Este documento resume las principales tendencias artísticas desde 1945, incluyendo el Expresionismo Abstracto Americano en las décadas de 1940 y 1950, el Informalismo Europeo en las décadas de 1950 y 1960, las opciones de geometría entre 1950-1970, los ensamblajes y neodadá, el arte pop y el minimalismo. Describe los principales artistas y características de cada movimiento.

1. Ultimas tendencias: El arte desde 1945
EXPRESIONISMO ABSTRACTO AMERICANO
Décadas de 1940 y 1950. Trasvase cultural de Europa a América, durante los años de la
II Guerra Mundial. Ambiente cultural y artístico derivado de la presencia de los grandes
maestros surrealistas, y del influjo de la tendencia abstraccionista de Masson y Miró.
Promoción del arte contemporáneo en USA, gracias al apoyo estatal, al mecenazgo
privado y a la creación de museos específicos (los Guggenheim). Los movimientos
filosóficos que influyen en este movimiento son el marxismo y el existencialismo. El
expresionismo abstracto es el movimiento que lanza a la supremacía del mercado
artístico a la Escuela de Nueva York, ante la decadencia de la Escuela de París.
Se trata de una pintura gestual, derivada de los teorías de Breton sobre el automatismo
psíquico: la libre inspiración desligada de lo figurativo, en la que el artista actúa
dejándose llevar pasivamente por sus impulsos y el lienzo, más que el resultado de una
composición formal, es el encuentro entre el material y la mediación del artista. El
cuadro adquiere vida propia, en torno a una poderosa imagen central, con carácter
heráldico y vida propia. Los antecedentes de este tipo de pintura, pintura de acción o
action painting, deben buscarse en el magisterio surrealista, en la práctica muralista
americana de los años 30 y en la pintura sobre arena indígena.
Principales artistas: H. Hofmann, puente entre Europa y América, por haber trabajado
en París a principios de la centuria y conocer a los grandes maestros. A. Gorky: entre el
surrealismo jungiano y la dinámica continua americana (un cuadro es un proceso nunca
acabado), es otro artista bisagra entre ambos continentes. Jackson Pollock: action
painting en estado puro, el cuadro es un residuo de esa acción que usa técnicas no
tradicionales, como el dripping. C. Still y B. Newmann: tendencia hacia la sublimación
y el abstraccionismo espacial. W. De Kooning o la ambigüedad de lo indeterminado,
entre lo abtracto y lo figurativo. R. Motherwell o el compromiso político-artístico (serie
sobre la elegía de la república española). Mark Rothko o la sensibilidad metafísica, el
misticismo del color. Mark Tobey, Franz Line y Sam Francis: influjo del misticismo
oriental, de la caligrafía japonesa y el decorativismo cromático.
INFORMALISMO EUROPEO
Décadas de 1950 y 1960. Intentos de superación de la crisis cultural y artística de la
guerra (emigración a USA), con múltiples tendencias que, por un lado, asumen la
herencia artística de la vanguardia histórica, como forma clásica y asentada, y, por otro,
reciben nueva savia a través del conocimiento directo y exposición de las obras de los
artistas americanos. Hay un fuerte predominio de las tesis existencialistas de Sartre.
Diversas corrientes y denominaciones: abstracción lírica, tachismo, pintura sígnica,
pintura gestual, informalismo matérico. Dos centros fundamentales: el área
mediterránea (París, Italia, España) y el grupo nórdico COBRA (Copenhague, Bruselas,
Amsterdam).

2. Principales artistas: Wols y Fautrier, pioneros en Europa de la abstracción gestual, con
énfasis, respectivamente, en la experiencia trágica postsurrealista y e la expresividad de
la materia pictórica. G. Mathieu o el carácter festivo del lienzo, cercano a la action
painting de Pollock. H. Hartung o el automatiosmo caligráfico, de inpiración oriental..
N. De Stäel o el decorativismo ambiguo entre abstracción-figuración, como resultado de
la visión historicista de las vanguardias. J. Dubuffet o el “art brut”, inspirado en lo
torpe, lo grotesco, lo trivial e incontaminado. Fontana o las implicaciones
supramateriales del espacio. El culto a la materia como vía de superación de la polémica
abstracción-figuración: Burri y Tapies.
LAS OPCIONES DE LA GEOMETRÍA: DÉCADAS 1950-1970.
La vuelta a la geometría abstracta como vía de superación del expresionismo abstracto y
el arte informal, llegados a un punto muerto una vez que se lleva al punto límite la
investigación sobre los principios de la libre inspiración, sin conexión con hechos
culturales, formales, técnicos o sociales. El magisterio del abstraccionismo formalista de
las vanguardias reaparece con los más diversos planteamientos: geometría como
promesa de un futuro progresista, como fuente simbólica o contemplativa, como
repercusión estética del acercamiento a la tecnología y la ciencia. Estas corrientes
normativas se proclaman herederas de la época de la Bauhaus, siendo importante el
magisterio de artistas en ella formados, como Joseph Albers y Max Bill. Diversas
corrientes:
- La abstracción geométrica y pospictórica americana. Replanteamiento de la
abstracción geométrica de las vanguardias: del arte abstracto al arte concreto, que
subraya el carácter objetual de la obra de arte y evidencia el carácter plano, específico,
del lenguaje pictórico: los Campos de Color (The Colour Fields). Su origen se debe al
trasvase americano de Albers, que desarrolla en USA su larga serie Homenaje al
Cuadrado. Entre los máximos representantes de esta tendencia se encuentran: Morris
Louis, que representa el paso del expresionismo abstracto a la abstracción pospictórica,
al supeditar la expresión “sublime” de Newmann, Rothko o Reinhardt a una pragmática
formal que entiende el color en criterios de pura visibilidad y de rentabilidad
perceptiva. E. Kelly, y su discurso monumentalista del color, K. Nolland o el descarte
de la emocionalidad metafísica, y F. Stella, con su reduccionismo formalista,
desarrollan la modalidad del Shaped canvas, que identifica el formato del cuadro y la
figura con la forma de sus bordes: objetos pictóricos que comienzan a plantear la
deslegitimación de la separación tradicional entre escultura y pintura.
- El arte normativo europeo: op art y arte cinético. Magisterio de Max Bill, que pretende
crear una segunda Bauhaus en Ulm. Fusión de arte, ciencia y tecnología, a través de
formulaciones matemáticas de las relaciones formales y cromáticas, de la geometría
ortodoxa y de las implicaciones psíquicas del cuadro en el espectador. Ello implica la
participación activa del espectador, en obras no concebidas para la mente científica, sino
para la percepción directa y el goce: acercamiento de la experimentación formal de
vanguardia al gran público. Tres formas de actuación:

3. - Creación de tensión dinámica por la propia composición intrínseca, formas
ópticamente inestables: Op art de Vasarely, Riley.
- Ciertas dosis de intervención por parte del espectador en movimiento: Agam, Cruz-
Díez.
- Verdaderas máquinas o estructuras móviles (arte cinético), con dos variantes: el
movimiento espacial de Calder o Tinguely (éste, con ciertas dosis neodadadaístas en sus
máquinas autodestructivas) y el movimiento lumínico asociado al movimiento espacial
de Schöffer.
ENSAMBLAJES Y NEODADÁ
El neodadaísmo supone el abandono definitivo, durante la década de 1950, de la estética
de lo sublime de expresionistas abstractos como Rothko y Newmann y el revisionismo
de los aspectos más conflictivos de la vanguardia histórica, pero con una visión
sosegada y centrada en el objeto. Reinterpreta el nihilismo dadaísta en sentido
esteticista, como apertura de los límites tradicionales de la estética. El objeto artístico,
como potencia expresiva, toma nuevos valores al desprenderse del contexto y
significados histórico-artísticos habituales. En última instancia, se propone una
identificación entre arte y vida: Duchamp se pregunta: ¿pueden hacerse obras que no
sean de arte?
- En Estados Unidos el neodadá es una fuerte recación ante el agotamiento del
expresionismo abstracto, repetitivo y normativo ya a pesar de suponerse que se trata de
una visión subjetiva del mundo. Destacan dos autores: Jasper Johns, que con sus
banderas y mapas coloreados y dianas lleva el ready made duchampiano al terreno de lo
pictórico con temas y objetos banales.Y Robert Rauschenberg, con sus assemblages o
combine paintings, que subrayan la naturaleza objetual de la obra artística al fundir
pintura, objetos y esculturas integrados en el espacio real del espectador. El neodadá es
un puente hacia el pop art, una vez limado su carácter áspero y crítico.
- En Europa, las posibilidades del ready made son explotadas por el grupo, de la década
de 1960, del Nouveau Realisme francés o Nuevo Realismo. No se reproducen, sino que
se manipulan los objetos de la realidad para cerrar un nuevo vocabulario expresivo. Los
principales artistas de tradición neodadaísta en Eurpoa son: Y. Klein, que pasa de lo
objetual a la estética de lo ilimitado en sus cuadros y actos monócromos (azul Klein),
Arman o el lenguaje de la acumulación de objetos, con referencias a Schwitters, Christo
o la inquietud de lo empaquetado, César o los automóviles comprimidos que hablan de
la valoración del proceso, Tinguely y sus máquinas autodestructivas, Spoerri, con sus
cambios de punto de vista, que replantean el funcionamiento del museo.
ARTE POP
Las formulaciones críticas de la generación neodadá de la década de 1950, una vez
neutralizadas, amansadas o consumidas por la cultura oficial, desembocan en el pop art
de la década siguiente. Las primeras manifestaciones pop surgieron de Londres, del

4. Independent Group en torno a E. Paolozzi y R. Hamilton, como inetno de superación de
la inmovilidad artística británica. Sus principal característica fue la unión de la alta y la
baja cultura, el arte de los museos y los subproductos de la cultura urbana y la sociedad
consumista. Corriente que da gran importancia a la cultura de masas y a la importancia
de la publicidad, reconociendo el valor de la imagen popular y de los nuevos iconos
industriales.Se trata de un arte comercial, con imágenes del gran público, pero con una
fuerte contradicción entre su proyección popular y el sentido elitista de una producción
dirigida al museo. La pretensión de relacionar íntimamente el arte, la sociedad y la vida
posibilitó el paso natural, en U.S.A., de la aspereza del neodadaísmo a nuevas imágenes
que subrayaban la banalidad de la sociedad contemporánea en las primeras
manifestaciones Pop: Rauschenberg, Jasper Johns, Kienholz.
La generación madura del pop norteamericano, más conservadora, y representativa del
american dream, está integrada, entre otros, por: Lichtenstein, o la sublimación
monumental de la imagen del comic; A. Warhol o el reflejo puntual de la sociedad
conusmista y el star system americanos, con sus contradicciones; C. Oldenburg o la
monumentalidad de las costumbres populares. En Inglaterra debe destacarse a Hamilton,
Blake, Hocney.
LA TRADICIÓN REALISTA EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX
Como en el arte de las vanguardias históricas de la primera mitad de la centuria, tras el
episodio dramático de una conflagración mundial se producen movimientos de vuelta a
la figuración tradicional, en sentido conservadurista, unas veces, o por consisderarse el
figurativismo como el medio idóneo para representar mensajes expresivos emanados de
la angustia de la guerra. La figuración no ha encontrado un eco oficial de apoyo, en la
segunda mitad de siglo, como otras corrientes más complejas técnica o
conceptualmente, toda vez que la cultura contemporánea ha apostado de forma cada vez
más evidnete por estéticas “propias” del mundo contemporáneo, herederas del furor
experimentalista o proivocador de las vanguardias. Sin embargo, los movimientos
realistas han encontrado suficiente espacio para su desarrollo en la sociedad actual.
Algunos de estos realismos serían los siguientes:
- El expresionismo de posguerra, como vehículo de expresión de la angustia
existencialista: F. Bacon, A. Giacometti, J. Buffet, E. Guttuso.
- El hiperrealismo o la idea de cnfundir el arte con el objeto real, como derivación del
arte pop y contra la sequedad extrema del arte conceptual. Competencia con la
fotografía, adopción de la mirada mecánica de la cámara, que permite adentarse en
aspectos inéditos de la realidad o aislar a la imagen, como icono contemporáneo: R.
Estes. C. Close, D. Hanson, J. de Andrea.
- El realismo social. El caso español, con Genovés, Canogar, Equipo Crónica. También
se ha producido un hiperrealismo hispano, en clave lírica: Antonio López.
MINIMAL ART

5. Surge en U.S.A. a principios de los Sesenta., en el contexto difícil de apostar por la
continuidad de la tradición geométrica americana o por el predominio del arte pop y las
imágenes realistas en la cultura del museo. No obstante, minimal y pop comparten su
interés por la naturaleza objetual del arte, la repetición de un motivo o la neutralidad
social de la presentación. El minimal hereda el reduccionismo formal de Malevitch y
Mondrian para conseguir objetos (no escultura ni pintura) con máximo nivel de
abstracción, geometrismo estricto, simplicidad, claridad y acabado industrial. Este
componente de literalidad (el objeto es el objeto) es lo que liga al minimal a las
corrientes conceptuales posteriores, también empeñadas en una elaboración tautológica
de la obra de arte. Se prefieren los objetos tridimensionales, que eliminan cualquier
sensación de ilusionismo propia del plano pictórico. La principal consigna del
minimalismo es “menos es más”. Se desnuda al objeto de todo lo accesorio, para tener
un máximo de legibilidad y mínimo de retórica, con la mayor economía de medios
posible.
La importancia del Minimal Art se debe también al hecho de que constituyó una de las
vías de acceso al arte conceptual. La presentación de objetos como imagen parcial de un
orden implica la reducción de la actividad del artista y el aumento de la del espectador,
que debe completar la secuencia: un estímulo intelectual. También el ambinete o el
espacio, más que el marco del cuadro, es objeto de nuevo interés. Otra herencia del
Minimal es la importancia que se le concede a los aspectos teóricos de la actividad
artística: arte como herramienta del conocimiento que interacciona con otros procesos
de la mente humana. Finalmente, planteó una formalización radical del objeto artístico,
desde su construcción matemática, su estrucrtura serial su construcción metódica y su
acabado pulido. Desde los Sesenta emergen corrientes opuestas que valoran la
desaparición de la estructura y la atención en los procesos de configuración del material:
postminimalismos y arte povera.
Artistas principales: Sol Lewitt o la reglamentación sistemática del arte como cosa
mental, con desprecio al proceso creador. Dan Flavin o el homenjae al constructivismo
con los nuevos materiales tecnológicos, como la luz, en su fiunción de génesis del color.
Sonnier o la caligrafía gestual del neón. Robert Morris y Donald Judd, en los límites del
minimalismo, por su insistencia en el carácter tautológico del arte, la búqueda de un
orden en el propio material (anti-form de las obras de fieltro de Morris) y el rechazo de
los materiales tradicionales.
ART POVERA
Movimiento europeo de las décadas de 1960-70 que plantea a su modo, como el
Minimal, el final o la crisis de las vanguardias.No es la forma, sino la nueva relación
con los materiales, lo que inspira a este ismo surgido en Italia. Basa su estética en las
relaciones entre el objeto y su configuración, haciendo hincapié en dos aspectos: los
procedimientos, entendidos como proceso de fabricación y manipulación del material, y
los materiales, analizando sus cualidades específicas. Contrariamente a los materiales
industriales pulidos del Minimal americano se valora el material industrial en estado
bruto y la materia natural. Los desechos son sólo algo circunstancial, pues de lo que se

6. trata es de un reduccionismo lingüístico (cercano al minimal), empobreciendo los signos
y reduciéndolos a arquetipos. Hay una carga importante de crítica hacia la cara
consumista de la sociedad industrializada y la mercantilización del objeto artístico. Se
valora el proceso más que la obra acabada. Y, en fin, se produce una simbiosis entre el
conceptualismo del minimal y el fisicalismo del neodadá valorando la complejidad de
los sencillo. Principales representantes: Pistoletto, Merz, Kounellis. En U.S.A., los
artistas como R. Serra, R. Morris (sus fieltros) o E. Hesse, en los límites del
minimalismo, presnetan pautas similares a los poveras europeos.
EL ARTE CONCEPTUAL Y SU AMPLIO HORIZONTE
El Minimal, como sistema de depuración económica y radical de la forma, había llegado
al límite de sus investigaciones a mediados de los sesenta y conducido a la práctica
artística a una situación de crisis. En este contexto se producirá una situación
intelectualista, de valoración de los procesos cognoscitivos de la obra de arte. Obras
concebidas en el estudio, pero ejecutadas en otro lugar, lo que evidencia alejamiento o
desinterés por el objeto artístico y los materiales tradicionales: abandono del caballete y
del cincel. Estas tendencias conducen a una desmaterialización de la obra de arte
concebida como objeto: la utopía de un arte sin objeto, una obra basada exclusivamente
en la idea que la ha generado, que funciona no sólo como definición del arte, sino como
interrogación sobre su propia naturaleza.
En las actitudes conceptuales se dan la mano dos estrategias que viene de campos
diferenets: el arte como idea y el arte como acción. De ahí dos formas de entenderlo: en
sentido estricto, por su valoración de los conceptos y negación de lo material, o por su
valoración de la materia, transformada en energía y movimiento del artista sobre el
espacio real. Todas estas corrientes han dado lugar a una alternativa radical y polémica
contra el arte del museo, por su naturaleza antiobjetual, su énfasis en lo intelectual, su
desdén hacia las experiencias plásticas y el deleite de los sentidos, y su interés por
nuevos objetos artísticos (fotografías -sólo así se explica el papel de la fotografía en los
años 80-, documentos, planos, mapas, videos).
Hay una gran complejidad de manifestaciones y actitudes:
I.- Corrientes más interesadas en la acción y el espacio real:
- Happening y Fluxus: Unión entre arte y vida, arte y acción. El Happening surge en el
contexto del arte neodadaísta de los años 50: A. Kaprow lleva al campo de la acción la
operación objetual duchampiana. Desde los inicios de la vanguardia hay tendencias en
este sentido, que valoran la autoconsicencia del valor específico del artista. Se destrona
al objeto artístico de su tiránica presencia y se conduce al arte a un contacto más directo
con la vida. Kaprow o J. Beuys no se esconden tras su obra, sino que sacan al artista a la
escena.. También, el grupo japonés Gutai investiga sobre las relaciones entre pintura y
acción. El público interviene activamente. Fluxus es un movimiento de recuperación del
dadaísmo, entre 1958 y 1963. Combina música, teatro y artes plásticas y, a diferencia
del happening, el espectador no actúa, sino que asiste a una actuación simbólica en

7. sentido receptivo. Beuys y W. Vostell son los más destacados integrantes, con una
conciencia crítica bastante radical. Happening y Fluxus son anteriores al desarrollo del
arte conceptual, pero aportan a este movimiento el desintéres de la obra final, como
desecho no conservable, y su plasmación en nuevos sistemas de documentación que, a
la postre, se convierten en el objeto artístico original.
- Land Art y Arte Ambiental: El espacio natural como soporte de la obra, llevando a
cabo una serie de manifestaciones o manipulaciones, con obras que adquieren
dimensiones monumentales. Su presencia en las galerías se lleva a cabo mediante
mecanismos de documentación. Algunas corrientes usan elementos naturales en el
interior de la galería: earthworks, cercano al arte povera. Destacan M Heizer, R.
Smithson, D Oppenheim, R. Long.
- Body Art: El artista usa su propio cuerpo, manipulado para generar mensajes estéticos.
Trata temas como la violencia, la sexualidad, el exhibicionismo, la resistencia física.
Ciertas diferencias entre la corriente analítica americana, que pone su acento en las
posibilidades del cuerpo humano (C. Burden o D. Oppenheim) y la europea, centrada en
la reelaboración de arquetipos junto a aspectos relativos al travestismo, el dandysmo o
la sublimación del dolor (Gilbert & George, H. Nitsch). Otros artistas (R. Horn, K.
Rinke) ponen el cuerpo en relación con objetos escultóricos que evocan recuerdos
vividos. El Body Art, relacionado con el Happening de los 50, las perfomances, el teatro
y la danza, a menudo se vuelve introspectivo e íntimo, rehuyendo el espacio abierto o
acentuadno el carácter exhibicionista en un entorno privado.
- Process art o arte procesual. Pone el énfasis no en el objeto artístico, sino en el proceso
de elaboración del mismo. Es una reflexión tautológica sobre el propio proceso de
construcción de la obra de arte. R. Morris, H. Haacke.
II. Corrientes interesadas en el concepto o idea.
- Conceptual lingüístico y tautológico: Supresión del objeto artístico y prioridad casi
absoluta de la idea sobre la realización. Énfasis en la investigación filosófica sobre la
naturaleza de la obra de arte. Es una forma reduccionista que propone una identificación
entre los mecanismos del arte y los del lenguaje. J. Kosuth, On Kawara, el grupo inglés
Art & Language.
- Conceptual empírico-medial. Reivindica la relevancia alcanzada por la imagen y por la
percepción como forma de conocimiento. Interesa la investigación sobre la
fenomenología de la percepción la dimensión semiótica de la obra de artey los
desarrollos de ésta en los diferentes medios de transmisión. Sol Lewitt, Dibbets, R.
Long. Cercanos a esta corriente que plantea un análisis crítico de las imágenes de los
medios de masas están el mail art o arte de correo, copy art o exploración del uso no
convencional de la fotografía.
OPCIONES DE LOS AÑOS OCHENTA

8. Frente a las décadas anteriores, en los Ochenta se vive la idea de ruptura del
vanguardismo en sentido de innovación. Frente a esta dinámica, movimientos como el
posmodernismo hablan de la crisis de las vanguardias y reflejan una nueva forma de
pensar que se niega a esa continua huida hacia adelante, a esa búsqueda apasionante de
novedades, y que, en cambio, opta por una operación revisionista para agotar los filoes
no totalmente explotados. Esta visión introspectiva es en definitiva un momento de
reposo o de tregua. Frente al carácter generalista de movimientos anteriores, se plantea
una producción basada en los criterios de diversidad y fragmentación, la especificidad
del “genius loci”, el subjetivismo, el espectáculo local. Otro carácter propio de los
ocehnta es la coexistencia pacífica de las tendencias: la sobras de pintura o escultura
conviven con los nuevos medios de diseño, video, fotografúia, performance.: fin del
exclusivismo y tendencia sectaria de las vanguardias. Ello esconde otro fenómeno: la
revitalización del mercado artístico, que ya no sólo ansía artistas de posguerra, sino que
invierte también especulativamente en jóvenes valores: arte de temporada o de
moda. Varias tendencias tendencias:
- El redescubrimiento de la pintura pintura. En la primera mitad de la década, ante la
progresiva desmaterialización del oficio artístico de experiencia anteriores. Tres centros
fundamentales: la transvanguardia italiana, que se hunde en las actitudes de principios
de siglo y en la explotación del mito mediterráneo (Chia, Cucchi, Clemente, Paladino);
la Nueva Pintura Alemana, neoexpresionista, radical, individualista, que recupera las
tendencias del grupo Die Brucke (Baselitz, Kiefer, Immendorf); La Nueva Pintura
Neoyorkina, posmoderna, centrada en la tradición americana de principios de siglo (J.
Schnabel, D. Salle, E. Fischl).
- El Arte de Frontera. Movimiento posmoderno, ubicado en la “frontera”, la
indefinición, el límite, los territorios imprecisos entre la baja y alta cultura (high and
low culture). Es un Pop diluido, que trabaja tan vulgarmente como se trabaja en los
medios de masas y se imitan las imágenes urbanas como los grafitti (Basquiat, Cutrone
o Haring). Hay también tendencias revisionistas del surrealismo, como en la obra de M.
Kostabi o H. Schmalix.
- Anacronismo y “Pintura Culta”. Rememoración de la historia barroca y neclásica. El
tema de las citas históricas no como elemento añadido, sino como centro y justificación
de la obra. Es una tendencia hipermanierista. C. mariani o A. Abate.
- Nueva escultura inglesa. Vuelta a la escultura como objeto, a menudo cargado de
humor y juegos visuales (escultura más visual que táctil, contra la esterilidad de las
propuestas conceptuales y el academicismo de la escultura abstracta. A. Kapoor, T.
Cragg, R. Wentworth.
- Pattern Painting o Neodecorativismo: Recuperación de la decoración, tan denostada
por la vanguardia por su vacío de significación. Es la expresión más acabada de la
vuelta a la pintura, del placer de pintar y del placer de ver pintura. A. Garutti, P. Halley.

9. - Nuevo Futurismo: continuación expresiva de objetos ligados al mundo de la
tecnología, pero no con el optimismo utópico de los primeros futuristas, sino con ironía,
distanciamiento y sentido lúdico: U. Postal, L. Palmieri.
- Apropiacionismo y Arte Débil. El artista no dice nada, no añade proposiciones. Fruto
del colapso conceptual, parate del distanciamiento y la simulación, de la ausencia de
creatividad, y manifiesta una profunda insatisfacción del artista: J. Koons, R. Gober, H.
Steinbach. S. Levine. La idea de originalidad ha sido trasladada desde el objeto, que se
presenta como no original, apropiado, a las intenciones del artista, que busca nuevo
contexto en que poder expresarse.: neoconceptualismo. Precisamente, la relectura del
arte radical del periodo de 1965-1975 es una de las claves principales del desarrollo del
arte de los 90, en un momento de reflujo de la especulación de los mercados, de
asentamiento del arte contemporáneo en la gran cantidad de museos fundados en la
última década y de ampliación de la base social del arte contemporáneo que contribuye
a generar la imagen moderna del arte como organizador del ocio sin renunciar a ninguna
corriente, sino practicando el entrecruzamiento de tendencias.