1. Secuencia didáctica 2
Características y subgéneros del género dramático

2. Características básicas del género dramático
Aunque leamos una obra de teatro,
Los autores dramáticos deben los personajes que intervienen en
contar una historia en un lapso ella han sido concebidos por el
limitado. autor para ser encarnados por
actores sobre un escenario.
Debe captar la atención del público
durante toda la representación. El
recurso fundamental para lograrlo La acción se ve determinada por el
consiste en establecer, cada cierto diálogo y, a través de él, se
tiempo, un momento culminante o establece el conflicto central de la
clímax que vaya encaminando la obra.
historia hacia el desenlace.
El teatro es una mezcla de recursos
lingüísticos y espectaculares, el
texto literario se suma, como un
elemento más , a los elementos El autor queda oculto detrás del
escénicos pertinentes para argumento y los personajes
conseguir un espectáculo
completo.

3. Acción
Son todos los acontecimientos que suceden en escena durante la representación
relacionados con la actuación y las situaciones que afectan a los personajes. Dicho de
otro modo, la acción es el argumento que se desarrolla ante nuestros ojos cuando
asistimos a una representación teatral. Este argumento suele estar dividido en actos o
partes (también denominados jornadas).
La antigua tragedia griega no se dividía en actos, sino en episodios (de dos a
seis) separados entre sí por las intervenciones del coro. A partir del teatro romano se
generalizó la división en cinco actos, hasta que Lope de Vega (1562-1635) redujo la acción
a tres actos, división que llega hasta hoy. Si dentro de un acto se produce un cambio de
espacio, entonces se ha producido un cambio de cuadro, con lo que dentro de un acto
puede haber distintos cuadros según los espacios que aparezcan. Por otra parte, cada vez
que un personaje sale de la escena, o bien cuando se incorpora uno nuevo, se produce
una nueva escena. Un acto constará de tantas escenas como entradas y salidas de
personajes haya.

4. Función poética
Cuando el lenguaje se utiliza para producir belleza, para llamar la atención sobre sí mismo,
actúa en él la función poética. Lo importante no es tanto lo que se dice sino cómo se dice.
El escritor pretende suscitar en el receptor una serie de sensaciones de belleza,
creatividad e influencia a través de la forma de su mensaje. Son válidos todos los recursos
expresivos. Esta función aparece también en el lenguaje coloquial; cualquier persona, al
construir su mensaje, selecciona de manera consciente o inconsciente las palabras, las
inflexiones de la voz o los tipos de oraciones para conseguir una transmisión más eficaz de
aquello que se pretende comunicar.

5. Formas de expresión
Las conversaciones que los personajes mantienen entre sí hacen que la acción avance. Estas
conversaciones se pueden producir entre dos o más personajes. En algún momento, un personaje,
apartándose del resto o desviando su mirada, puede hacer un comentario en voz alta, destinado al
público, que no es oído por el resto de personajes. Este recurso se denomina aparte. Mediante los
apartes los personajes realizan reflexiones en voz alta, hacen comentarios malintencionados o declaran
un pensamiento que puede ser de utilidad para el desarrollo de la acción. La finalidad de los apartes es
la de informar al público.
Por otra parte, uno de los recursos más característicos del teatro es el monólogo: discurso
que un personaje, normalmente solo sobre el escenario, pronuncia para sí mismo a modo de
pensamiento o reflexión, aunque en realidad el receptor último es el público. Suele tener un carácter
lírico y reflexivo y una extensión considerable. El monólogo más famoso de nuestra literatura es el que
pronuncia Segismundo en La vida es sueño, de Pedro Calderón de la Barca (1600-1681). Hoy en día el
término monólogo se ha puesto de moda gracias a las intervenciones que ciertos humoristas realizan
sobre un escenario ante el público. Se trata de un recurso teatral desgajado del contexto de una obra
dramática, que demuestra el gran rendimiento que puede ofrecer como reflexión o información a los
espectadores.
Por último, en el teatro clásico grecolatino solía aparecer un coro que, en ciertos momentos
de la representación, era tomado por la voz de la conciencia del personaje, el narrador o una comunidad
de personas. Este personaje colectivo solía poner el punto final a cada uno de los episodios en los que
estaban divididas las obras dramáticas.

6. Teatralidad
“Facultad de utilizar al máximo las técnicas escénicas que reemplazan al discurso de los
personajes y tienden a bastarse por sí mismas”. (Pavis)
Afectación y exageración en los gestos o actitudes con que se desea llamar la atención.

7. Clasificación de los personajes
Principales: realizan acciones determinantes
para el desarrollo de la obra.
Por su manera de participar en la obra Secundarios: actúan de manera menos
trascendente, que los principales, pero sus
acciones afectan a los principales.
Caracteres: tienen rasgos individualizados, se
definen por su esencia (lo trágico); por una
característica (la avaricia, la bondad).
Tipos: es un personaje convencional, cuyas
Por el grado de complejidad de su
características físicas, psicológicas o morales
personalidad
las conoce de antemano el público y están
dadas por la tradición literaria: el bandido de
buen corazón, la inocente perseguida, el
villano…
Reales
Por su significación
Fantásticos

8. Elementos del teatro griego
La máscara
Es el elemento que transformaba al actor en personaje. Desaparecían con ella los rasgos
del actor y se dejaban ver sólo los del personaje, recordemos que había máscaras de
viejos trágicos, de viejos cómicos, de jóvenes, mujeres...
La máscara daba pues las características del personaje, haciendo olvidar las
individualidades del actor. Las máscaras poseían, finalmente, rasgos tipificados. Con el
tiempo, lo artesanos consiguieron verdadero realismo en las máscaras, pero siempre de
acuerdo con el personaje.

10. Los coturnos:
Los coturnos servían para dar altura al actor. De esta manera conseguían que los personajes
nobles sobresalieran sobre el coro y por otra parte, servía para dar proporción al actor con
las grandes dimensiones de la máscara. Así el actor era enorme, casi gigante, con lo que el
público podía verle sin problemas. Por otra parte, estas grandes dimensiones conseguían un
efecto aún mayor y psicológico en el público, acrecentaba su sobrecogimiento o catarsis
junto con el personaje. Generalmente sólo se usaban en la tragedia.

12. Ropas
Por lo general, los trajes usados por los actores griegos eran túnicas, cortas o medias (quitón
o clámide) y mantos. Jugaban con los colores a la hora de simbolizar, así, los reyes iban de
púrpura, los personajes de luto con colores oscuros... Por lo general, las ropas oscuras para
los personajes tristes, las alegres para los importantes y los colores normales para la gente
del pueblo.
Usaban unas almohadillas para abultarse, de modo que se guardara las
proporciones con las máscaras y los coturnos. Además, usaban otros elementos como la
corona en el caso de los reyes, símbolo de su poder.

14. La tragedia
La tragedia griega es una presentación dramática y lírica de una acción tomada de la leyenda
heroica que implica acontecimientos de cierta magnitud. Decimos que es dramática y lírica porque
en ella alternan los elementos propiamente dramáticos (diálogos y acciones), con los líricos (los
pasajes cantados por el coro).
En el denso contenido de la tragedia, se ponen de manifiesto aspectos de la religión, la
política y la moral que afectan a toda la comunidad; con frecuencia se debaten en ella nuevas ideas
desarrolladas por la ya pujante filosofía o suscitadas al hilo de la práctica política. Pero la tragedia
es ante todo una obra poética. Mientras que el teatro actual tiende a reproducir incluso en la
forma los problemas y la manera de hablar del hombre común, la tragedia griega se mueve
siempre a una gran altura poética y con un voluntario distanciamiento del mundo cotidiano. Sus
personajes, pertenecen a la realeza, hablan en verso, con toda clase de refinamientos de estilo y
son siempre a actitudes, concepciones o comportamientos.
Es importante destacar que la tragedia se caracteriza por desarrollar hechos conflictivos
que llevan al personaje a la desesperanza, pues previamente está condenado por los dioses a la
destrucción física o moral; por tanto su desenlace es funesto, sangriento, violento.

15. Estructura de la tragedia
PRÓLOGO: a menudo precede a la párodos. Generalmente es dicho por un personaje que
da al espectador explicación del tema de la obra y de otros detalles de la misma.
PÁRODOS: la obra comienza, a veces, con la entrada solemne del coro cantando y
situándose en la orquestra en torno al altar de Dioniso situado en medio.
ESTÁSIMOS: durante el desarrollo de la obra el coro tiene tres o cuatro intervenciones
más llamadas estásimos (significa algo así como "cantos a pie firme", sin danza), que
suelen dividirse en distintas estrofas y antístrofas para terminar, a veces, en un epodo.
EPISODIOS: entre las intervenciones del coro se intercalan los parlamentos de los
personajes, llamados episodios (la palabra episodio significa literalmente "intervenciones
en medio del canto"), cada uno de los cuales puede tener varias escenas, es decir,
entradas y salidas de personajes.
ÉXODO: última intervención del coro que marca el final de la representación.

16. La comedia
Es una forma en la que la acción dramática discurre de manera opuesta a la tragedia. Si en la
tragedia los personajes cambian de un estado favorable a uno desfavorable, en la comedia se da un
ascenso en el estado de los personajes.
Es la imitación de las personas más vulgares; pero no vulgares de cualquier clase, de
cualquier fealdad física o moral, sino de aquella única especie que supone lo ridículo.
Describe, intelectualmente deformados, los aspectos concretos y risibles de la vida cotidiana. Los
personajes son de condición inferior, el desenlace es feliz y optimista, su finalidad es provocar la
risa del espectador. Presenta aspectos cómicos u optimistas de la vida.
La comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V a.C. Las comedias más antiguas que
se conservan son las de Aristófanes.
Tienen una estructura muy cuidada derivada de los antiguos ritos de fertilidad. Su
comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos a personalidades públicas del momento,
atrevidos chistes escatológicos y parodias aparentemente sacrílegas de los dioses. Para el siglo IV
a.C. la comedia había sustituido a la tragedia como forma dominante.

17. El drama
A diferencia de las formas anteriores, el drama no tiene un carácter definido, sino que en él se
combinan indistintamente aspectos trágicos y cómicos. Esto se debe a que el drama pretende
representar la vida tal cual es, razón por la cual tiende a tratar los asuntos de forma menos
rígida que la tragedia y la comedia.
El término drama viene de la palabra griega que significa "hacer", y por esa razón se
asocia normalmente a la idea de acción. En términos generales se entiende por drama una
historia que narra los acontecimientos vitales de una serie de personajes.