1. Lenguaje y estética de la imagen
Trabajo Práctico
Grupo 1 : González German
Tomas Luis
Langer Elisabeth
Peñafiel Martina
Gomez Hiram
Rivero Cecilia
Andino Julieta
Hektor Jan Philipp
PREHISTORIA
Las primeras manifestaciones artísticas estuvieron íntimamente relacionadas con el
pensamiento mágico-religioso, fundamento de su deseo de supervivencia.
Las manifestaciones artísticas de la prehistoria tienen su máxima representación en las
siguientes artes:
_ Arte Franco-Cantábrico
Arte franco-cantábrico o pintura franco-cantábrica son expresiones utilizadas en la
historiografía del arte y la prehistoria para designar al conjunto de manifestaciones
culturales de naturaleza artística, especialmente a las pinturas rupestres, que
geográficamente se extendieron en el Paleolítico Superior por la cornisa cantábrica, en
la actual España, y por el suroeste de la actual Francia. Es un arte rupestre, es decir,
vinculado a las cuevas. Se caracteriza por la representación de animales en figuras
aisladas, que a veces utilizan las irregularidades del soporte (techos o paredes de las
cuevas) como tercera dimensión. Las pinturas están habitualmente en lugares alejados
de la entrada de las cuevas, por lo que se realizaron con luz artificial.
_ Arte Rupestre Levantino
Datado entre 6.000 y 4.000 a. C., aunque en algunas zonas puede empezar en el 8000
a.C. Se da en abrigos o covachos de escasa profundidad en los que la luz del sol
penetra sin dificultad. La fauna representada se corresponde con especies
actuales: cérvidos (venado), cápridos (cabra), bóvidos (cabras, toros), que se
aparecen solos o en manadas. Estos animales se dibujan de perfil pero con los
cuernos y las pezuñas de frente: es lo que llamamos "perspectiva torcida". La
figura humana, escasa en el Arte Paleolítico, adquiere gran importancia y con
frecuencia es el tema principal, cuando aparece en la misma escena que los
animales, es la figura humana la que los domina. Hay escenas de caza, de
danzas, de luchas, de trabajo agrícola, de domesticación de animales, de
recolección de miel, de ejecución de hombres, todo con gran movimiento.
_ Megalitismo

2. El término megalitismo procede de las palabras griegas mega, grande y lithos, piedra.
Aunque en sentido literal podemos encontrar construcciones megalíticas en todo el
mundo, desde el Japón a los gigantes de la Isla de Pascua, en sentido estricto muchos
autores únicamente denominan megalitismo al fenómeno cultural focalizado en el
Mediterráneo occidental y la Europa atlántica, que se inicia desde finales del Neolítico y
dura hasta la Edad del Bronce, caracterizado por la realización de diversas
construcciones arquitectónicas hechas con grandes bloques de piedra escasamente
desbastados denominados megalitos. Grandes monumentos megalíticos se hallan
diseminados por buena parte de Europa occidental, pero los focos más importantes se
encuentran en Bretaña, sur de Inglaterra e Irlanda, y sur de España y Portugal. Este
fenómeno se identifica esencialmente con la construcción de tumbas monumentales del
tipo dolmen (en bretón mesa de piedra), en cuyo interior se fueron enterrando
sucesivamente a los fallecidos de un grupo humano, apartándose cuidadosamente los
huesos de los anteriores difuntos (enterramientos colectivos). El fenómeno megalítico
solamente se puede explicar en el marco de los profundos cambios producidos a raíz de
la progresiva neolitización del occidente europeo. Estos cambios, de carácter económico
y social, fueron la consecuencia del paso de unas economías depredadoras, basadas en
la caza y la recolección, a otras productoras, basadas en la agricultura y la ganadería.
Así, las poblaciones afectadas comenzaron a considerar la tierra en la que vivían y de la
que se nutrían como propia. La acumulación de excedentes y la necesidad de una
organización mayor provocó la aparición de sociedades segmentarias (o tribus), y,
posteriormente, las primeras jefaturas.
_ Cultura Hallstatt
Fue una cultura de transición entre la Edad del Bronce y la del Hierro, extendiéndose
principalmente por la Europa Central, Francia y los Balcanes. El uso del hierro al
principio es minoritario. Sin embargo, a partir del VII a. C. se generaliza su uso poco a
poco, al igual que su comercialización. Muchos de sus asentamientos estaban
fortificados y dominados por una clase social de guerreros que formaban una especie de
aristocracia. Gracias al uso del hierro en vez del bronce obtenían un armamento
superior. Hay cerámicas excisas, pintadas y grafitadas, a veces con incrustaciones,
mientras que, en las espadas, hay pomos incrustados en hueso, marfil o ámbar. Esta
cultura mantiene contactos con el Mediterráneo y con las estepas del este europeo.
EDAD ANTIGUA
_ Arte Mesopotámico
Arte mesopotámico es una división cronológica y espacial de la historia del arte que se
localiza en Mesopotamia durante la Edad Antigua. Hace referencia a las expresiones
artísticas de las culturas que florecieron en las cuencas de los
ríos Tigris y Éufrates desde el Neolítico (hacia el VI milenio a. C.) hasta la caída
de Babilonia ante los persas (año 539 a. C.). Entre ambas fechas se desarrollaron
las civilizaciones sumeria, acadia, babilónica (o caldea), casita, hurrita (Mittani)
y asiria (arte asirio).

3. Tras milenios pendulando entre el predominio de la Baja Mesopotamia y la Alta
Mesopotamia, la región, al formarse el imperio persa, se incorporó a una dimensión
espacial de orden muy superior, que el imperio de Alejandro Magno y el helenismo
conectaron con la época romana (arte persa, arte helenístico). Incluso en la época
anterior a los persas, el arte mesopotámico tuvo muchas vías de contacto, a través de la
guerra, la diplomacia y el comercio a larga distancia, con el de las demás civilizaciones
del Antiguo Oriente Próximo (arte de la civilización hitita y otras del Asia Menor; arte
fenicio, del antiguo Israel y de otras civilizaciones del Levante mediterráneo; y el arte
egipcio), e incluso con el arte de la India y del Asia central.
La incorporación por difusión cultural o el desarrollo endógeno de múltiples materiales
y técnicas artísticas y artesanales fue parejo tanto a los avances tecnológicos (desarrollo
de hornos cada vez más eficaces, del torno de alfarero, de la cerámica vidriada o de
la metalurgia) como sociales y culturales (nacimiento de la ciudad, de la escritura, de las
religiones institucionalizadas y del Estado -lo que se denomina sociedad compleja
o civilización-).
La evolución estilística de las formas, géneros y temas, mantiene una notable
continuidad a pesar de lo amplio del periodo.
_ Arte Egipcio
El arte egipcio es, indudablemente, la manifestación artística que más ha subyugado al
hombre moderno.
La civilización egipcia no sólo creó una arquitectura, escultura y pintura de
impresionante belleza, sino también toda una cultura que ha hecho soñar a
investigadores, literatos y personas corrientes, donde se funde lo histórico, lo mítico y lo
misterioso.
El arte egipcio es un arte que está muy relacionado con el medio en el que se desarrolla.
Este medio influye en diferentes aspectos: por un lado el medio geográfico determina
una cultura cerrada que hace un arte impermeable a influencias exteriores, que va a
evolucionar poco y cuando lo va a hacer va a ser sobre sus propias formas debido a la
falta de comunicación con el exterior.
Por otro lado, el medio va a determinar unos materiales que nos indican una
despreocupación por la vida terrestre y un deseo de eternizar la moral del difunto y del
dios, por lo que el arte muchas veces está en función de templos y tumbas. Esto está
relacionado con los dos factores determinantes del arte que también vienen dados por el
medio: la monarquía y la religión.
Así, el faraón (y los nobles) y los sacerdotes van a ser los principales clientes. Se trata
de un arte aúlico y oficial, que se desarrolla en virtud de la religión fundamentalmente,
y a ésta está vinculado el faraón. No es por tanto un arte autónomo.
El arte egipcio está siempre sometido a unas normas, por esto es muy semejante y
monótono, tan homogéneo. Es un arte estereotipado en el que se valora más la precisión
del acabado que la originalidad. Además, tienen un gran carácter simbólico y mágico.
Los artistas egipcios van a perder en líneas generales en el anonimato, aunque se
conocen algunos artistas ya del Imperio Antiguo, aunque son más los que se conservan
del Imperio Nuevo. De los artistas los más considerados son los arquitectos, que se

4. relacionan con los clientes. Sin embargo, los pintores y escultores son considerados
como simples artesanos.
Va a haber dos tipos de talleres: los talleres oficiales, que están en torno a los palacios y
los templos y es donde se forman los grandes artistas y obras, y los talleres privados,
destinados a clientes que no estuvieran relacionados ni con la monarquía ni con la
religión. De éstos últimos se han conservado muy pocas obras, entre otros motivos
debido a que utilizaban materiales más endebles que los talleres oficiales.
Expresión artística:
Pintura – Aspectos importantes
- Tintas planes y contornos definidos
- Temas profanos y religiosos
- Interior de los templos y tumbas
- Ley de la frontalidad y otros convencionalismos
_ Arte Cretense
Hacia el 2700 a.C. se desarrolló en la isla de Creta una rica y floreciente civilización
comercial perteneciente a la Edad del Bronce. Esta cultura recibe el nombre de minoica
o cretense.
Las características principales de la pintura cretense son:
• Es la manifestación más clara, junto con la escultura, de la delicadeza y la gran
estilización y belleza de este arte.
• Sus precedentes están en Egipto. Es semejante en técnica y en ejecución a estas
pinturas, pero es diferente en los temas y en la ausencia de tantos
convencionalismos, rigidez y no encontramos una jerarquización tan marcada.
Es pintura al fresco, aplicada cuando el muro ya está estucado. Se realiza con
colores minerales disueltos en agua. Se emplean colores vivos, llamativos,
limpios, claros y, a veces, ideales (como el mono azul o delfines de un tono azul
totalmente distinto al real). Se trata de colores planos, sin matices.
• Es una pintura bidimensional. Los temas son humanos, vitalistas, que
demuestran las ganas de vivir de los cretenses. Son temas cotidianos y amables.
Aparece el paisaje, animales (unos reales y otros no, como los grifos), con un
predominio de la fauna marina. También hay temas humanos, unos de rituales,
otros de juegos, etc.
• Las personas aparecen con cuerpos jóvenes, ágiles, planos, atléticos. Se utilizan
colores más claros para la mujer que para el hombre.
• Los fondos son lisos, sin perspectiva y generalmente de un solo color.
• Las figuras presentan los convencionalismos característicos de la pintura
minoica: ausencia de sombras y de perspectiva, figuras de perfil, ojos en
posición frontal, cinturas estrechas, anchos hombros, manos pequeñas, piel
oscura para las figuras masculinas y blanca para las femeninas. La imagen
representa una acción instantánea. La figura del toro, en cambio, es remarcable
por el detallismo anatómico y el efecto de dinamismo y flexibilidad que ofrecen
las curvas de la cabeza, el lomo y la cola. La minuciosidad en la representación

5. del pelo, las pezuñas, los cuernos y las manchas en la coloración del pelaje son
un ejemplo de la maestría del estilo animalístico minoico.
_Arte Persa
El Gran Irán, que corresponde con los actuales estados
de Irán, Afganistán, Tayikistán, Azerbaiyán, Uzbekistán, Baluchistán y las regiones
colindantes, es la cuna de uno de los patrimonios artísticos más ricos del mundo que
comprende diversas disciplinas que incluyen la arquitectura, la pintura, los tejidos,
la cerámica, la caligrafía, la metalurgia y la mampostería.
El historiador de oriente Basil Gray cree que "Irán ha ofrecido un arte único al mundo,
que es excelente dentro de su estilo".
Las cuevas de la provincia iraní de Lorestan exhiben escenas de caza y animales algunas
de las cuales como las de las provincias de Fars y Sialk tienen al menos 5.000 años de
antigüedad.
La pintura en Irán alcanzó su cumbre durante la era Tamerlán cuando destacados
maestros como Kamaleddin Behzad engendraron un nuevo estilo de pintura.
Las pinturas de la dinastía Kayar son una combinación de influencias europeas y las
escuelas de miniaturas del imperio safávida como aquellas introducidas por el Reza
Abbasi. Maestros como Kamal-ol-molk, impulsaron aún más la influencia europea en
Irán. Fue durante la era Kayar cuando la " pintura de la casa de café" apareció. Los
temas que trata este estilo son a menudo religiosos que representan escenas de
epopeyas chiítas y similares.
La culminación de la tarea de organizar sistemáticamente el Imperio Persa fue realizada
por Darío, que introdujo un orden riguroso en la administración del Estado. Este
reconocía como base de sustentación la autoridad real. Los ejércitos en la época de Ciro
estaban formados solo por las tropas reclutadas en su propio país. A medida en que
fueron ocupando países alistaron entre sus pueblos a tropas auxiliares. Su organización
social estaba formada por el Rey, rodeado por nobles terratenientes. Sátrapas
Campesinos, artesanos, comerciantes y esclavos.
_Arte Fenicio
Arte fenicio es la denominación historiográfica del arte de la civilización fenicia, tanto
el de las metrópolis fenicias del Mediterráneo Oriental como el de las colonias fenicias.
Para la producción artística de la principal colonia fenicia, Cartago, suele emplearse el
término arte cartaginés o arte púnico (aunque el término púnico se usa también para
referirse a la totalidad de lo fenicio).
Las producciones artísticas fenicias tienen un fuerte componente artesanal. En
sus esculturas, cerámicas, joyas y objetos de metal, predominaban las
influencias egipcias, con elementos asirios, en un primer periodo (desde el siglo X a.
C. -fecha más antigua que se suele asignar al arte fenicio- hasta el siglo VII a. C.). En un
segundo periodo pasó a predominar la influencia griega, llegando a veces a confundirse
sus producciones con las griegas, aunque, por lo general, se detecta una mayor
tosquedad y eclecticismo del artista fenicio en las obras de sus talleres.

6. Las formas de arquitectura fenicia se infieren más por los dibujos de los sellos y
otros relieves que por las ruinas de sus edificios; aunque no faltan algunos restos de
piezas arquitectónicas hallados en Chipre y Fenicia. Entre éstos, figura el capitel con
volutas, inspirado en el arte oriental y que bien pudo ser el antecesor del orden jónico.
Los templos fenicios (como el de Biblos) se distinguían por tener el santuario sin
cubierta. En él se daba culto a una piedra o betilo que generalmente consistía en
un aerolito de forma cónica (como piedra caída del cielo) situado en medio de la
estancia a la cual precedía un atrio rodeado interiormente de columnas. Era también
característica la forma que los sidonios daban a sus suntuosos sarcófagos de piedra, y
que reproducía el contorno de la figura humana, como los sarcófagos antropoides de
madera egipcios.
Después de repetidas investigaciones realizadas sobre el arte fenicio, se puede afirmar
que no existe con anterioridad al siglo X a. C. pues aunque mucho antes fabricaban y
vendían productos los industriales y mercaderes fenicios su arte no pasaba de ser una
mera imitación del egipcio o asirio y parece que incluso entonces se consideraban sus
artículos como originarios de los artistas que les servían de modelo. Desde dicho siglo
se descubre en las obras fenicias de estatuaria, glíptica, orfebrería, etc. la tendencia a
combinar los estilos orientales en una misma pieza, sobresaliendo el egipcio.
_ Arte Etrusco
El arte etrusco fue la forma de arte figurativo producido por la civilización etrusca que
se desarrolló en el norte de Italia entre el siglo IX y el siglo II a. C. El arte que se
conserva es de carácter funerario, relacionado tanto con la pintura (frescos) como con
la escultura. Destaca en particular esta última, con sarcófagos de terracota a tamaño
natural. También fueron hábiles artesanos, como los que pintaban sobre jarras de
cerámica a imitación de los modelos griegos, y excelentes joyeros y metalúrgicos,
destacando sus espejos de bronce grabados.
Los restos de la civilización etrusca se encuentran repartidos por las regiones italianas
de la Toscana, el Lacio (donde se encuentran las necrópolis de Cerveteri y Tarquinia)
y Umbría.
El arte etrusco es a menudo de carácter religioso y de ahí que se relacione con las
exigencias de la religión etrusca. La vida de ultratumba etrusca era positiva, se
consideraba una continuación de la vida, a diferencia del punto de vista positivo
del antiguo Egipto donde era una continuación de la vida terrenal pero negativa, o las
relaciones de confianza con los dioses propias de la antigua Grecia. Los dioses etruscos
eran indiferentes y tendían a traer buena suerte, de manera que la religión etrusca estaba
centrada en su veneración y la adoración de los difuntos. La mayor parte de los restos de
arte etrusco se encuentran en excavaciones de cementerios (como
en Cerveteri, Tarquinia, Populonia, Orvieto, Vetulonia, Norchia), lo que significa que
vemos el arte etrusco dominado por representaciones de la religión y en particular el
culto funerario, sea o no ello reflejo verdadero del arte etrusco como un todo.
Las pinturas etruscas que han llegado a los tiempos modernos son, en su mayor
parte, frescos murales de tumbas, y principalmente de Tarquinia. Tiene una notable
importancia no tanto por el nivel artístico alcanzado, sino por el hecho de que se trata

7. del más destacado ejemplo de arte figurativo prerromano en Italia. Se ha relacionado
con las culturas del Mediterráneo oriental.
Las cámaras funerarias imitaban el interior de una habitación. Tenían el
techo abovedado o con falsa cúpula y sus paredes se pintaban al fresco. Esta técnica
permite que las pinturas perduren a lo largo de los siglos, ya que al secarse el yeso sobre
el que se aplica el pigmento, la pintura pasa a formar parte de la propia pared.
Retrataban escenas mitológicas y funerarias, como los banquetes funerarios que hacen
de las fiestas un tema común en los frescos de las tumbas etruscas. A veces se
representaban escenas de la vida cotidiana, con danzantes, músicos o jinetes. El estilo
era marcadamente bidimensional, estilizado (formas delineadas en negro), más
de colores vivos y atmósfera jovial. Los pigmentos se obtenían de piedras y minerales
que se molían y mezclaban. Los colores preferidos en la pintura por los etruscos fueron
el rojo, verde y el azul, al parecer porque les asignaban connotaciones religiosas. Los
pinceles se hacían con pelo de animal y eran extremadamente precisos (incluso en la
actualidad, los mejores pinceles se hacen con pelo de buey). Desde mediados
del siglo IV a. C., el claroscuro empezó a usarse para representar la profundidad y el
volumen. El concepto de proporción no aparece en ninguno de los frescos
supervivientes y a menudo se encuentran retratos de animales o de hombres en los que
algunas partes del cuerpo están desproporcionadas. Uno de los frescos etruscos más
conocidos es el de la Tumba de la Leona (Tomba delle Leonesse) en Tarquinia.
En una fase tardía, la actitud festiva ante la muerte cambió, posiblemente por la
influencia del arte griego del periodo clásico, y las figuras muestran un nuevo talante,
pensativo y de incertidumbre hacia el final de la vida.
_ Arte Ibérico
El término arte ibérico se refiere al estilo artístico propio del pueblo ibero, instalado en
la península ibérica. Las mejores manifestaciones son escultóricas, realizadas en piedra
y bronce; los restos conservados en madera y barro cocido, por ser materiales
perecederos, son escasos.
La actividad mejor conocida del arte ibérico es la escultura figurativa, con pequeñas
estatuillas de bronce, utilizadas como ofrendas o exvotos, y estatuas de piedra de mayor
tamaño. Los yacimientos más importantes son los santuarios del Cerro de los Santos y
el de Llano de la Consolación, en Albacete; el santuarios del Collado de los Jardines, en
Despeñaperros (Jaén), en Coy y el del Cigarralejo en Murcia.
Entre las esculturas realizadas en piedra, clasificables según su finalidad funeraria o
religiosa, se encuentra la Dama de Baza y la Dama de Elche (Museo Arqueológico
Nacional de España, en Madrid), que presentan una rica decoración y que sirvieron de
urna funeraria. Posterior a las anteriores, y con finalidad religiosa, es la Gran Dama
Oferente (del siglo III a. C.), procedente del Cerro de los Santos en Montealegre del
Castillo (Albacete), en cuya larga vestimenta de profundos y geométricos pliegues, y en
el frontalismo de su estructura, se aprecian las influencias arcaicas de la plástica griega.
De esta misma época es el León de Coy y la Bicha de Balazote (Museo Arqueológico
Nacional de Madrid), hallada en la localidad albaceteña que le da nombre y relacionada
con los toros antropocéfalos mesopotámicos y seres de aspecto feroz del mundo hitita.

8. _ Arte Greco-Romano
Greco-romano o grecolatino es un concepto que expresa la fuerte identidad entre las
manifestaciones de lo griego y de lo romano en la época clásica y en pervivencia en
todos los aspectos de la Civilización Occidental, sobre todo desde el Renacimiento, que
lo toma expresamente como modelo clásico a imitar.
Los diferentes tipos y formas de columnas dieron origen a los famosos órdenes
arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corintio. En la arquitectura griega no se
empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento sustentador de sus monumentales obras
fueron las columnas. El sistema de construcción utilizado fue el adintelado.
La escultura griega pasa por 3 períodos épocas o fases evolutivas: Arcaica, Clásica y
Helenísta. El escultor tiene libertad de expresión y toda escultura busca y logra la
perfección humana, por tanto es una escultura dedicada a exaltar la fuerza física, la
perfección de los rasgos, el movimiento y la expresión de la divinidad. Su tema central
gira en torno a la figura humana.
En la pintura de los griegos la maestría se manifestaba en los increíbles efectos de
realismo que sabían producir. Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado
son copias y fragmentos que no dan una idea clara de cómo era aquella pintura. Se
destacan: Polignoto, Apolodoro de Atenas, Agatarco de Samos, Zeuxis, Parrasio y
Apeles.
_ Arte Paleocristiana
Al principio, los cristianos utilizan como lugar de reunión el titulus, la casa de un
patricio acomodado. Paralelamente surge el cementerio público situado en las calzadas
de acceso a la ciudad: La Catacumba. Las catacumbas contienen las manifestaciones
más primitivas de la plástica cristiana. Se trata de pinturas que decoraban los techos y
paredes con temas alusivos a la fe cristiana.
El arte paleocristiano evoluciona desde el primitivo aniconismo hacia el descubrimiento
de la utilidad de las imágenes. La claridad y la sencillez son el eje del lenguaje plástico
y de los programas iconográficos. Importa su significado, su valor conceptual. Los
artistas, educados en los métodos descriptivos romanos, se fueron concentrando
progresivamente en lo esencial. Como religión libertadora y salvadora, el cristianismo
recurre a la representación visual para adoctrinar a los fieles. Más que a la perfección
plástica, recurre a símbolos, o a temas de la mitología clásica, pero dotándolos de un
significado cristiano. La simbología y la iconografía cristiana comenzará, en
consecuencia, por unificar dos tendencias: la realista romana y la abstracta oriental.
EDAD MEDIA (S. V al S. XV)
_ Arte Bizantino
El Imperio bizantino, que desarrolló una peculiar concepción artística, ocupó
cronológicamente el periodo de tiempo comprendido entre fines del s. IV d. C. (395,
división del Imperio Romano en dos partes la Occidental y la Oriental) y el s. XV
(1453, Conquista de Constantinopla por los turcos). Su origen tuvo lugar cuando el

9. emperador Constantino “El Grande” fundó en el 330 la nueva Constantinopla sobre la
antigua colonia griega de Bizancio y estableció en ella la capital del Imperio Romano de
Oriente. La separación definitiva de las dos partes del Imperio Romano, la Occidental y
la Oriental, tuvo lugar de forma definitiva a la muerte del emperador Teodosio (392/5)
con la creación de dos Estados : 1) El Imperio Romano de Oriente gobernado por
Arcadio y con capital en Constantinopla. 2) El Imperio Romano de Occidente bajo el
cargo de Honorio y con centro en Roma. Este último sucumbió definitivamente en el s.
V (476, Odoacro depuso al último emperador romano en Occidente) tras las invasiones
de los pueblos germánicos; mientras que la parte oriental se convirtió en el Imperio
Bizantino, conservando la tradición cultural romana (derecho y administración) y la que
se sumaron la griega (lengua y civilización) y la cristiana (creencias y costumbres).
527 - 726, año en el que aparece la querella iconoclasta. La época dorada de este arte
coincide con la época de Justiniano. La querella iconoclasta se prolongó entre los años
726 - 843 y enfrentó a los iconoclastas contra los iconódulos y fue tan violenta que
produjo una crisis artística acentuadísima, especialmente en el arte figurativo.
Los conjuntos iconográficos del arte bizantino no se pueden comprender sin ligarlos a
los ideales cristianos, se trata por tanto de una iconografía religiosa , cuya finalidad y
sentido -tanto en escultura, pintura como en los mosaicos es:
a) Ofrecer una visión decorativa de las principales líneas teológicas. Las escenas
pictóricas de las paredes interiores de las iglesias pretenden enseñar a las personas con
la vista a los que desconocen la escritura o familiarizar a las personas con cultura con
los personajes sagrados. (Finalidad instructiva).
b) Servirse de la imagen o figura humana, por ser la más digna del Cosmos al haberla
elegido Dios para encarnarse su Hijo, para representar a Cristo, La Virgen María,
Apóstoles, Santos/as, etc. Pero esa representación posee ciertos rasgos de abstracción y
desmaterialización, porque los cuerpos simbolizan el alma.
c) Litúrgica (acercar a los fieles al significado de los actos de culto).
d) También ideológica, señalando la imagen de Dios que tenían las personas de esta
época.
_ Arte Islámico
La primacía del mensaje de Mahoma sobre el mensajero en el Islam conlleva que se
desarrolle la escritura como motivo decorativo (la epigrafía). De ahí la tendencia
anicónica latente en el Islam desde los primeros momentos. La representación de
humanos, animales o cualquier otro sujeto figurativo está prohibido dentro del Islam,
para que los creyentes no se conviertan a la idolatría, de ahí que sea difícil encontrar
representaciones religiosas dentro de la cultura musulmana.
La actividad pictórica se vio así reducida a los arabescos, principalmente abstractos, con
configuraciones geométricas o pautas florales o vegetales. Muy relacionada con la
arquitectura y la caligrafía, puede verse ampliamente usada en la pintura de azulejos en
las mezquitas o en las iluminaciones alrededor del texto del Corán y otros libros. De
hecho, el arte abstracto no es una invención del arte moderno sino que se encuentra
presente en culturas preclásicas, bárbaras y no occidentales desde hace siglos y es
esencialmente un arte aplicado o decorativo.

10. A pesar de este tabú, algunos países islámicos cultivaron una rica tradición pictórica, no
de manera aislada, sino como compañera de la palabra escrita. El arte iraní o persa,
conocido ampliamente como miniatura persa. Además, se conservan representaciones
de figuras humanas y animales, particularmente en la cerámica.
La evolución de la pintura islámica va de la línea viva a la línea ideográfica y de esta a
la línea geométrica. Luego los artistas geómetros extendieron el sistema poligonal a
toda la decoración. La pintura islámica está muy ligada al conocimiento de las
matemáticas. Todos los motivos geométricos de la ornamentación se extraen de una
fórmula del polígono. Las figuras geométricas se transformaban en números que,
mediante repeticiones, determinan cadencias. En el despliegue de los arabescos
aparecen figuras centrales que son puntos de partida o de llegada de las líneas por
complicados caminos, lo que da un efecto rítmico. No hay nada de caprichoso en los
caminos de las líneas, todo depende de un criterio de unidad derivado de la idea de un
sólo dios.
_ Prerrománico
Es el arte que se desarrolla en Europa durante la Alta Edad Media desde la caída del
Imperio romano occidental hasta la aparición de las primeras catedrales de
peregrinación. S. V-X. Pueblos germanos destacando los francos con su época de
esplendor: Imperio Carolingio.
• Carolingios:
Su caudillo Carlomagno fue coronado emperador del Sacro Imperio Romano
Germánico quien se propuso recuperar la unidad de Europa sobre una base cristiana
bendecida por el Papa. Desarrolló a su vez un arte inspirado por el antiguo esplendor y
con gran influencia bizantina como ocurre con San Vital de Rávena, copiado en su
capilla Palatina.
Hispania quedó excluida de la influencia carolingia al cerrarle los musulmanes el paso a
Carlomagno. Antes de la invasión árabe, tenemos en la Península el arte visigodo y
durante la Reconquista tres estilos Prerrománicos: arte asturiano, mozárabe y el de
repoblación.
• Arte Visigodo:
Eran una tribu bárbara con influencias bizantinas y bastante romanizada. Eran arrianos
pero en el s.VI el rey Recaredo se convierte al Catolicismo (religión de la mayoría
hispanorromana) usándolo como elemento de unión. En el arte destacaban como
orfebres y joyeros. Se establecieron en Hispania fijando su capital en Toledo.
• Arte asturiano:
Cuando comenzó la invasión árabe un grupo de aristócratas se refugiaron en las
montañas astures. Años después comenzó la Reconquista defendiendo que eran los
legítimos herederos de los territorios que ocupaban los musulmanes y realizando a la
vez recios edificios. La llamada arquitectura asturiana tiene como características: planta
basilical de 3 naves, cabecera tripartita de ábsides rectos y bóvedas de cañón.
_ Arte Románica

11. Desde el siglo VIII, una serie de acontecimientos históricos posibilitaron la renovación
y expansión de la cultura europea: la subida al trono de Francia de los Capetos, la
consolidación y difusión del cristianismo, el inicio de la Reconquista en la Península
Ibérica y, fundamentalmente, el nacimiento de las lenguas románicas, son los hitos que
marcaron este resurgimiento.
Alrededor del año 1000, una expansión generalizada en los ámbitos económico y
cultural propició un importante crecimiento demográfico en las sociedades occidentales,
roturándose nuevas tierras y abriéndose antiguas rutas de comercio, que posibilitaran los
caminos de peregrinación. Toda Europa se vio invadida por una auténtica fiebre
constructiva; se había conseguido formular un arte capaz de representar a toda la
cristiandad: el románico.
Es fundamental la reforma monacal que realizó la orden cluniacense como resultado de
una revisión en profundidad de las comunidades benedictinas. El monasterio de Cluny,
fundado en el año 930, se convierte en el gran centro difusor de la reforma, alcanzando
rápidamente una gran expansión y consiguiendo, a través de sus monasterios, que el arte
románico se difundiera por todo el mundo cristiano europeo. Antes de que la orden de
Cluny capitalizara y extendiera, el románico ya se había desarrollado en Italia, en la
región de Como, en España y Aragón (especialmente en la provincia de Huesca), se
denomina el primer románico. En otros lugares como Cataluña, que recibió mucha
influencia italiana, se formaron bases sólidas para el rico desarrollo de la arquitectura
románica que seguiría el resto de Europa, incluida España. En el Principado de Cataluña
se hicieron los primeros abovedamientos de las iglesias españolas.
Algunas características del importante arte románico catalán son:
• Empleo del arco de medio punto
• Piedra escuadrada pero no pulida
• Cabeceras de semitambor adornadas con arquillos y bandas rítmicamente
dispuestas
• Los templos se cubren con bóvedas pétreas de cañón y horno
• Las naves son más amplias y elevadas, al menos en comparación con antiguos
edificios prerrománicos
• Se emplean los pilares como sustentación
• No hay figuración escultórica
La época dorada del estilo por su calidad y belleza (románico pleno), se extiende en la
última mitad del siglo XI y la primera del XII, procedente de Francia y transmitido
fundamentalmente a través del Camino de Santiago.
Durante la segunda mitad del siglo XII y la primera mitad del siglo XIII, a medida que
las soluciones arquitectónicas se afianzan y mejoran, surge el tardorrománico. Una de
sus expresiones es el llamado arte cisterciense, que se expande con las abadías de la

12. orden del Císter, expresando las concepciones estéticas y espirituales de Bernardo de
Claraval (ausencia de ornamentación y reducción a los elementos estructurales).
_Arte Gótico
El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos
siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del
Renacimiento (siglo XV para Italia), y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el
gótico pervivió más tiempo. Se trata de un amplio período artístico, que surge en el
norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se
desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo
diferenciaciones profundas: más puro en Francia (siendo bien distinto el de París y el de
Provenza), más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia (aunque al norte se
acoge uno de los ejemplos más paradigmáticos, como la catedral de Milán), con
peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra y España.
El arte gótico propiamente dicho coincide en el tiempo con la plenitud y la crisis de la
Edad Media. Se suele indicar que frente al arte románico (que refleja una sociedad
ruralizada de guerreros y campesinos), el gótico coincide con el máximo desarrollo de la
cultura urbana donde aparece la burguesía, las universidades y el florecimiento de las
órdenes religiosas (monásticas como el Cister y mendicantes como franciscanos y
dominicos), así como la acentuación de los conflictos y la disidencia (revueltas
populares, herejías, desarrollo y crisis de la escolástica, Cisma de Occidente) y
finalmente los pavorosos espectáculos de la Peste Negra y la Guerra de los Cien Años
en un mundo tan cambiante que sólo puede entenderse en términos de una mutación
fundamental (para la historiografía materialista, la transición del feudalismo al
capitalismo).
Un estilo de pintura que pueda llamarse “gótico” no apareció hasta alrededor de 1200, o
casi 50 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La
transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, pero
podemos ver los comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el
periodo previo. Esta transición ocurre primero en Inglaterra y Francia alrededor de
1200, en Alemania en torno a 1220 e Italia alrededor de 1300.
Es usual indicar que, mientras en el románico las representaciones figurativas son
simplificadas e idealizadas, en el gótico se tiende a aumentar el realismo y naturalismo,
aproximándose a la imitación a la naturaleza que será el ideal del renacimiento,
incluyendo la representación de paisajes, que, no obstante, sigue siendo poco usual.
En el gótico, en correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas
(recuperación de la filosofía de Aristóteles a través del averroísmo, humanismo de San
Francisco de Asís) se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos
(los santos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino,
dejándoles demostrar emociones (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo
y formalismo románico.
EDAD MODERNA

13. La Edad Moderna sería el periodo en que triunfan los valores de la modernidad (el
progreso, la comunicación, la razón) frente al periodo anterior, la Edad Media, que el
tópico identifica con una Edad Oscura o paréntesis de atraso, aislamiento y
oscurantismo. El espíritu de la Edad Moderna buscaría su referente en un pasado
anterior, la Edad Antigua identificada como Época Clásica. La fecha de inicio más
aceptada es la toma de Constantinopla por los turcos en el año 1453 -coincidente en el
tiempo con la invención de la imprenta, el desarrollo del Humanismo y el
Renacimiento, procesos a los que contribuyó por la llegada a Italia de exiliados
bizantinos y textos clásicos griegos-. Tradicionalmente también se usa el
Descubrimiento de América (1492) porqué está considerado como uno de los hitos más
significativos de la historia de la Humanidad, el inicio de la globalización y en su época
una completa revolución, similar a como la llegada del hombre a la Luna inauguró la era
espacial. En cuanto a su final, la historiografía anglosajona asume que estamos aún en la
Edad Moderna (identificando al periodo XV al XVIII), mientras que las historiografías
más influidas por la francesa denominan el periodo posterior a la Revolución francesa
(1789) como Edad Contemporánea. Como hito de separación también se han propuesto
otros hechos: la independencia de los Estados Unidos (1776), la Guerra de
Independencia Española (1808) o las guerras de independencia hispanoamericanas
(1809-1824). Como suele suceder, estas fechas o hitos son meramente indicativos, ya
que no hubo un paso brusco de las características de un período histórico a otro, sino
una transición gradual y por etapas, aunque la coincidencia de cambios bruscos,
violentos y decisivos en las décadas finales del siglo XVIII y primeras del XIX también
permite hablar de la Era de la Revolución. Por eso, deben tomarse todas estas fechas
con un criterio más bien pedagógico. La Edad Moderna transcurre más o menos desde
mediados del siglo XV a finales del siglo XVIII. Elemento consustancial a la Edad
Moderna (especialmente en Europa, primer motor de los cambios) es su carácter
transformador, paulatino, dubitativo incluso, pero decisivo, de las estructuras
económicas, sociales, políticas e ideológicas propias de la Edad Media. Al contrario de
lo que ocurrirá con los cambios revolucionarios propios de la Edad Contemporánea, en
que la dinámica histórica se acelera extraordinariamente, en la Edad Moderna la inercia
del pasado y el ritmo de los cambios son lentos, propios de los fenómenos de larga
duración. Como se indica arriba, no hubo un paso brusco de la Edad Media a la época
moderna, sino una transición. Los principales fenómenos históricos asociados a la
Modernidad (capitalismo, humanismo, estados nacionales, etcétera) venían
preparándose desde mucho antes, aunque fue en el paso de los siglos XV a XVI en
donde confluyeron para crear una etapa histórica nueva. Estos cambios se produjeron
simultáneamente en varias áreas distintas que se retroalimentaban: en lo económico con
el desarrollo del capitalismo; en lo político con el surgimiento de estados nacionales y
de los primeros imperios ultramarinos; en lo bélico con los cambios en la estrategia
militar derivados del uso de la pólvora; en lo artístico con el Renacimiento, en lo
religioso con la Reforma Protestante; en lo filosófico con el Humanismo, el surgimiento
de una filosofía secular que reemplazó a la Escolástica medieval y proporcionó un
nuevo concepto del hombre y la sociedad; en lo científico con el abandono del magister

14. dixit y el desarrollo de la investigación empírica de la ciencia moderna, que a la larga se
interconectará con la tecnología de la Revolución industrial. Ya para el siglo XVII, estas
fuerzas disolventes habían cambiado la faz de Europa, sobre todo en su parte
noroccidental, aunque estaban aún muy lejos de relegar a los actores sociales
tradicionales de la Edad Media (el clero y la nobleza) al papel de meros comparsas de
los nuevos protagonistas: el Estado moderno, y la burguesía.
Desde una perspectiva materialista, se entiende que este proceso de transformación
empezó con el desarrollo de las fuerzas productivas, en un contexto de aumento de la
población (con altibajos, desigual en cada continente y aún sometida a la mortalidad
catastrófica propia del el Antiguo Régimen demográfico, por lo que no puede
compararse a la explosión demográfica de la Edad Contemporánea). Se produce el paso
de una economía abrumadoramente agraria y rural, base de un sistema social y político
feudal, a otra que sin dejar de serlo mayoritariamente, añadía una nueva dimensión
comercial y urbana, base de un sistema político que se va articulando en estados-nación
(la monarquía en sus variantes autoritaria, absoluta y en algunos casos parlamentaria);
cambio cuyo inicio puede detectarse desde fechas tan tempranas como las de la llamada
revolución del siglo XII y que se precipitó con la crisis del siglo XIV, cuando se abre la
transición del feudalismo al capitalismo que no se cerrará hasta el siglo XIX. El nuevo
actor social que aparece y al que pueden asociarse los nuevos valores ideológicos (el
individualismo, el trabajo, el mercado, el progreso) fue la burguesía. No obstante, el
predominio social de clero y nobleza no es discutido seriamente durante la mayor parte
de la Edad, y los valores tradicionales (el honor y la fama de los nobles, la pobreza,
obediencia y castidad de los votos monásticos) son los que se imponen como ideología
dominante, que justifica la persistencia de una sociedad estamental. Hay historiadores
que niegan incluso que la categoría social de clase (definida con criterios económicos)
sea aplicable a la sociedad de la Edad Moderna, que prefieren definir como una
sociedad de órdenes (definida por el prestigio y las relaciones clientelares). Pero desde
una perspectiva más amplia, considerando el periodo en su conjunto, es innegable que
poderosas fuerzas, aquéllas en que se basan esos nuevos valores, estaban en conflicto y
chocaron, a la velocidad de los continentes, con las grandes estructuras históricas
propias de la Edad Media (la Iglesia Católica, el Imperio, los feudos, la servidumbre, el
privilegio) y otras que se expandieron durante la Edad Moderna, como la colonia, la
esclavitud y el racismo eurocentrista. La Era de las Revoluciones fue un cataclismo final
que no se produjo sino cuando se hubo concentrado una energía suficiente.
Mientras este conflicto secular se desarrollaba en Europa, la totalidad del mundo,
conscientemente o no, fue afectada por la expansión europea. Como se ha visto en
Secuenciación, para el mundo extraeuropeo la Edad Moderna significa la irrupción de
Europa, en mayor o menor medida según el continente y la civilización, a excepción de
una vieja conocida, la islámica, cuyo campeón, el Imperio Turco, se mantuvo durante
todo el periodo como su rival geoestratégico. Para América la Edad Moderna significa
tanto la irrupción de Europa como la gesta de la independencia que dio origen a los
nuevos estados nacionales americanos.
_Renacimiento

15. Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en
Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el
campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto
naturales como humanas. Italia fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este
movimiento. El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que
determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El nombre
“renacimiento” se utilizó porque este movimiento retomaba ciertos elementos de la
cultura clásica. El término se aplicó originariamente como una vuelta a los valores de la
cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de predominio
de un tipo de mentalidad más rígida y dogmática establecida en la Europa de la Edad
Media. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, con
nuevos enfoques en los campos de las artes, la política y las ciencias, sustituyendo el
teocentrismo medieval por cierto antropocentrismo.
Su desarrollo coincidió con el inicio de la Edad Moderna, marcada por la consolidación
de los Estados europeos, los viajes transoceánicos que pusieron en contacto a Europa y
América, la descomposición del feudalismo, el ascenso de la burguesía y la afirmación
del capitalismo. El desmembramiento de la cristiandad con el surgimiento de la
Reforma protestante, la introducción de la imprenta, entre 1460 y 1480, y la
consiguiente difusión de la cultura fueron uno de los motores del cambio. El
determinante, sin embargo, de este cambio social y cultural fue el desarrollo económico
europeo, con los primeros atisbos del capitalismo mercantil. En este clima cultural de
renovación, que paradójicamente buscaba sus modelos en la Antigüedad Clásica, surgió
a principios del siglo XV un renacimiento artístico en Italia, de empuje extraordinario,
que se extendería de inmediato a otros países de Europa.
El artista tomó conciencia de individuo con valor y personalidad propios, se vio atraído
por el saber y comenzó a estudiar los modelos de la antigüedad clásica a la vez que
investigaba nuevas técnicas (claroscuro en pintura, por ejemplo). Se desarrollan
enormemente las formas de representar la perspectiva y el mundo natural con fidelidad;
interesan especialmente en la anatomía humana y las técnicas de construcción
arquitectónica. El paradigma de esta nueva actitud es Leonardo da Vinci, personalidad
eminentemente renacentista, quien dominó distintas ramas del saber, pero del mismo
modo Miguel Ángel Buonarroti, Rafael Sanzio, Sandro Botticelli y Bramante fueron
artistas conmovidos por la imagen de la Antigüedad y preocupados por desarrollar
nuevas técnicas escultóricas, pictóricas y arquitectónicas, así como por la música, la
poesía y la nueva sensibilidad humanística. Todo esto formó parte del renacimiento en
las artes en Italia.
En pintura, las novedades del Renacimiento se introducirán de forma paulatina pero
irreversible a partir del siglo XV. Un antecedente de las mismas fue Giotto (1267-1337),
pintor aún dentro de la órbita del Gótico, pero que desarrolló en sus pinturas conceptos
como volumen tridimensional, perspectiva, naturalismo, que alejan su obra de los
rígidos modos de la tradición bizantina y gótica y preludian el Renacimiento pictórico.
En el Quattrocento (siglo XV), se recogen todas estas novedades y se adaptan a la nueva
mentalidad humanista y burguesa que se expandía por las ciudades-estado italianas. Los
pintores, aun tratando temas religiosos la mayoría de ellos, introducen también en sus

16. obras la mitología, la alegoría y el retrato, que se desarrollará a partir de ahora
enormemente. Una búsqueda constante de los pintores de esta época será la perspectiva,
objeto de estudio y reflexión para muchos artistas: se trató de llegar a la ilusión de
espacio tridimensional de una forma científica y reglada. La pintura cuatrocentista es
una época de experimentación; las pinturas abandonan lenta y progresivamente la
rigidez gótica y se aproximan cada vez más a la realidad. Aparece la naturaleza
retratada en los fondos de las composiciones, y se introducen los desnudos en las
figuras. Los pintores más destacados de esta época serán: en Florencia, Fra Angélico,
Masaccio, Benozzo Gozzoli, Piero della Francesca, Filippo Lippi, Paolo Uccello. En
Umbría, Perugino. En Padua, Mantegna, y en Venecia Giovanni Bellini. Por encima de
todos ellos destaca Sandro Botticelli, autor de alegorías, delicadas Maddonas y asuntos
mitológicos. Su estilo dulce, muy atento a la belleza y sensibilidad femeninas, y
predominantemente dibujístico, caracterizan la escuela florentina de pintura y toda esta
época. Otros autores del Quattrocento italiano son Andrea del Castagno, Antonio
Pollaiuolo, il Pinturicchio, Domenico Ghirlandaio, Cima da Conegliano, Luca
Signorelli, Cosme Tura, Vincenzo Foppa, Alessio Baldovinetti, Vittore Carpaccio, y en
el sur de la península, Antonello da Messina.
El Cinquecento (siglo XVI) fue la etapa culminante de la pintura renacentista, y
denominada por ello a veces como Clasicismo. Los pintores asimilan las novedades y la
experimentación cuatrocentistas y las llevan a nuevas cimas creativas. En este momento
aparecen grandes maestros, cuyo trabajo servirá de modelo a los artistas durante siglos.
_ Manierismo
El manierismo es un estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto
Renacimiento (1530) hasta los comienzos del período Barroco, aproximadamente hacia
el año 1600.
El manierismo se originó en Venecia gracias a los mercaderes y en Roma gracias a los
papas Julio II y León X, pero finalmente se extendió hasta España, Europa central y
Europa del norte. Se trataba de una reacción anticlásica que cuestionaba la validez del
ideal de belleza defendido en el Alto Renacimiento. El manierismo se preocupaba por
solucionar problemas artísticos intrincados, como desnudos retratados en posturas
complicadas. Las figuras en las obras manieristas tienen frecuentemente extremidades
graciosas pero raramente alargadas, cabezas pequeñas y semblante estilizado, mientras
sus posturas parecen difíciles o artificiales.
_ Barroco
El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva
forma de concebir las artes visuales (el “estilo barroco”) y que, partiendo desde
diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos:
literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Se manifestó
principalmente en Europa occidental, aunque debido al colonialismo también se dio en
numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en Latinoamérica.
Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o
menor prolongación en el tiempo dependiendo de cada país. Se suele situar entre el

17. Manierismo y el Rococó, en una época caracterizada por fuertes disputas religiosas
entre países católicos y protestantes, así como marcadas diferencias políticas entre los
estados absolutistas y los parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a
poner los cimientos del capitalismo. El siglo XVII fue por lo general una época de
depresión económica, consecuencia de la prolongada expansión del siglo anterior
causada principalmente por el descubrimiento de América. Las malas cosechas
conllevaron el aumento del precio del trigo y demás productos básicos, con las
subsiguientes hambrunas. El comercio se estancó, especialmente en el área
mediterránea, y solo floreció en Inglaterra y Países Bajos gracias al comercio con
Oriente y la creación de grandes compañías comerciales, que sentaron las bases del
capitalismo y el auge de la burguesía. La mala situación económica se agravó con las
plagas de peste que asolaron Europa a mediados del siglo XVII, que afectaron
especialmente a la zona mediterránea. Otro factor que generó miseria y pobreza fueron
las guerras, provocadas en su mayoría por el enfrentamiento entre católicos y
protestantes, como es el caso de la Guerra de los Treinta Años (1618-1648). Todos estos
factores provocaron una grave depauperación de la población; en muchos países, el
número de pobres y mendigos llegó a alcanzar la cuarta parte de la población.
Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma. Para reaccionar
contra la severidad e iconoclastia del Protestantismo, la Iglesia Católica alentó la
edificación de templos con profusión de escultura.
También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos que tanta aceptación
tuvieron durante el Renacimiento, así como evitar los desnudos y las escenas
escandalosas.
Tanto en las artes visuales como en la música, la influencia de la Iglesia sobre los
artistas iba dirigida a emocionar y enardecer la devoción mediante estímulos
psicológicos.
_Rococó
El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma
progresiva entre aproximadamente los años 1730 y 1760.
El rococó es definido como un arte individualista, antiformalista y cortesano. Se
caracteriza por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las
formas inspiradas en la naturaleza, la mitología, la belleza de los cuerpos desnudos, el
arte oriental y especialmente en los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente
mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y las relaciones
humanas, un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.
Si lo Barroco estaba al servicio del poder absolutista, el Rococó está al servicio de la
aristocracia y la burguesía. El artista pasa a trabajar con más libertad y se expande el
mercado del arte. El rococó se presenta como un arte al servicio de la comodidad, el
lujo y la fiesta. Las escenas de su pintura recogen este nuevo estilo de vida.
Con respecto a la vertiente social, se inicia un cambio en el papel de la mujer, que se
convierte en organizadora de reuniones para hablar de literatura, política, juegos de
ingenio o para bailar. Este entorno de alta actividad social dentro de la alta burguesía es
el lugar adecuado para que los artistas se promocionen y hagan clientes. Los motivos

18. del Rococó buscan reproducir el sentimiento típico de la vida aristocrática, libre de
preocupaciones, o de novela ligera, más que batallas heroicas o figuras religiosas.
_ Neoclasicismo
El término Neoclasicismo (del griego “neos”, latín “classicus” y griego “ismos”) surgió
en el siglo XVIII para denominar de forma peyorativa al movimiento estético que venía
a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados
del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía, y que consecuentemente se habían
transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Sin embargo, después de la caída de
Napoleón los artistas no tardaron en cambiar sus ideas hacia el Romanticismo y el
Neoclasicismo fue abandonado. Es estética neoclásica. Obras como el Juramento de los
Horacios plantean un espacio preciso en el que los personajes se sitúan en un primer
plano; el predominio del dibujo. El trabajo está cargado de simbolismo: la figura en el
centro representa la verdad rodeada por una luz brillante (el símbolo central de la
iluminación). Otras dos figuras a la derecha, la razón y la filosofía, están rasgando el
velo que cubre verdad.
_ Prerromanticismo
El prerromanticismo fue un movimiento literario que se desarrolla en Europa a lo largo
del siglo XVIII y cuyo ocaso transcurre en las últimas décadas de la centuria, en total
oposición al Neoclasicismo. En el Prerromanticismo se dan los siguientes caracteres,
que lo separan del Neoclasicismo:
• Afirma el predominio del sentimiento frente a la razón. En sus obras, los
escritores expresan sus sentimientos más tristes y exaltados.
• Rechazan las "reglas", aunque algunos escritores prerrománticos las aceptan.
• Frente a la naturaleza arreglada y tranquila típica de los escritores neoclasicistas,
los prerrománticos y más tarde los románticos prefieren lugares esotéricos y
misteriosos, como cementerios, escenas nocturnas, tormentas, apariciones de
fantasmas, etc.
EDAD CONTEMPORÁNEO
El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época:
el arte actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo
históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse cada
vez más en el pasado del espectador contemporáneo. El concepto de
la contemporaneidad aplicado al arte puede ser entendido de diferentes maneras:
• Extendido al arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales
del siglo XVIII)
• Limitado:
• al arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias artísticas);
• al arte del mundo actual, que en el momento que se definió como
término historiográfico se entendía era el posterior a la Segunda Guerra

19. Mundial -1945- (la mayor parte de los museos de arte suelen denominar arte
contemporáneo a las colecciones de ese período) y actualmente se entiende
que es el surgido de la caída del muro de Berlín -1989-;
• al arte surgido en la historia inmediata del más cercano presente, tomando
como hito, por ejemplo, el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York -
2001-.
Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no se aplica al Arte de la Edad
Moderna (siglos XV al XVIII), sino a nuestro arte contemporáneo, porque se aplica no
con un criterio cronológico (periodización), sino estético, definido por su ruptura con el
academicismo y por su adecuación a renovadas y provocativas teorías del arte (arte
deshumanizado, arte puro, muerte del arte, crisis del objeto artístico, arte independiente,
etc.
Lo mismo ocurre con los conceptos de moderno y contemporáneo aplicados a cada una
de las bellas artes (especialmente de las artes visuales: arquitectura moderna,
arquitectura contemporánea, pintura moderna y pintura contemporánea, escultura
moderna o escultura contemporánea); o con el menos usado concepto de arte
postmoderno (desde 1970).
Para las demás bellas artes, esta adjetivación no se usa de forma similar: literatura
moderna y literatura contemporánea denotan significados bien diferentes. De forma
mucho más clara, el concepto de música moderna suele reservarse para la música
popular moderna de la industria musical de consumo masivo; mientras que el de música
contemporánea se hace para el de música culta o música clásica del siglo XX. La
expresión danza moderna se suele utilizar de modo intercambiable con danza
contemporánea, y se opone cronológica y estilísticamente a otros géneros de danza,
como la danza clásica (ballet) y la danza española, con los que comparte la condición
de baile culto o admisible en las instituciones culturales (junto a la ópera o los
conciertos de música culta); pero la expresión "baile moderno" (especialmente en
plural: "bailes modernos") se utiliza habitualmente para los tipos de baile con menor
identificación con tales instituciones (los bailes de salón y el baile juvenil de
las discotecas). El surgimiento del cine (séptimo arte) a finales del siglo XIX,
previamente de la fotografía, y posteriormente del cómic, hace poco útil la calificación
de modernas o contemporáneas a ninguna parte de sus producciones.
Es muy común que publicaciones e instituciones asimilen ambas denominaciones,
englobándolas en el concepto conjunto de Arte moderno y contemporáneo.
_ Romanticismo
Tras la Revolución Francesa se desencadenan una serie de cambios culturales e
intelectuales, en paralelo con las transformaciones sociales y políticas de la revolución
burguesa y las económicas de la revolución industrial, que se van a reflejar en los
movimientos artísticos siglo XIX.
Los estilos del siglo XVIII, el neoclasicismo y el rococó, simultáneos
al prerromanticismo, dieron paso a partir de 1815 (Congreso de Viena, derrota de

20. Napoleón en la batalla de Waterloo y Restauración absolutista) al movimiento
romántico, expresado en pintura con el impactante La balsa de la Medusa de Gericault,
que rompe con las convenciones estéticas del buen gusto académico al presentar en
primer plano cadáveres putrefactos de los que se alimentan unos desesperados
náufragos. Delacroix fijará icónicamente el protagonismo de las masas en la historia con
su La Libertad guiando al pueblo donde refleja las barricadas de las tres gloriosas
jornadas de la revolución de 1830 en París. Por su parte, William Turner y William
Blake realizan su propia renovación de la tradición pictórica inglesa, y Caspar David
Friedrichde la alemana.
Las artes y los artistas se pretenden liberar de las formas y los modelos clásicos para
lograr un arte más espontáneo, vivo y personal. El artista busca su clientela en un
público burgués que sancionará su éxito con la demanda de su obra en un mercado de
arte cada vez más animado; y ya no tanto en los patrones tradicionales (nobleza, clero,
monarquía).
_ Vanguardia
Las denominadas vanguardias históricas de la primera mitad del siglo XX tienen su
fecha de nacimiento en la irrupción de los fauves en el Salón de Otoño parisino de 1905.
La fuerte personalidad y voluntad de estilo de los artistas hace imposible clasificar a
muchos de ellos en un sólo estilo o movimiento. A ello también contribuye lo efímero
de algunos de estos, que agotan su capacidad de atracción o su impacto provocativo en
pocos años. Por ejemplo, Picasso suele ser clasificado en fases o épocas (azul, rosa,
cubista, de los ballets rusos, surrealista, de la Suite Vollard, del Gernica, de Vallauris,
etc.) que por su extraordinaria diversidad y fecundidad parecerían obra de varios artistas
diferentes. Además, como en el Renacimiento, muchos de estos artistas no se limitan a
un arte, y son a la vez pintores, grabadores, escultores, fotógrafos, cineastas, etc.
Especialmente en el caso de los arquitectos, cuya formación profesional (en diálogo y a
veces debate con la de los ingenieros) les empuja a expresarse en todas las dimensiones
del espacio (urbanismo, interiorismo, diseño industrial, etc.) y de las otras artes
plásticas.
Vanguardias anteriores a la Primera Guerra Mundial:
• El fovismo, también conocido como fauvismo, en francés fauvisme, (1904-
1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo
provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en
español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcellesal conjunto de obras
presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este
movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se
ha relacionado con la utilización libre del color.
• El futurismo fue el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística,
fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du
Futurisme, publicado el 20 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París.
• El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido
en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una

21. tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX.
No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura
tradicional. El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis
Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos
de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles
dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por “pequeños cubos”.
Se originó así el concepto de cubismo.
• El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios
del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes
plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera
manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la
aparición del fovismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos
artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”.
Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento
heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos
artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual.
Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter
positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas
defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior
del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la
“impresión”–.
• El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para
expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a
la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.
Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y
espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de
diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El
Greco o Francisco de Goya. Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben
“expresionismo” –en minúsculas– como término genérico y “Expresionismo” –
en mayúsculas– para el movimiento alemán.
Vanguardias anteriores a la Crisis de 1929:
• Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo,
que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos,
formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas,
alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de
lo natural (mimesis); rechaza cualquier forma de copia de
cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.
El concepto de arte abstracto se aplica a muchas y distintas artes visuales: pintura
(pintura abstracta), escultura (escultura abstracta) y artes gráficas (artes gráficas
abstractas). Su aplicación a otras artes plásticas, como la arquitectura (arquitectura
abstracta) o a artes no plásticas (música abstracta, danza abstracta o literatura abstracta),
es menos evidente, pero existe uso bibliográfico de tales expresiones.

22. • El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret
Voltaire en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los
primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara que
llegaría a ser el emblema del Dadaísmo. Una característica fundamental del
Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. El
Dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y
artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte. Su
actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas, desde
la poesía a la escultura pasando por la pintura o la música.
• El art déco (también art decó o incluso art deco) fue un movimiento de diseño
popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década
de 1950 en algunos países) que influyó las artes decorativas tales como
arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes
visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía.
• Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses
(Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice
Dufrene y Emile Decour) formaron un colectivo formal de vanguardia. En 1925
organizaron la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels
Modernes (Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales
Modernas) en París, y se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el
término “art déco” se acuñó en la retrospectiva titulada "Les Annés 25", llevada
a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs (Museo de Artes Decorativas)
del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966; el término es por lo tanto un apócope de
la palabra francesa décoratif. En inglés suele suprimirse el acento y se escribe
"deco". En español, la RAE lo ha normalizado como art déco, con la tilde en la
«e».
Vanguardias y "Antivanguardias" anteriores a la Segunda Guerra Mundial:
• Surrealismo, emparentado estrechamente con dadá, proviene de la aplicación al
arte de la teoría psicoanalítica de Freud por un grupo intelectual muy
cohesionado en torno a André Bretón (entre el primer -1924- y el segundo
-1929-manifiesto surrealista), cuya ruptura no disminuyó sino que extendió el
impacto artístico del movimiento (Giorgio de Chirico, René Magritte, Salvador
Dalí, Joan Miró, Escher).
• Indigenismo ecuatoriano, enraizado en el arte precolombino y el romanticismo
decimonónico. Algunos de sus cultores más notables fueron Camilo
Egas, Eduardo Kingman, Oswaldo Viteri y Oswaldo Guayasamín).
• Muralismo mexicano, representado por la tríada de fuertes personalidades
(muchas veces enfrentados entre sí) formada por José Clemente Orozco, Diego
Rivera y David Alfaro Siqueiros. Otros artistas mexicanos, vinculados al
movimiento muralista, aplicaron técnicas y estilo diferentes, como Frida Kahlo.
• Organicismo arquitectónico (con precedentes como Louis Sullivan, Rudolf
Steiner, Antoni Gaudí o el urbanista Arturo Soria -proyecto de ciudad lineal en

23. Madrid-, se desarrolló por Frank Lloyd Wright, Erik Gunnar Asplund o Alvar
Aalto; posteriormente Bruno Zevi y otros).
• El funcionalismo racionalista continuó con el denominado Estilo Internacional,
representado por el Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (reunido
en varias ocasiones, entre 1928 y 1959) y particularmente por la Exhibición
Internacional de Arquitectura Moderna de 1932 organizada por Philip
Johnson en el MOMA de Nueva York, que pretendía conciliar las diferentes
tendencias arquitectónicas de lo que venía denominándose Arquitectura
Moderna o Movimiento Moderno.
Desde una perspectiva completamente antivanguardista, los artes impulsados desde el
poder por los regímenes totalitarios:
• Realismo socialista. El estalinismo optó por impulsar un arte fácilmente
comprensible por las masas, tras las experiencias vanguardistas de los años
veinte (constructivismo), que pasaron a calificarse de elitismo burgués.
• Arte nazi (en:Art of the Third Reich), en la Alemania nazi de los años treinta y
cuarenta. Se definía como arte ario, propio de una raza superior y opuesto al arte
degenerado (que identificaba como el arte de los deficientes mentales y de
las razas inferiores, y definía como una degeneración del gusto artístico que los
judíos pretenderían imponer con la etiquetas
de vanguardia, abstracto o expresionista).
• El arte fascista, entendido como el realizado en el periodo de entreguerras en
la Italia fascista, incluso impulsado por el movimiento fascista, fue mucho más
diverso, incluyendo manifestaciones vanguardistas como el futurismo y
de arquitectura racionalista, pero también manifestaciones clasicistas más
cercanas al arte nazi.
_ Impresionismo
Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes, como la música y
la literatura, su vertiente más conocida y aquella que fue la precursora, es
la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de
la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado,
a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante,
sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores
pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá
de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como
Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol
naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave
en el desarrollo del arte posterior, especialmente del post-impresionismo y
las vanguardias.
El arte "más contemporáneo", desde 1975: deconstrucción y postmodernidad
• hiperrealismo (Chuck Close, Gerhard Richter, Antonio López García)
• neofiguración, ya desarrollada décadas antes, es revalorada a partir del último
cuarto del siglo XX (Lucian Freud,Francis Bacon)

24. • instalaciones
• arte postmoderno
• deconstrucción
• art bin (arte del cubo de basura)
• El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en
Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la
realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde
con el fotorrealismo que es menos radical. El término hiperrealismo es también
aplicable a la escultura y la historieta (Luis García, Alex Ross, etc.).
• La Neofiguración o Pintura Neofigurativa es un movimiento artístico de la
segunda mitad del siglo XX, caracterizado por una vuelta a la pintura figurativa
frente a la abstracción, aunque los pintores tratan el tema de una
manera informal y de manera expresionista. Surge como reacción al arte
abstracto tras la Segunda Guerra Mundial, en especial durante los años
1950 y 1960. El término “neo” y “figurativo” surgió en los años
sesenta en México y España para representar una nueva forma de arte figurativo.
En España se desarrolló hasta el año 1965, momento en el que se pasó a
la figuración narrativa.
• Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a
tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1960. Las instalaciones
incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en
un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan
directamente el espacio de exposición, a menudo la obra es transitable por el
espectador y este puede interaccionar con ella. Las intervenciones en espacios
naturales que incorporan el paisaje como parte integrante de la obra suelen
enmarcarse en el denominado Land Art o arte de la tierra.
_ Arte Posmoderno
El arte posmoderno, por oposición al denominado arte moderno, es el arte propio de
la postmodernidad, teoría socio-cultural que postula la actual vigencia de un periodo
histórico que habría superado el proyecto moderno, es decir, la raíz cultural, política y
económica propia de la Edad Contemporánea, marcada en lo cultural por la Ilustración,
en lo político por la Revolución francesa y en lo económico por la Revolución
industrial.