la banda. Su fornido y épico muestrario de blues-rock, folk, psicodelia y hard rock conquistaron a la audiencia gracias a temas como “Communication breakdown”, “Dazed and confused”, “Good times” o “Babe, I’m gonna leave you”. Más de veinticinco años después de la disgregación de la banda en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo,2 incluidos 109 millones sólo en los Estados Unidos,2 y es la banda con más discos de diamante (otorgados cada 10 millones de ventas) de la historia de la música, junto a The Beatles. 1. Good Times, Bad Times 2. Babe I'm Gonna Leave You 3. You Shook Me 4. Dazed and Confused 5. Your Time Is Gonna Come 6. Black Mountain Side (instrumental) 7. Communication Breakdown 8. I Can't Quit You Baby 9. How Many More Times 146
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 156. Band – Band (2nd Album) (1969) Poco valorada su capacidad de original conjunción de músicas tradicionales americanas y su habilidad lírica, The Band se constituye como uno de los grandes grupos rock surgidos en los años 60. La historia de la banda se retrotrae a finales de los años 50, cuando Ronnie Hawkins, un cantante de rockabilly procedente de Arkansas se asentó en Ontario, Canadá, llevando consigo al batería Levon Helm, tambien nacido en el citado estado norteamericano. Hawkins contrató a un conjunto de jóvenes músicos que terminarían formando parte de The Hawks, cuando el grueso del grupo que acompañaba a Ronnie terminó separándose. Los nuevos Hawks eran todos de nacionalidad canadiense: el guitarrista Robbie Robertson, el bajista y vocalista Rick Danko, el pianista y vocalista Richard Manuel y Garth Hudson, un instrumentista procedente de la música clásica que se ocuparía del órgano. En 1965 se produciría un encuentro crucial para el desarrollo de la banda. Colaborando como músicos de sesión con John Hammond Jr conocieron a Bob Dylan, con el que iniciarían una relación artística muy productiva, especialmente en las actuaciones en directo del cantautor folk, que había adoptado finalmente la sonoridad eléctrica a pesa de muchas voces contrarias a ese progreso sonoro. Antes de la gira conjunta de 1966 y rebautizados como The Band, Levon Helm decidió no participar como simple músico acompañante de Dylan y abandonó el grupo, siendo sustituido en las baquetas por Mickey Jones. Adorados por la crítica estadounidense, The Band presentó al año siguiente su segundo trabajo en formato Lp. Con "The Band" (1969) reafirmó su gran talento para la unificación y creación de formas tradicionales con el rock, prosiguiendo el firme paso iniciado con "Music from big pink" pero con una mayor presencia en el aspecto compostivo, a diferencia de la mayor diversificación de su esfuerzo previo, del guitarrista Robbie Robertson. Algunas de las mejores canciones del disco son la excelente "The night they drove old dixie down", "Up on cripple creek", "Rag Mama Rag", "Across the great divide", "King Harvest (Has surely come)" o "The Unfaithful servant". 01. Across The Great Divide 02. Rag Mama Rag 03. The Night They Drove Old Dixie Down 04. When You Awake 05. Up On Cripple Creek 06. Whispering Pines 07. Jemima Surrender 08. Rockin' Chair 09. Look Out Cleveland 10. Jawbone 11. The Unfaithful Servant 12. King Harvest (Has Surely Come) 147
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 13. Get Up Jake 14. Rag Mama Rag 15. The Night They Drove Dixie Down 16. Up On Cripple Creek 17. Whispering Pines 18. Jemima Surrender 19. King Harvest (Has Surely Come) ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 157. Led Zeppelin – II (1969) Impresionante segundo álbum de Led Zeppelin. Si el primero exhibía su pericia en explotar con sapiencia el blues y rock de bandas y solistas como Jimi Hendrix, Cream, Willie Dixon o Jeff Beck, el segundo apuntala con firmeza su enorme contribución al mundo de la música moderna y define con autoridad su magisterio en la construcción y ejecución de piezas hard-blues-rock de alto voltaje y alternancia acústico/eléctrica. Sus detractores les acusan a menudo de latrocinio y hurto a grandes nombres del blues pero, partiendo del fundamento de esas referencias y de la irrefutable ascendencia de esos esenciales nombres, es también innegable la instauración de un nuevo orden auditivo desarrollado en el empaque otorgado a sus raices bluesy con un trabajo arrebatador en la edificación de riffs, musculatura rítmica y sobre todo, singular creación de atmósferas, como la conseguida con el clima sexual emanado de "Whole lotta love", gran clásico (número 4 en los EEUU) en donde utilizan el theremin y en donde recogen textos del "You need love" de Willie Dixon. Su musculado sentido del ritmo se exhibe en "Heartbreaker" (con un glorioso riff guitarrero de Page) y en el enérgico hard-rock de "Living loving maid", mientras que la pasión por el blues asoma en "Lemon song" (una canción basada en el tema "Killing Floor" de Howlin' Wolf que despliega un soberbio trabajo de Jones al bajo) o "Bring it on home" (donde recogen claros influjos de Sonny Boy Williamson). Las baladas blues-rock destacan con "What is and what should never be" y "Thank you", hermoso tema dedicado por Robert Plant a su esposa Maureen que comparte espacios acústicos con la tolkieniana "Ramblin on". Uno de los momenos álgidos del LP es la espectacular "Moby dick", un tema derivado de una canción de Sleepy John Estes ("The girl I love, She got long curly hair" que contiene un memorable solo de Bonzo. 1.- Whole Lotta Love 2.- What Is and What Should Never Be 3.- The Lemon Song 4.- Thank You 5.- Heartbreaker 6.- Living Loving Maid 148
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 7.- Ramble On 8.- Moby Dick 9.- Bring It On Home ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 158. MC5 – Kick Out the Jams (1969) Explosivo rock’n’roll, música abrasiva y primaria con distorsión y feedback, cantantes vocingleros y actitud rebelde contra lo establecido son algunos de los semblantes sónicos del sonido Detroit, con los Stooges y MC5 a la cabeza. Su influencia es inmensa, especialmente en el punk, en el pop guitarrero, en el hard rock y en los sonidos garajeros más sucios y viscerales surgidos en décadas posteriores. Pero esta fuerza sónica no nace así como así. En los mismos se encuentran reflejos de gente como Hendrix, los Who, Stones, Cream, los Troggs o los grandes maestros del rock de los 50, en especial el impetuoso Little Richard. Su gran momento fue cuando Elektra contrató a la banda para la grabación de un LP, el mítico “Kick out the jams” (1969), disco que recogía sus actuaciones en vivo a finales de octubre de 1968 en el Grande Ballroom. Imprescindible su escucha, a todo volumen, para aprender lo que es la rabia, fiereza y catársis, música salvaje y excitante que deja en bragas a cualquier mindundi o mindundis actuales o pretéritos que se piensan que el rock ha comenzado hace dos días cuando lleva bastantes años en la UVI y financiado por multinacionales. Torbellinos sónicos, guitarras estruendosas, baterías retumbantes, voces catárticas…un auténtico festín de devastador rock en temas como “Ramblin’ Rose”, “Kick out the jams” (número 82 en el Billboard) o “I want you right now”, tema en el cual se aprecian sus ascendencias de Troggs y Hendrix. El LP (número 30 en los Estados Unidos) estaba producido por Bruce Botnik, conocido técnico colaborador de gente como los Doors, Love o los Beach Boys. 1. Ramblin' Rose 2. Kick Out The Jams 3. Come Together 4. Rocket Reducer No. 62 5. Borderline 6. Motor City Is Burning 7. I Want You Right Now 8. Starship ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 149
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 159. The Temptations – Cloud Nine (1969) Con Cloud Nine, Motown ganó su primer Grammy en 1969 al Mejor Grupo de Rhythm & Blues, alcanzó el número 2 en las listas de R & B en los EE.UU. 1. Cloud Nine 2. I Heard It Through the Grapevine 3. Runaway Child, Running Wild 4. Love Is a Hurtin' Thing 5. Hey Girl 6. Why Did She Have to Leave Me (Why Did She Have to Go) 7. I Need Your Lovin' 8. Don't Let Him Take Your Love From Me 9. I Gotta Find a Way (to Get You Back) 10. Gonna Keep on Tryin' Till I Win Your Love The Temptations (Detroit, 1961), grupo de música soul, rhythm and blues y pop, aunque se han acercado igualmente a distintas fusiones de estilos musicales y al funk con cierta carga política. Fue el más importante grupo vocal masculino de los años sesenta. Estuvo inicialmente formado por cinco cantantes a partir de la fusión de dos grupos de Detroit, The Primes y The Distants. Otis Williams, Elbridge (conocido como El, o Al) Bryant y Melvin Franklin eran ya unos veteranos de la escena musical de Detroit cuando formaron the Distants, que en 1959 grabarían el sencillo "Come On" para el sello local Northern. Por las mismas fechas, the Primes, trío formado por Eddie Kendricks, Paul Williams y Kell Osborne, se trasladaron a Detroit desde su originaria Alabama. Rápidamente, obtuvieron éxito (el mánager crearía una versión en femenino, The Primettes, del que más tarde surgirían The Supremes, con Diana Ross, Mary Wilson y Florence Ballard). ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 150
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 160. Sly & The Family Stone – Stand! (1969) nuevo álbum, publicado cinco meses después, cuyo título era Stand!. Con más de tres millones de copias vendidas, lanzó al grupo a la fama, propagando además su irresistible imagen, con músicos de todas las razas y sexos, mensajes de paz, amor, tolerancia, muy en la línea del periodo hippie que se estaba cerrando; todo ello aderezado con una irresistible música de raíz soul y funk, pero contaminada con un número interminable de influencias, desde el rock al blues, desde el pop al jazz; y todo ello a través de un prisma psicodélico complejo y elaborado. Este gran éxito hizo que Sly & The Family Stone fueran invitados a tocar en la primera edición del festival de música de Woodstock en agosto de 1969, que se convertiría a la postre en, probablemente, el más importante evento musical de la historia. Su actuación, a juicio de muchos entre lo más destacable del festival, les procuró un contacto directo con una nueva generación de jóvenes, que cayeron rendidos ante la propuesta del grupo. Sly & The Family Stone fue una banda de San Francisco, California, EE. UU. liderada por el compositor, cantante, productor y multiinstrumentista Sylvester Stewart (más conocido como Sly Stone). Sly & The Family Stone está considerada una de las bandas fundamentales para entender el nacimiento y desarrollo del funk, al nivel de James Brown y Parliament. Su labor de apertura hacía otros géneros como el rock, la psicodelia, el soul, el rhythm & blues o el pop le convierten en uno de los más importantes grupos, no sólo de funk, sino de toda la historia de la música popular. Por otro lado, su formación clásica integraba miembros blancos y negros por igual, y mujeres del mismo modo que hombres, por lo que se trata de la primera banda multirracial, compuesta por músicos de ambos sexos, que logró un éxito masivo a nivel nacional e internacional. A finales de 1968, Sly & The Family Stone editaron el sencillo Everyday People, que se conviritió en su primer número 1. Junto con la cara B, Sing A Simple Song, este disco sirvió de avanzadilla para el 1. Stand! 2. Don't Call Me Nigger, Whitey 3. I Want to Take You Higher 4. Somebody's Watching You 5. Sing a Simple Song 6. Everyday People 7. Sex Machine 8. You Can Make It If You Try ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 151
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 161. Tim Buckley – Happy Sad (1969) Pocas veces el mundo de la música engendra un talento tan brillante y polifacético. Tim Buckley, joven cantautor estadounidense nacido en 1947, se erigió como uno de los más destacados y prometedores músicos de la década de los 60, rechazando inicialmente etiquetas y modas que pudieran condicionar su inmensa obra. Hoy por hoy, haciendo balance de su corta pero prolífica carrera, sería difícil asignarle un género en especial, pues experimentó con el folk, el pop, el rock, la psicodelia y el jazz sin caer en tópicos estilísticos. Lamentablemente, y como era frecuente en esa época, la muerte nos arrebató prematuramente su voz: el 29 de junio de 1975 Tim Buckley moría por sobredosis de heroína dejando tras de sí varios discos de cautivadora y arrebatadora belleza. Happy Sad es uno de esos maravillosos ejemplos; 6 conmovedoras canciones que reflejan el alma de un muchacho de 21 años que parecía haber vivido ya cientos de ellos. Desde el punto de vista musical, los ritmos jazzísticos predominan en este disco de lisérgica melancolía, donde la sorprendentemente versátil voz de Buckley se funde con las mágicas notas de un vibráfono en Love from room 109 at the islander o con los tribales ritmos de los tambores de Gipsy Woman. Resulta difícil encontrar hoy en día álbumes con tantos matices sonoros, donde cada escucha suponga un nuevo descubrimiento. Dream letter es, en mi opinión, la pieza clave y sin embargo resulta difícil de definir. Basta con escucharla en algún lugar tranquilo, en silencio, tal vez en la cama apunto de dormir, para comprobar que nos hallamos ante un músico extraordinario que poseía la innata habilidad de alcanzar y estremecer el alma humana. El escaso carácter comercial de un disco de estas características supuso para Tim Buckley un escollo difícil de superar. Continuó su carrera, incrementando si cabe su afán por la constante experimentación. De hecho, me atrevería a afirmar que escuchando sus primeros discos, Happy Sad constituye una transición entre el estilo más folk de sus primeros trabajos y la adopción de un estilo barroco, donde las canciones ganan en complejidad con la aportación de nuevos instrumentos. Sin embargo, el desencanto de los escasos éxitos comerciales y sus tormentos personales le arrastraron a una vorágine de drogas y depresión que marchitaron su vida y ensalzaron su obra. Y es que, lamentablemente, tragedia y reconocimiento suelen ir de la mano; triste destino para los artistas que procuran vivir de su música. 1. Strange Feelin' 2. Buzzin' Fly 3. Love from Room 109 at the Islander (On Pacific Coast Highway) 4. Dream Letter 5. Gypsy Woman 6. Sing a Song for You ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 152
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 162. Chicago Transit Authority (1969) Walter Parazaider (saxofonista, flautista y vocalista) y, por último, Daniel Seraphine (baterista). Uno de sus mejores trabajos que resultó todo un éxito de ventas. 01.Introduction 02.Does Anybody Really Know What Time It Is? 03.Beginnings 04.Questions 67 And 68 05.Listen 06.Poem 58 07.Free Form Guitar 08.South California Purples 09.I'm A Man 10.Prologue 11.Someday 12.Liberation Chicago Transit Authority es el álbum debut de la banda Chicago. Iniciaron su carrera bajo este nombre, sin embargo un año después lo cambiaron por el de Chicago , para evitar críticas y confusiones (anteriormente fueron conocidos como The Missing Links y The Big Thing). Lanzado al mercado en abril de 1969, este LP-doble contiene 12 temas, entre los cuales se encuentran los éxitos “Beginnings” y “Does Anybody Really Know What Time It Is?”, con los que innovaron la industria de la música, siendo los primeros (junto con Blood, Sweat & Tears) en incorporar a la música rock el sonido de los metales, común de la música de Big Bands. Este álbum fue producido por James William Guercio. La formación de la banda era: Terry Kath (guitarrista y vocalista), Robert Lamm (teclista y vocalista), Peter Cetera (bajista y vocalista), Lee Loughnane (trompetista y vocalista), James Pankow (trombonista), ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• ••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••••• 153
    • http://dithumanrique.blogspot.com/ 163. Fairport Convention – Unhalfbricking (1969) discos mejor recibidos en ventas al alcanzar el puesto número 12 en las listas de ventas del Reino Unido. Contenía tres revisitaciones de temas de Bob Dylan, entre ellas el sencillo “Si tu dois partir” (número 21). “A sailor’s life”, pieza escrita por Richard Thompson, es una de las mejores canciones de su discografía. 1. Genesis Hall 2. Si Tu Dois Partir 3. Autopsy 4. Sailor's Life 5. Cajun Woman 6. Who Knows Where the Time Goes? 7. Percy's Song 8. Million Dollar Bash Fairport Convention ha sido un