La pintura del siglo XIX
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La pintura del siglo XIX

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Presentación en imágenes sobre la pintura del siglo XIX: romanticismo, realismo e impresionismo.

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La pintura del siglo XIX La pintura del siglo XIX Presentation Transcript

  • LA PINTURA DEL SIGLO XIX HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO
  • 1. INTRODUCCIÓN  El siglo XIX fue una época de grandes cambios económicos, políticos y sociales que sentaron las bases del mundo moderno.
  • 1. INTRODUCCIÓN  Se produjo la desaparición del Antiguo Régimen y la construcción de una nueva sociedad burguesa con unos proyectos liberales y nacionalistas. La base del poder de la burguesía era su creciente importancia económica conquistada a través de los avances de la Revolución Industrial. Al mismo tiempo que se desarrollaba la burguesía, una nueva clase obrera, surgida en las fábricas creadas por la burguesía, comenzaba su andadura política. En 1848 Marx y Engels publicaron el Manifiesto Comunista. Las nuevas revoluciones, como la 1848 o la de la Comuna de París, tuvieron ya impronta obrera.
  • 1. INTRODUCCIÓN  En este contexto histórico, en el que revoluciones y cambios políticos se sucedían a un ritmo acelerado, se desarrollaron también movimientos culturales profundamente comprometidos con su época. En el siglo XIX se sucedieron tres grandes fases artísticas, cuyas cesuras coinciden con fechas históricas revolucionarias:  Hasta 1848, es la época del Romanticismo que coexiste con el Neoclasicismo.  Entre 1848 y 1871, asistimos al auge del Realismo.  En el último tercio del siglo, se desarrolla el Impresionismo.
  • 1. INTRODUCCIÓN  Desde el punto de vista artístico se produjo en el siglo XIX un cambio en el mercado del arte, con una clientela cada vez más amplia y la aparición de los merchantes, que vendían las obras de los artistas; surgieron también la crítica artística, la litografía y la fotografía, que fueron un acicate para la creatividad. Podemos señalar que gran parte de lo que llamamos la modernidad es obra del siglo XIX.
  • 2. EL ROMANTICISMO
  • 2.1. Características  El Romanticismo es un movimiento cultural, surgido en Francia, que afecta a la arquitectura, la pintura, la literatura y la música. Es un grito de libertad, en palabras de Víctor Hugo en el prólogo de su drama Hernani.
  • 2.1. Características  Una de las dificultades en la delimitación de la pintura romántica es la inexistencia de un lenguaje plástico común pues, al ser los pintores enemigos de toda norma, presentan un abanico de respuestas individuales.
  • 2.1. Características  Podemos establecer rasgos comunes para caracterizar la pintura romántica, por oposición al clasicismo:  El predominio del color sobre la línea. El color, a diferencia del Neoclasicismo, se libera del dibujo, de la forma, de los límites definidos.  La composición libre y dinámica, que no se sujeta a las viejas normas de armonía y equilibrio.  La sensación de movimiento frente a la solemnidad y majestuosidad clásicas.  Gestos dramáticos en los personajes.
  • 2.2. Tendencias y autores  En la temática es donde mejor se expresa la originalidad romántica, por la apertura a nuevas realidades y la importancia de lo subjetivo. Las direcciones fundamentales que impulsan al apasionado pintor romántico son:
  • 2.2. Tendencias y autores  El género histórico, que se impone en las Exposiciones Nacionales. Es el caso de España con numerosas obras dedicadas al tema de Colón. El pintor más destacado es Eduardo Rosales autor del Testamento de Isabel I la Católica. El nacionalismo en España se manifiesta también en el costumbrismo, sobre todo el andaluz, en representaciones de fiestas, toros…
  • Isabel II, de Federico de Madrazo Federico de Madrazo, autor de más de quinientos retratos, realizó este, uno de los muchos que hiciera de la reina. Fue su pintor de cámara, y su rostro parece encajar especialmente en el interés del pintor por componer mediante armonías de curvas musicales de la escuela nazarena. Heredero de una larga tradición en el retrato regio que prima la pintura de calidades y el detallismo en la ambientación, ha sido Madrazo considerado el más fiel intérprete de la sociedad isabelina.
  • Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros, de Antonio Gisbert
  • Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros, de Antonio Gisbert El Fusilamiento de Torrijos nos narra la ejecución de un importante personaje afín a los ideales liberales del Partido Progresista en la España de la segunda mitad del XIX. Junto a Torrijos fueron fusilados muchos de sus compañeros, que el pintor utiliza para mostrar la entereza y valentía del ser humano ante la proximidad de la muerte. Torrijos, como el héroe que encarna, se niega a ser vendado por sus verdugos y encara la muerte abiertamente.
  • La rendición de Bailén, de José Casado del Alisal Evoca la victoria de las tropas españolas al mando del General D. Francisco Javier Castaños sobre el por primera vez derrotado ejército napoleónico en la gloriosa Batalla del 19 de Julio de 1808. Un lienzo que destaca por su sólida base de dibujo y el retrato, aunque, como sabemos, en este caso, se trata de una escena simbólica.
  • El testamento de Isabel la Católica, de Eduardo Rosales Este es uno de los cuadros más famosos del Romanticismo español. Las posturas de los personajes y sus ademanes nos conducen directamente hacia la figura de la reina que yace en su lecho de muerte. La regente momentos antes de morir se dispone a dictar su testamento. La rodean personajes de su entorno más cercano, entre ellos, el rey Fernando apesadumbrado sentado a su derecha, Juana la Loca y el cardenal Cisneros. Un hábil juego de luces y sombras hace que nos concentremos en la luminosa figura de Isabel la Católica.
  • 2.2. Tendencias y autores  En Francia, Delacroix nos muestra su interés por los temas nacionalistas en La matanza de Quíos, donde exalta las miserias de la guerra y el heroísmo de los griegos, y por los temas políticos en La libertad guiando al pueblo, sobre la insurrección de julio de 1830 en París: una mujer, la Libertad, arrastra tras de sí al pueblo de Francia, llevando la bandera tricolor. Delacroix es uno de los mejores coloristas de los tiempos modernos; se expresa con colores cálidos y tonalidades fuertes, que recuerdan a Rubens, aplicadas con pincelada suelta casi de manchas.
  • La Matanza de Quíos, de Delacroix Trata aquí el tema de la guerra de la independencia griega contra los turcos (1822) y quiere provocar la adhesión del circunstante exponiéndole la masacre terrible llevada a cabo por el ocupante turco. Para la representación se basó en relatos, se substrajo a cualesquiera concepciones de la pintura heroica y presentó una impresionante imagen de padecimiento e impotencia ante un paisaje que combina hermosura y destrucción.
  • La libertad guiando al pueblo, de Delacroix Delacroix representa, con dramatismo pasional, los sucesos sangrientos de la Revolución de julio de 1830, que llevaron al derrocamiento del rey Carlos X (1757-1836). La obra conjuga una composición rigurosa con el dinamismo de las figuras. En el centro se encuentra la alegoría de la libertad, con la bandera tricolor alzada en señal de triunfo.
  • La libertad guiando al pueblo, de Delacroix En ella se dan cita toda las formas y colores de la composición. En este cuadro, tal vez el más conocido del pintor, las formas recias de la mujer, con la parte superior del cuerpo al desnudo, simbolizan la fuerza y la capacidad de resolución de los revolucionarios franceses.
  • 2.2. Tendencias y autores  Pasión por los sentimientos, con predilección por los temas de dolor y de muerte. Gericault en La Balsa de la Medusa refleja un acontecimiento que conmocionó a la opinión pública: el naufragio de una fragata cuyos supervivientes se devoraron unos a otros; los colores terrosos, la luz violenta, la acumulación de personajes, los escorzos forzados… contribuyen al efecto dramático.
  • La Balsa de la Medusa, de Géricault Tras el hundimiento de la Medusa frente a las costas de África occidental en 1816, la balsa estuvo flotando en el mar doce días. De los 149 pasajeros, sólo diez fueron rescatados con vida. La desgracia fue causada por el capitán, protegido por los Borbones.
  • La Balsa de la Medusa, de Géricault La obra causó una gran sensación, no sólo por reproducir esta peripecia de personas corrientes al estilo de los grandes cuadros de historia, sino también porque constituía una crítica del régimen.
  • Oficial de husares a la carga, de Géricault En esta obra ya aparecen definidas con claridad muchas de las características del romanticismo. La composición en planos paralelos al espectador es abandonada por el gran dinamismo de la diagonal, recordándonos la composición aquí utilizada al mundo barroco. El dibujo de Géricault tiene un carácter muy claro, herencia de Guérin y resto del neoclasicismo, mostrándonos el momento anterior a la acción. El color se muestra como heredero de la tradición veneciana y flamenca. Se muestra un gusto por el modelado mediante color. La atmósfera no es la neoclásica, sino que nos muestra un cierto realismo. La pincelada es más suelta y visible. El motivo es un tema de batalla en el que se capta la emoción y la tensión del momento, reflejado todo de una manera realista. La perspectiva profunda del caballo se ve equilibrada por la mirada del húsar hacia atrás.
  • Coracero herido, de Géricault Esta obra es más melancólica frente al carácter heroico de Oficial de husares a la carga. La postura de la figura tiene un carácter más concentrado. Aquí todavía se encuentra en deuda con la composición clasicista.
  • Derby de Epson, de Géricault
  • 2.2. Tendencias y autores  Temas exóticos orientales que ya habían sido tratados por el neoclásico Ingres. Ahora estos temas se enfocan desde una óptica sensual, como hace Delacroix en La muerte de Sardanápalo, donde plantea el tema del sadismo. En España el exotismo es tratado por Fortuny. A veces, los pintores se evaden de la realidad buscando en la Edad Media un mundo misterioso y lleno de tensión.
  • Muerte de Sardanápalo, de Delacroix Sardanápalo fue el último rey asirio que al ver cercada su ciudad (Nínive en 883 a.C.), hace matar a las favoritas de su harén y a sus caballos mientras él observa. Esta obra se encuentra basada en un drama de Lord Byron. La figura del sátrapa está estática, en una actitud de ataraxia, frente al movimiento del resto. La composición es en M, romántica y de fuerte colorido, con dominio del rojo y el color de la sangre y la sensualidad.
  • Muerte de Sardanápalo, de Delacroix Destacan los escorzos de la esquina izquierda, y también el movimiento, muy dramático, lo que permite a Delacroix plasmar el sentimiento propio del romanticismo. Existe también un fuerte contraste entre el negro y el blanco, siendo y influencia de lo exótico y también de la pintura veneciana de Tiziano y Veronés. A la izquierda vemos un caballo inspirado en los de Rubens y un esclavo negro tomado de Tiziano.
  • La barca de Dante, de Delacroix La obra de este escritor italiano fue uno de los temas favoritos del romanticismo. La tela recuerda a La barca de la Medusa de Géricault, para quien el pintor había posado. Algunos críticos vieron en la composición del joven artista el dinamismo de Rubens y el diseño de Miguel Ángel. El dinamismo creado por la composición contrasta con el aparente estancamiento de la barca.
  • La vicaría, de Mariano Fortuny
  • 2.2. Tendencias y autores  Descubrimiento de la naturaleza, con la que el artista hace aflorar sus sentimientos, la subjetividad. Destacan los paisajistas ingleses. Constable era un excelente colorista que aplicaba la materia con espátula y mostraba un enorme interés por la luz, como en La catedral de Salisbury.
  • El molino de Dedham, de Constable Constable pintó con gran cariño el paisaje de su región natal: en este caso, el molino de su padre. Reprodujo de forma llana y objetiva el mundo rural en diversas condiciones climáticas y en distintas épocas del año. Entre 1818 y 1820 aparecieron tres versiones de la misma vista. En esa época, su relación con la naturaleza era aún directa e inmediata.
  • El carro de heno, de Constable
  • La catedral de Salisbury desde la residencia del obispo, de Constable Constable pintó en repetidas ocasiones este tema, pensado originariamente para el obispo de Salisbury, quien aparece a la izquierda del cuadro con su esposa. La composición, organizada de forma artificial, expresa la consonancia entre la naturaleza y las obras humanas. La torre de la iglesia bañada por el sol constituye un testimonio de esta armonía ofrecida por Dios.
  • La catedral de Salisbury desde el campo, de Constable
  • Stonehenge, de Constable
  • 2.2. Tendencias y autores  A Turner se le considera antecedente directo del Impresionismo porque llegó aún más lejos en sus investigaciones lumínicas, diluyendo las formas, representando lo accidental, el cambio momentáneo, en obras como Lluvia, vapor y velocidad o El incendio del Parlamento.
  • El castillo de Norham, de Turner
  • Tormenta de nieve en el valle de Aosta, de Turner
  • Anibal cruzando los Alpes, de Turner
  • Lluvia, vapor y velocidad, de Turner A medida que pasan los años, en la obra de Turner van desapareciendo los motivos. Así aquí es difícil percibir el motivo real, con una composición helicoidal que parte de una locomotora en movimiento, mostrándose envuelta en una masa de vapor y lluvia. Las masas se disuelven, creando una sensación de confusión. El color va del blanco más puro al negro y pasa por transiciones del ocre al rojo del humo, así como una serie de plateados propia de Turner.
  • Lluvia, vapor y velocidad, de Turner
  • 2.2. Tendencias y autores  En Alemania el paisaje tuvo otras connotaciones: una visión casi religiosa, un paisaje más espiritual, un panteísmo de la naturaleza. Es el caso de Gaspar David Friedrich, pintor de la naturaleza desnuda que reina en llanuras heladas o en cumbres montañosas, en anocheceres, en amaneceres… Muchas veces aparecen personajes de espaldas como si contemplaran el paisaje pintado. Algunas de sus obras son Salida de la luna sobre el mar o Viajero sobre un mar de niebla.
  • Salida de la luna sobre el mar, de Friedrich
  • Monje junto al mar, de Friedrich La costa es uno de los temas preferidos de Friedrich. Con ella logra expresar su entusiasmo por el entorno natural. El artista entendía la naturaleza como algo poderoso, cuya infinitud y majestad provoca en el hombre un respeto profundo, casi religioso. La pequeñez de la figura del monje realza este contraste entre una naturaleza ilimitada y la existencia humana.
  • Monje junto al mar, de Friedrich
  • Viajero sobre un mar de niebla, de Friedrich La obra representa a un viajero, al que se ha identificado con el propio Friedrich, que encuentra de pie en lo alto de una montaña elevada, mirando un mar de nubes que queda debajo. El viajero se encuentra de espaldas. Viste de negro. Adelanta una pierna y se apoya en un bastón. Se pueden ver los picos de otras montañas saliendo entre la niebla, mientras que una cadena de enormes montañas ocupa el fondo. La gran extensión de cielo por encima de las alturas de las montañas del fondo cubre gran parte del cuadro. Se trata de un paisaje de la Suiza de Sajonia . Esta pintura también fue utilizada como carátula del libro “El Conde de Montecristo” del escritor francés Alexandre Dumas (padre).
  • Dos hombres contemplando la luna, de Friedrich
  • Acantilados blancos en Rügen, de Friedrich Este cuadro es un ejemplo del descubrimiento de paisajes y de puntos de mira poco habituales. Las escarpadas rocas dan paso a una vista profunda que se abre a la inmensidad del mar. El primer plano ofrece poco espacio a los caminantes. De esta situación límite se desprende una serenidad algo opresiva.
  • Mar helado, de Friedrich Este cuadro se denominó en un primer momento La esperanza frustrada, en recuerdo de una obra anterior que representa el naufragio de un buque llamado Esperanza. La pintura simboliza los esfuerzos vanos del hombre por adentrarse en tierras lejanas y descubrir los secretos de Dios. Al mismo tiempo, la obra refleja la pérdida de las esperanzas patrióticas por parte de Friedrich al inicio de la época de la Restauración.
  • Mar helado, de Friedrich
  • 3. EL REALISMO
  • 3.1. Introducción  Suele considerarse la fecha de 1848 como el hito de apertura de un nuevo periodo de la historia y, por tanto, de la historia del arte. 1848 supuso, en Francia, el final del régimen monárquico de Luis Felipe de Orleans y la instauración de la Segunda República Francesa, así como la implantación del sufragio universal. Fue también el año del Manifiesto Comunista y, por ello, fecha emblemática para las reivindicaciones de la clase obrera.
  • 3.1. Introducción  Asimismo asistimos a un notable progreso tecnológico, relacionado con la Segunda Revolución industrial. En filosofía es la época del Positivismo, corriente representada por Augusto Comte, que sustituía al idealismo romántico. El Positivismo exaltaba la ciencia como instrumento para el desarrollo humano.
  • 3.1. Introducción  En este contexto apareció una nueva generación de intelectuales, literatos y artistas que apostaron por la creación de un hombre nuevo, que supiera encararse con la realidad y marchar hacia el futuro, que prefiriera la observación objetiva al subjetivismo de los románticos.
  • 3.1. Introducción  El descubrimiento de la fotografía causó gran impacto en la pintura, que en adelante hubo de tener en cuenta la competencia y los descubrimientos del arte fotográfico.
  • 3.2. Características y autores  La pintura se caracteriza por un cambio en los temas y en su tratamiento. Refleja las realidades sociales del pueblo. Surge el tema denuncia sobre la realidad de los trabajadores urbanos o de los campesinos; aparece un nuevo héroe, el hombre trabajador, sea metalúrgico, picapedrero, científico o pensador. El antihéroe es la mujer: prostitutas, amantes, etc., las mismas que aparecían en la literatura de Flaubert o de Maupassant.
  • 3.2. Características y autores  La ola del realismo afectó con mayor o menor fuerza a todos los países de Europa, pero es Francia el país que mejor representa la pintura realista:
  • 3.2. Características y autores  En el paisaje, muy influido por la fotografía, destaca Corot que practicó una pintura inspirada directamente de la naturaleza. Estudia tan cuidadosamente la luz, que a él y a los integrantes de la Escuela de Barbizón se les considera antecesores de los impresionistas.
  • La catedral de Chartres, de Camille Corot Corot recorrió incansablemente numerosos rincones de Francia, que luego reproducía en sus cuadros. Son frecuentes los paisajes con monumentos arquitectónicos perfectamente identificables y animados a veces con pequeñas figuras. Estos paisajes están siempre impregnados de un cierto lirismo y ello se debe, según el propio pintor confesaba, a que mientras busco la imitación concienzuda, no pierdo ni un instante la emoción... Lo real es una parte del arte pero el sentimiento lo completa; si estamos verdaderamente conmovidos, la sinceridad de nuestra emoción se transmitirá a los demás.
  • El puente de Nantes, de Camille Corot Corot empleaba en su método de trabajo la toma de apuntes del natural, a los que proporcionaba un lirismo especial. No de otro modo podría ser si se tiene en cuenta esta confesión del artista: "Mientras busco la imitación concienzuda, no pierdo ni un instante la emoción... Lo real es una parte del arte, pero el sentimiento lo completa. Si estamos verdaderamente conmovidos, la sinceridad de nuestra emoción se transmitirá a los demás".
  • Vacas en el pastizal, de Théodore Rousseau
  • 3.2. Características y autores  La temática social tiene entre sus representantes a Courbet. Fue un activo militante revolucionario, socialista, teórico del Realismo. El taller, es un alegato donde muestra los tipos más variados del mundo proletario. Los picapedreros son los héroes de trabajos duros y miserables. El entierro de Ornans refleja la estética del feísmo.
  • Los picapedreros, de Courbet
  • Los picapedreros, de Courbet
  • El entierro de Ornans, de Courbet Se trata de una de las obras “realistas”, en la que Courbet representa un entierro en su población natal. La novedad estriba en plasmar una escena de género con el formato tradicional de la pintura histórica y en mostrar a los protagonistas a tamaño natural.
  • El entierro de Ornans, de Courbet La obra incluye un repertorio de retratos, característicos y no embellecidos. Esta representación monumental y prosaica de las gentes del pueblo, así como el motivo en sí, fueron considerados un escándalo por muchos coetáneos.
  • El taller del pintor, de Courbet
  • El taller del pintor, de Courbet Courbet atestiguó con este cuadro su especial fuerza creativa. La sociedad de la época aparece dividida en dos grupos: aquel que participa en el mundo del arte, como sus amigos y patrocinadores (a la derecha), y aquel que el arte le resulta indiferente.
  • El taller del pintor, de Courbet En el centro figura el propio Courbet. El niño y la mujer desnuda son los símbolos de la comprensión no falseada y sensorial de las verdades, que están al alcance también de quienes contemplan las obras de arte.
  • El sueño, de Courbet En este capcioso cuadro Courbet rompe conscientemente con los tabúes culturales. Mediante esta nueva forma de representación consigue introducir en la pintura de alto rango el tema del amor entre dos mujeres, presente en obras impresas y en ilustraciones, y considerado “perverso”.
  • El sueño, de Courbet Los dos desnudos no tienen nada de vulgar, sino que se muestran como algo totalmente natural. Los cuerpos y la expresión de los sentimientos se celebran como un regalo de la naturaleza.
  • El origen del mundo, de Courbet Es un cuadro realizado por Gustave Courbet en 1866. Es una pintura al óleo sobre lienzo, de unos 55 cm por 46 cm, que representa en primer plano un pubis femenino, el de un tronco de mujer desnudo, reclinado sobre las sábanas de un lecho y que tiene las piernas separadas. La escala, el encuadre y el punto de vista elegidos por el artista supusieron una radical novedad respecto de toda la tradición pictórica anterior, produciendo en el espectador una fuerte impresión de sensualidad y erotismo.
  • 3.2. Características y autores  Daumier destaca como dibujante satírico y como pintor de clases humildes. Sus obras parecen caricaturas, que no son otra cosa que una exaltación brutal de la realidad. Su estilo es muy lineal, de modo que da a las figuras perfil sinuoso. Es autor de El vagón de tercera, y de otros temas sociales, con gran intensidad expresiva en los personajes.
  • La Lavandera, de Daumier Si los personajes negativos de las obras de Daumier eran los abogados, los médicos o los profesionales de la Justicia -es decir, los integrantes de la burguesía- los positivos serán los trabajadores, las lavanderas, los campesinos o los actores de feria, enlazando así con el Realismo de su amigo Courbet. En este caso una mujer regresa de lavar la ropa en el Sena acompañada de su hija, que lleva en su mano la paleta para sacudir. Suben por una empinada escalera, lo que está suponiendo un gran esfuerzo a la pequeña como apreciamos por su gesto, mientras la madre la mira casi con compasión.
  • La Lavandera, de Daumier Curiosamente, Daumier no define los rostros, pero las expresiones de ambas figuras están soberbiamente captadas. Al fondo podemos vislumbrar los tejados de los edificios parisinos sobre los que se recortan madre e hija, obtenidas a contraluz. La ejecución no puede ser más rápida, aplicando una pincelada densa que diluye los negros contornos que sirven de base. Los colores oscuros, tristes, pueden sintonizar con la vida de ambas mujeres mientras que la luz del fondo podría tratarse de un halo de esperanza.
  • Vagón de tercera, de Daumier
  • Don Quijote y Sancho Panza, de Daumier Son frecuentes las referencias literarias en la producción de Daumier. Así hay referencias a El enfermo imaginario de Molière, a Fábulas de la Fontaine o al Quijote de Cervantes, como en esta escena. Sancho cabalga en su rucio en primer plano, recibiendo una fuerte iluminación mientras la figura desgarbada y estilizada de don Quijote se aprecia al fondo, en sombras. Ambas figuras se sitúan en un paisaje desforestado, casi desértico. La personalidad más práctica y terrenal de Sancho se refuerza al estar más elaborada su figura mientras que la espiritualidad y el idealismo de don Alonso se encarnan en una ligera silueta. Debido a sus problemas visuales, Daumier trabaja al final de su vida con manchas, acercándose al Expresionismo.
  • 3.2. Características y autores  Millet es el pintor de los trabajadores del campo, pero con una visión algo idílica, ajena a las preocupaciones proletarias; dignifica la dureza de la vida de los campesinos, sobre todo mediante suaves efectos lumínicos, como en Las espigadoras o en El Ángelus.
  • El sembrador, de Millet
  • Las espigadoras, de Millet Su interés estriba en mostrar la verdadera cara del trabajo rural, en su aspecto más duro, alejado de idealizaciones bucólicas. En Las espigadoras presenta a tres mujeres en plena faena, agachadas para recoger las espigas; son mujeres de carne y hueso, ataviadas con los ropajes de la región de Normandía donde el pintor vivía. Al fondo contemplamos los almieres y la carga de la carreta, en un ambiente de atardecer que envuelve toda la escena.
  • Las espigadoras, de Millet Quizá ese efecto lumínico haga enlazar a Millet con el Impresionismo, aunque el artista no se interese aún por ese tipo de conceptos ya que su deseo es criticar las duras condiciones de las espigadoras. Los colores son vivos, aplicados con seguridad para resaltar el dibujo firme, acentuando los volúmenes en una de las obras más impactantes del movimiento realista.
  • El Ángelus, de Millet Millet muestra a dos campesinos orando y dando gracias a Dios por la cosecha obtenida con el sudor y el esfuerzo de muchos días. El hombre y la mujer agachan piadosamente las cabezas, agarrando él su sombrero y llevando ella sus manos al pecho. A sus pies contemplamos la cesta con los frutos y el apero de labor. La escena se desarrolla al atardecer, quedando las dos figuras en zonas de luz y sombra respectivamente, en un contraste lumínico.
  • 4. IMPRESIONISMO  Es un movimiento artístico francés del último tercio del siglo XIX. Hasta entonces, se había aceptado unánimemente que un cuadro era una forma de representar la realidad. Por el contrario, los impresionistas concibieron su pintura como una forma específica de percibir el mundo. Fue una revolución y el principio de la liberación total que ha permitido a los pintores posteriores desarrollarse en el arte de imaginar, en lugar del arte de imitar.
  • 4.1. Precedentes  Grandes maestros habían anticipado la técnica del impresionismo: Tiziano, Velázquez, Hals, Goya y, sobre todo, múltiples pintores del mismo siglo XIX como los paisajistas ingleses Constable y Turner, o franceses como Corot y los integrantes de la escuela de Barbizon.
  • 4.1. Precedentes  No obstante, será Manet el guía, el referente del Impresionismo. Eduard Manet, que recogió las enseñanzas del pasado con su gran admiración por maestros como Velázquez y Goya, transgredió los convencionalismos de la pintura académica en cuanto al tratamiento de los temas, del color, de la perspectiva, en obras como Olimpia, El pífano y Retrato de Emilio Zola.
  • Olympia, de Manet Para su desnudo no necesitó diosas ni musas como en el Renacimiento y en el Barroco, sino que representaba el desnudo de una prostituta, una mujer de la vida contemporánea. Para captar la realidad y la fugacidad utilizó la pincelada rápida y empastada, rasgo que identificará al Impresionismo. Por ello podría decirse que Manet fue su precursor.
  • Olympia, de Manet La piel blanquecina está en armonía con otros “tonos claros” del lecho, almohadón, cubierta, etc. Su factura es clara y su visión naturalista. Su pincel grueso es utilizado con prudencia. No forma grumos de color en sus cuadros sino una masa uniforme. Las sombras quedan limitadas a los contornos de las figuras. Utiliza diferentes tonos claros que resaltan sobre las diferentes tonalidades oscuras del fondo.
  • El pífano, de Manet Manet pintó El pífano influido por la manera de los retratos de Velázquez que había admirado en el Museo del Prado de Madrid. En particular, le impresionó Pablo de Valladolid, un retrato de un actor de la época en que desaparecen el fondo o cualquier objeto que sirva de referencia, excepto la propia sombra del personaje. Como en el cuadro del pintor español, Manet concibe un fondo sin profundidad, en que los planos vertical y horizontal son apenas distinguibles. En opinión de Peter H. Feist, El pífano muestra la atracción de Manet por «el efecto decorativo de unas figuras individuales de gran tamaño, con contornos enfáticos y colocadas ante una superficie de fondo». Frente al fondo monocromo, resalta la figura enérgicamente coloreada en base a una paleta reducida pero de colores vivos, en la que predomina la técnica del empaste: el negro muy nítido de la guerrera y los zapatos, el rojo de los pantalones, el blanco de la bandolera, etc. Como resultado, la figura destaca «firme, armoniosa y viva».
  • Retrato de Emilio Zola, de Manet
  • El fusilamiento del Emperador Maximiliano, de Manet
  • 4.1. Precedentes  En 1863, el jurado del Salón oficial de París rechazó más de 4.000 obras, lo que provocó una oleada de protestas que forzó a Napoleón III a autorizar la celebración de un Salón de los Rechazados. La estrella del Salón sería Manet gracias al escándalo que suscitó Le dejeuner sur l’herbe (Desayuno sobre la hierba) una obra rompedora, que chocaba con la doble moral burguesa, pero que no era en absoluto impresionista. Manet no fue impresionista hasta su madurez.
  • Desayuno en la Hierba, de Manet El tema: conversación de figuras vestidas y desnudas en una pradera.
  • Desayuno en la Hierba, de Manet La técnica es absolutamente revolucionaria: diferentes grados en la intensidad de los verdes proporcionan la sensación de transparencia del agua, de humedad del bosque. En medio destaca la figura desnuda resplandeciente. La luz se difunde por el aire en todo el cuadro yuxtaponiendo zonas claras y oscuras por todo el lienzo. Suprime el color negro que no existe en la naturaleza.
  • Argenteuil, de Manet En verano de 1874, Manet se translada con su familia a Argenteuil, una vez allí, compra un bote que transforma en taller flotante y pasa una de las temporadas más felices de su vida, allí en Argenteuil pintará más de cien cuadros, los cuáles ofrecerán una visión del paisaje alegre y llena de luz, realizada con una gama cromática reducida. En esta escena fueron los protagonistas su cuñado, Rudolph Leenhoof, y una joven desconocida, habitual en los bailes de remeros. Ambas figuras se sitúan sobre una barca, bajo la luz del sol veraniego, luz del atardecer de un momento determinado.
  • Bar del Folies-Bergère, de Manet
  • 4.1. Precedentes  En 1874, un grupo de pintores decidieron no presentar sus obras en el Salón, para realizar una exposición independiente, en unos locales que les había cedido el fotógrafo Félix Nadar. Allí fueron calificados por el crítico de arte Leroi como impresionistas, burlándose del título del cuadro Impression, soleil levant (Impresión, sol naciente), de Claude Monet.
  • Impresión, Sol naciente, de Monet
  • Impresión, Sol naciente, de Monet El crítico Louis Leroy se valió del nombre de esta obra de Monet de 1874 en el artículo satírico que escribió sobre la exposición del mismo año y gracias al cual recibió su nombre el movimiento. El mismo pintor había decidido ese título, más bien impreciso, porque suponía que nadie reconocería en el cuadro la vista del Havre, que era lo que había pintado. Los tonos violáceos inundan la tela y sólo el negro de la pequeña barca y el rojo del sol ponen una nota de color. Este carácter de boceto fue lo que molestó a los críticos, que no entendieron en un principio las experimentaciones de muchos de los impresionistas.
  • Impresión, Sol naciente, de Monet Es una imagen tomada directamente del natural por Monet en Le Havre, representando las neblinas del puerto al amanecer mientras que el sol "lucha" por despuntar, creando magníficos reflejos anaranjados en el mar y en el cielo.
  • Impresión, Sol naciente, de Monet La sensación atmosférica domina una escena en donde las formas desaparecen casi por completo. Los colores han sido aplicados con pinceladas rápidas y empastadas, apreciándose la dirección del pincel a simple vista, resultando una imagen de enorme atractivo tanto por su significado como por su estética.
  • 4.2. Caracteres del Impresionismo  Los temas son triviales; no existe en el impresionismo ninguna lección moral. Prefieren el paisaje, los ambientes burgueses, las imágenes intrascendentes de la vida ciudadana, sus propios retratos y los de sus amigos, etc.
  • 4.2. Caracteres del Impresionismo  Se interesan por la visión inmediata del natural, por el trabajo al aire libre (plein air), buscando directamente las sensaciones sensoriales.
  • 4.2. Caracteres del Impresionismo  La luz es fundamental en la pintura impresionista. Mediante la luz captan el momento, la hora del día, los rayos del sol a través de las hojas de los árboles, los reflejos en el agua. La luz logra dar la sensación de lo instantáneo, de lo fugitivo. Hay una gran influencia de la fotografía.
  • 4.2. Caracteres del Impresionismo  Preferencia por la pincelada suelta, por el abandono del dibujo a favor del color. No mezclan los colores en la paleta sino que los aplican directamente sobre el lienzo, en pequeñas pinceladas, de modo que sea la retina del espectador quien se encargue de mezclarlos. El cuadro impresionista está formado por una yuxtaposición de tonos puros. Los impresionistas conocían los descubrimientos científicos de Rood y Chevreul respecto al color, aunque lo interpretaban de forma instintiva.
  • 4.2. Caracteres del Impresionismo  Aplican la teoría de los colores. Según ésta existen tres colores primarios, amarillo, rojo y azul, y tres secundarios o binarios, el naranja, el verde y el violeta. La unión de dos primarios origina su binario correspondiente. Un binario se exalta junto al primario no componente, por ejemplo el naranja junto al azul; y este azul se llama complementario del naranja. Los impresionistas no utilizaban el negro (salvo raras excepciones) e incluso las sombras dejan de ser oscuras para colorearse con tintas complementarias.
  • 4.2. Caracteres del Impresionismo  Por último, la fotografía influye en su pintura con la captación del momento, y con unos encuadres muy atrevidos.
  • La técnica impresionista  Pintar de forma impresionista significa representar lo visto con los propios ojos, la realidad tal y como aparece ante la mirada del artista. El centro de la atención es la vida cotidiana, antes el ocio que el trabajo, el cielo, el mar, los paisajes. Los impresionistas tienen especial interés por los rasgos dinámicos de la realidad, en la que se pueden observar cambios rápidos, transformaciones y movimientos, luces y colores. Se inclinan por los tonos luminosos, destacando cómo la apariencia cromática de un objeto cambia según el entorno o la iluminación.
  • La técnica impresionista  Los impresionistas descubrieron que se da una impresión más intensa y clara de un color cuando se juntan en la superficie del cuadro manchas de otros colores puros, que se mezclan en los ojos del observador. Lo que legitimaba su quehacer era experimentar y desarrollar una nueva manera de ver, por lo que el tema elegido carecía para ellos de verdadera importancia.
  • 4.3. Principales pintores impresionistas  Monet fue el más consecuente de los impresionistas. Se inclinaba por el paisaje, tema que nunca abandonaría. Su pintura nos comunica las sensaciones atmosféricas. La luz será una gran protagonista en su obra, prefiriendo, sobre todo, los reflejos en el agua. En sus series, como la Estación de San Lázaro o la Catedral de Rouen, repite el mismo tema a diferentes horas del día, variando los efectos pasajeros con la luz.
  • Boulevard de los Capuchinos, de Monet Monet realizó dos versiones de este cuadro, una de las cuales presentó en la primera exposición impresionista de 1874. El pintor tomó la imagen desde la ventana del estudio del fotógrafo Nadar. La composición se encuentra muy bien estructurada con sus verticales marcadas por árboles y edificios y el gentío diminuto a sus pies. Esta tela no gustó a los críticos de entonces que la consideraron una especie de horrible borrón.
  • La estación de San Lázaro, de Monet Cuando Monet decidió pintar la estación de trenes que unía Normandía con Argenteuil, no sólo consiguió un permiso para hacerlo, sino que también logró que algunos trenes cambiaran sus horarios para poder pintarlos en diferentes momentos lumínicos. Realizó numerosas versiones de la estación, todas en el año 1877.
  • La estación de San Lázaro, de Monet En ellas se contempla cómo la mancha de color inunda la superficie y el objeto ya comienza a desmaterializarse. Si bien es cierto que la temática de los trenes era una de las que estaban en boga en la época, a Monet le había llamado la atención sobre todo la atmósfera que se creaba con la combinación de la luz del sol, el metal, el humo y los cristales.
  • Álamos a orillas del Epte, de Monet Esta obra pertenece a una de las series más importantes de las realizadas por Monet, antes de la catedral de Ruán. En ella se evidencia la importancia concedida por el pintor a la captación de la luz a diferentes horas del día. La aplicación del color es pastosa y las tonalidades juegan con las líneas ascendentes de la composición: los colores más cálidos debajo, los más fríos en la zona superior. La luz y las sombras se encuentran modeladas a partir de las gradaciones cromáticas; nunca aplica Monet negro o blanco. El tema de la obra ha pasado a ser totalmente secundario. De allí que el pintor realizara varias telas sobre un mismo motivo. Lo importante era la experimentación con la luz y sus efectos sobre el color.
  • Catedral de Rouen, de Monet
  • Campo de amapolas, de Monet Las flores interesan a Monet desde un punto de vista estético, no botánico. De allí que no sea fácil detectar los diferentes tipos. Lo que sí es posible captar son las íntimas sensaciones que le producía al pintor la visión de la naturaleza. Las flores aparecen como gráciles y livianas manchas de óleo que salpican el paisaje. A lo lejos, en colores más fríos, la arquitectura se confunde con un grupo de árboles.
  • Autorretrato, de Monet
  • Barcas de recreo en Argenteuil, de Monet Siendo uno de los primeros pintores que se atrevió a salir de su estudio armado de óleos, telas y pinceles, Monet sólo trabajaba en el interior después de haber hecho un boceto de la primera impresión, que era mucho más que un mero ensayo. Cuando se instaló en Argenteuil, dispuso su estudio en una barca para poder observar el paisaje acuático que conformaban las naves con sus velas desplegadas. El blanco de las velas se recorta sobre un brillante cielo azul que se confunde en el horizonte con el agua. Las pinceladas son gruesas y libres, cargadas generosamente de color.
  • 4.3. Principales pintores impresionistas  A partir de la década de los 80 su pintura tuvo un proceso desmaterializador, como en la serie de Ninfeas, disolviendo las formas casi hasta hacer desaparecer los objetos, para lograr mejor la sensación de lo efímero. Ningún impresionista llegó tan lejos diluyendo la apariencia; por esto, ha sido tan valorado por los artistas abstractos.
  • Ninfeas, de Monet En cualquier cuadro de una serie -La catedral de Ruán, Las ninfeas, etc.- no pretende fijar lo que es, lo que permanece, sino plasmar lo que cambia, el devenir. En 1883 Monet compra una casa en Giverny. Allí pinta Las ninfeas del estanque de su jardín. Las escenas más complejas de esta serie son las que representan el lago sin orillas. Son composiciones planas, sin perspectiva, donde se confunden tres espacios: uno, más concreto, la superficie donde flotan los nenúfares; los otros dos, más difusos, constan sólo de destellos: el cielo reflejado y el fondo que se entrevé en la transparencia del agua. Poesía de un paisaje donde se funden vegetación, cielo y agua. Preocupado por los efectos estéticos de la combinación de colores, realiza un arte esencialmente decorativo; un mundo de sugestiones que potencia al máximo las posibilidades de la sensación.
  • El estanque de nenúfares, de Monet Tan estructurado y colorido como su obra pictórica fue el jardín que el pintor fue planificando y plantando en su casa de Giverny. Éste pasaría, con el tiempo, a ser una especie de paraíso privado y el tema principal de sus cuadros. En este caso, Monet juega con los colores complementarios verde y azul logrando un efecto muy decorativo.
  • El puente de Westminster , de Monet A principios de 1900, Monet realiza diferentes vistas de Londres. Uno de sus temas favoritos es el Támesis y sus puentes.Tanto el parlamento como el puente parecen prontos a desaparecer en las brumas azules, beiges y violáceas, y el único punto concreto de observación lo constituyen las figuras negras en primer plano. El agua y el cielo también se confunden entre sí.
  • 4.3. Principales pintores impresionistas  Renoir concedía más importancia que Monet a la figura humana sobre todo a la femenina, que nos recuerda a Rubens. Las superficies de sus cuadros son generalmente más pulidas que las espesas y pastosas de los otros impresionistas. Es una excepción por cuanto utiliza, en ocasiones, el color negro. La obra más conocida de Renoir es El Molino de la Galette. Sus temas intrascendentes, sus toques sueltos y vigorosos, ilustran con fidelidad su idea de cómo tenía que ser un cuadro (“para mí, un cuadro debe ser una cosa amable, risueña, y bonita... ya hay en la vida suficientes cosas fastidiosas para que nosotros hagamos aún más”).
  • Autorretrato, de Renoir
  • Comida a orilla del río, de Renoir Anterior a “El Almuerzo de los Remeros”, esta obra se evidencia como un verdadero estudio de la mancha de color. El óleo cubre toda la superficie sin dejar un resquicio en blanco, los contornos se confunden, el blanco del mantel se pierde en el blanco de las camisetas de los remeros. Sólo la mujer aparece como una masa de sombra, en vivo contraste con la luminosidad de la escena.
  • Comida a orilla del río, de Renoir Las caras y las manos de los personajes son meras manchas. En lo que respecta a la composición, Renoir intenta transmitir la calma de la sobremesa a través de suaves líneas diagonales y se despreocupa de crear una marcada división entre el primer y el segundo plano, si bien es cierto que una suave línea naranja que deja correr sobre el agua separa a ésta del cielo.
  • Almuerzo de remeros, de Renoir El artista comenzó a trabajar en este cuadro en abril de 1881 y lo concluyó en julio del mismo año. Para llevarlo a cabo, reunió a sus más cercanos amigos y modelos en la terraza de "L'Auberge du Pére Fournaise", un restaurante famoso por su cocina ubicado en la isla de Chatou, al oeste de París y a orillas del Sena. El establecimiento se encontraba cerca de una zona de baños, La Grenouillére, entonces muy frecuentada por los parisienses que huían de la gran ciudad para pasar un día al aire libre.
  • El Molino de la Galette, de Renoir El Moulin de la Galette era el lugar de ocio preferido para la vida bohemia. Era un viejo molino abandonado en la cima de Montmartre donde se hacían bailes los días de fiesta.
  • El Molino de la Galette, de Renoir La escena del baile al aire libre en el barrio de Montmartre, en el viejo “Molino de la Torta”, sirve a Renoir como pretexto para ejecutar una serie de experimentos sobre los efectos de la luz y la sombra sobre el color. Un pálido azul acompañado de manchas claras de color inunda toda la superficie del lienzo transformando todos los colores que encuentra a su paso, como si de un filtro se tratara.
  • El Molino de la Galette, de Renoir El pintor logra así reflejar la atmósfera fresca y diáfana de una tarde de verano. La composición es algo desordenada, pero gracias a ello el artista puede transmitir más que correctamente el tema: la animación y la alegría que inundaba a los jóvenes que cada domingo acudían al popular baile.
  • 4.3. Principales pintores impresionistas  Degas no se ajustó a los parámetros impresionistas. Pintó el mundo de las carreras de caballos y las bailarinas de la ópera. Nunca trabajó al aire libre y buscó los puntos de vista insólitos, los escorzos forzados, las visiones en picado. Se le considera impresionista por compartir el gusto por el color, el interés por la luz y por lo efímero. Obras: El descanso, Ensayo en el ballet de la ópera, En las carreras.
  • Autorretrato, de Degas
  • El ensayo en el escenario, de Degas
  • Clase de danza en la Ópera, de Degas
  • Clase de danza, de Degas
  • El descanso, de Degas
  • El café-concierto Les Ambassadeurs, de Degas
  • Mujer secándose el pie, de Degas
  • Las planchadoras, de Degas
  • 4.3. Principales pintores impresionistas  Sisley fue un pintor de origen inglés que pasó la mayor parte de su vida en Francia. Gran defensor de la obra al aire libre y gran amigo de Monet, sus temas preferidos fueron los paisajes de los alrededores de París, como en Nieve en Louveciennes.
  • Nieve en Louveciennes, de Sisley
  • 4.3. Principales pintores impresionistas  Pissarro, pintor de la vida trabajadora, así como de la animación de la gran ciudad (Boulevard Montmartre al atardecer), llegó a experimentar el puntillismo, tendencia que abandonó para volver al impresionismo.
  • Los tejados rojos, rincón de un pueblo en invierno, de Pisarro
  • Boulevard Montmartre al atardecer, de Pisarro
  • 5. LOS PINTORES POSTIMPRESIONISTAS  Los pintores post impresionistas reflexionaron a partir del Impresionismo. Asumieron que este no era el inicio de un nuevo camino sino un punto final y buscaron nuevas soluciones pictóricas.
  • 5. LOS PINTORES POSTIMPRESIONISTAS  En el Postimpresionismo encontramos dos vías diferentes:  Metódica, que sistematiza y ordena, representada por Seurat y Cezanne.  Expresiva simbólica, que valora lo emotivo, a la que pertenecen Van Gogh, Gauguin y Toulouse Lautrec.
  • 5. LOS PINTORES POSTIMPRESIONISTAS  George Seurat aspira a dar al Impresionismo una base científica, por lo que su obra es cerebral. Su técnica es el Puntillismo, es decir, que pinta puntos homogéneos de color sin mezcla que producen un encadenamiento continuo de contrastes elementales. Su obra más conocida es Una tarde de domingo en la Grande Jatte.
  • Una tarde de domingo en la Grande Jatte, de Seurat
  • Bañistas en Asnières, de Seurat
  • El puerto de Saint-Tropez, de Signac Impresionado por la técnica divisionista de Seurat, Signac comenzó también a experimentar con la fragmentación de la superficie por medio del punto del color. La construcción de las figuras la realizó a partir de toques y manchas de color cercanas unas otras, de manera tal que a medida que el observador se aleja del cuadro, se van mezclando. No obstante, Signac se mantiene fiel a los principios impresionistas, sin llegar al cientificismo cromático de Seurat.
  • Palacio de los Papas en Aviñón, de Signac
  • Gran Canal de Venecia, de Signac
  • 5. LOS PINTORES POSTIMPRESIONISTAS  Paul Cezanne poseyó una concepción tan completa del arte que generaciones de pintores han seguido su camino. Comenzó como impresionista puro, pintando al aire libre y adoptando una pincelada breve.  A partir de 1878, residiendo en Aix en Provence, el arte de Cezanne se simplifica, adquiriendo sus formas un claro sentido geométrico. En sus propias palabras, intentaba tratar la naturaleza por el cilindro, la esfera y el cono… Su paleta se basa en tonos naranjas, azules y verdes.
  • 5. LOS PINTORES POSTIMPRESIONISTAS  Entre sus obras destacan las Naturalezas muertas, con gran predilección por las manzanas. Pintó también paisajes de La montaña de Santa Victoria, series de Bañistas, retratos (Retrato de un campesino) y escenas de café como Los jugadores de cartas.
  • La montaña de Santa Victoria, de Cezanne
  • Las grandes bañistas, de Cezanne Las mujeres se muestran desnudas ante un fondo de paisaje en el que no hay nada definido y en el que abundan las tonalidades malvas. Estas figuras son macizas, casi escultóricas, en parte debido al empleo de una línea oscura que delimita sus contornos. Sin embargo, los rostros han desaparecido, siendo sustituidos por máscaras, como también haría Picasso.
  • Las grandes bañistas, de Cezanne El color es aplicado con violencia, mediante largas pinceladas en las que emplea espátula. Las tonalidades claras y alegres de sus primeros años dan paso a tonos oscuros. Su proceso de recuperación de la forma a través del color ha concluido; el Impresionismo ya es algo sólido y duradero, como el arte de los museos.
  • Los jugadores de cartas, de Cezanne Este lienzo es el más famoso de la serie de cuadros que Cezanne pintó en la década de 1890. Los protagonistas de las telas son los campesinos de Aix y el jardinero del Jas de Bouffan, residencia veraniega del pintor, Vallier.
  • Los jugadores de cartas, de Cezanne Antes de ponerse a pintar realizó numerosos estudios. Las dos figuras se sientan a ambos lados de una pequeña mesa, uno frente al otro, sobre la que apoyan los codos. Están concentrados en el juego, interesándose Cezanne en captar sus expresiones, y se presentan tocados con sendos sombreros típicos de las clases sociales humildes de Provenza.
  • Los jugadores de cartas, de Cezanne La iluminación artificial se manifiesta en las sombras, especialmente en el reflejo blanco de la botella. El color es el protagonista del lienzo, que inunda todos los rincones de la obra. El hombre de la derecha viste una chaqueta de tonalidades grises amarillentas y su compañero está vestido con una chaqueta y un pantalón de tonalidades de la misma gama.
  • Los jugadores de cartas, de Cezanne A diferencia de la primera pintura de Cézanne, en este trabajo, prima el volumen y la forma sobre la luz, obteniendo ese volumen gracias al color en estado puro. La aplicación del color se realiza a base de fluidas pinceladas que conforman facetas.
  • 5. LOS PINTORES POSTIMPRESIONISTAS  Por su búsqueda de lo permanente y lo esencial, tuvo influencia decisiva en el Cubismo.
  • 5. LOS PINTORES POSTIMPRESIONISTAS  Para Van Gogh, el arte tenía un sentido casi religioso. Su agitada existencia terminó trágicamente en el suicidio y su pintura traduce el fuego interior que le producía su enfermedad mental. Su pincelada es rápida, gestual y expresiva, el colorido es vibrante y las formas serpenteantes, flamígeras.
  • 5. LOS PINTORES POSTIMPRESIONISTAS  Entre su abundante obra destacan los autorretratos, retratos (El doctor Gachet), cuadros de flores (Los girasoles y Los lirios), paisajes (Campos de trigo; Noche estrellada; La iglesia de Auvers) e interiores (La habitación del pintor).
  • Comedores de patatas, de Van Gogh
  • El puente levadizo, de Van Gogh
  • El café nocturno, de Van Gogh
  • El café de noche, de Van Gogh
  • La habitación en Arlés, de Van Gogh
  • Noche estrellada, de Van Gogh Esta famosa escena resulta una de las más vigorosas y sugerentes realizadas por Vincent. En pocas obras ha mostrado la naturaleza con tanta fuerza como aquí. Vincent se encuentra recluido en el manicomio de Saint- Rémy desde el mes de mayo de 1889 y muestra en sus imágenes lo que contempla desde su ventana.
  • Iglesia de Auvers-sur-Oise, de Van Gogh Quizá sea ésta la obra más emblemática de las 80 imágenes realizadas por Vincent durante sus dos meses de estancia en el pueblo de Auvers-sur- Oise, al noroeste de París, donde había sido enviado por Theo, cansado de Arlés. En esa estancia estuvo atendido por el doctor Gachet. Las luces nocturnas siempre llamaron la atención de Van Gogh, bien fuese la luz de las estrellas, bien la de la luz artificial. De nuevo recurre a la luz nocturna, teniendo como protagonista una pequeña iglesia gótica, que adquiere por el efecto lumínico una sorprendente sensación fantasmagórica. Como buen impresionista (no olvidemos que Van Gogh aprendió de Pissarro y se inició en este movimiento pictórico) se preocupa por captar la sombra de la construcción, apreciándose claramente tanto en el sendero como en el césped, al tomar un tono más oscuro.
  • Autorretrato, de Van Gogh
  • Retrato del doctor Gachet, de Van Gogh
  • 5. LOS PINTORES POSTIMPRESIONISTAS  Por su visión subjetiva, por proyectar sus sentimientos en la pintura transmitiéndonos su soledad, por su angustia y su fracaso como artista (no vendió ninguna de sus obras), se considera a Van Gogh un claro antecedente del Expresionismo.
  • 5. LOS PINTORES POSTIMPRESIONISTAS  Paul Gauguin fue un pintor vocacional que abandonó el bienestar económico e incluso a su familia para buscar la autenticidad primero en Bretaña y más tarde en Tahití.  Adoptó el procedimiento del cloisonismo, consistente en pintar con tintas planas, delimitadas con un trazo lineal fuerte y nítido: es una técnica que recuerda los esmaltes y las vidrieras. Sus obras, al contrario que las de Van Gogh, dan sensación de estatismo.
  • 5. LOS PINTORES POSTIMPRESIONISTAS  En obras como Mata Mua, El caballo blanco, Never More, Arearea y Mujeres tahitianas supo liberarse de los colores reales de la naturaleza y, debido a esa autonomía del color, se le considera antecedente del Fauvismo.
  • ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? A dónde vamos? de Gaguin
  • Salve María, de Gauguin
  • Mujeres de Haití, de Gauguin
  • El Cristo amarillo, de Gauguin
  • Arearea, de Gauguin
  • 5. LOS PINTORES POSTIMPRESIONISTAS  Toulouse Lautrec destacó como cartelista. Su pintura oscila entre lo expresivo, con un gran sentido crítico, y lo decorativo. Fue pintor de los ambientes de los cabarets parisinos, de los alegres y sórdidos interiores de la gran ciudad. Una de sus obras más conocida es Baile en el Moulin Rouge.
  • Baile en el Moulin Rouge, de Toulouse- Lautrec La inauguración del "Moulin Rouge" en 1889 supuso para Toulouse-Lautrec uno de los momentos más felices de su vida ya que se iniciaba una fructífera relación con el local de moda más importante de París. En el vestíbulo de ingreso se encontraba su obra. Más tarde realizará diversos carteles publicitarios del templo del ocio parisino.
  • Ambassadeurs, de Toulouse-Lautrec Uno de los personajes más emblemáticos de Montmartre era Aristide Bruant, un cantautor famoso por sus letras desgarradas sobre la lucha de los obreros y los marginados. A pesar de su temática proletaria tuvo un enorme éxito lo que le permitió arrendar uno de los templos nocturnos de París: Le Chat Noir, al que cambió el nombre por Le Mirliton, convirtiéndose en el nuevo centro de reunión de los artistas bohemios. En Le Mirliton expuso Toulouse-Lautrec al público por primera vez y en la revista del mismo nombre publicó algunas litografías. Este cartel lo realizó Henri con motivo de la actuación de Bruant en el Ambassadeurs, el mejor café-concert al aire libre de París -situado en los Campos Elíseos- del que Degas tiene magníficas imágenes. Toda la ciudad fue empapelada con los carteles, lo que contribuyó al éxito de Lautrec.
  • Ambassadeurs, de Toulouse-Lautrec La dureza del cantautor ha sido perfectamente interpretada por Henri en esta imagen donde se pone de manifiesto su relación con los grabados japoneses.
  • El diván japonés, de Toulouse-Lautrec Toulouse-Lautrec conseguirá bastante fama como cartelista, anunciando especialmente los locales nocturnos que frecuentaba. En este caso se trata del café-concert Divan Japonais, lugar en el que se intentaba crear un ambiente pseudo-oriental cuando todo lo que procedía de Oriente llamaba la atención. En primer plano están Jane Avril -famosa bailarina del Moulin Rouge- y el crítico simbolista Edouard du Jardin. Tras ellos aparecen los cuellos de los contrabajos, los brazos del director de orquesta y, sobre el escenario, la silueta inconfundible de Yvette Guilbert, la cantante del local que se convertiría en la obsesión del pintor.
  • El diván japonés, de Toulouse-Lautrec La influencia de la fotografía es muy marcada, como observamos al cortar los planos pictóricos - e incluso la cabeza de Yvette -. El agobio espacial, con los planos muy unidos entre sí, es otra de las características de este excelente cartel en el que apreciamos cierta deuda con Degas.
  • 6. EL IMPRESIONISMO EN ESPAÑA  La técnica de “manchas”, que rompe con la factura retocada de la mayoría de los cuadros de historia, se anticipa en Rosales y Fortuny, pero faltaba todavía un paso, separarse del taller y entregarse a la captación de los paisajes vivos, a plain air. Algunos maestros viajan a París y conocen la nueva sensibilidad; así Zuloaga traba contacto con la obra de Toulouse-Lautrec, y Regoyos a su regreso aplica en sus paisajes cántabros las técnicas del impresionismo. Pero, sobre todo, el movimiento del último cuarto de siglo está representado por el valenciano Joaquín Sorolla.
  • 6. EL IMPRESIONISMO EN ESPAÑA  La obra de Joaquín Sorolla asombra por su fecundidad; casi tres mil cuadros y más de 20.000 dibujos y apuntes. Durante algún tiempo cultivó los temas de historia, pero un viaje a París le inclinó hacia una mayor sensibilidad por los temas del presente.
  • Y aún dicen que el pescado es caro, de Sorolla
  • 6. EL IMPRESIONISMO EN ESPAÑA  La luz de Valencia termina de incorporarle a la estética impresionista; no obstante, su parentesco con la escuela francesa es discutible. Sorolla mantiene en muchos de sus cuadros un dibujo poderoso y afronta problemas de composición y movimiento de los que poco se cuidaron los pintores franceses.
  • Cosiendo la vela, de Sorolla
  • 6. EL IMPRESIONISMO EN ESPAÑA  El estudio de Velázquez y Goya influye, sin duda, en su diseño de los temas. De su obra destacan sus escenas valencianas de playa y pesca, en las que una técnica suelta de mancha gruesa capta la vibración lumínica del cielo mediterráneo y sus brillos en las velas desplegadas, en las arenas y, sobre todo, en los cuerpos mojados de los niños que juegan en la orilla de la playa.
  • El balandrito, de Sorolla
  • 7. ESCULTURA IMPRESIONISTA  El Impresionismo influye en la escultura a través de estudiar las posibilidades del material y los efectos de lo inacabado. Se produce una renovación de los ideales de la escultura alejándola de los modelos clásicos. Rodin es uno de sus máximos representantes, con él aparece un nuevo leguaje escultórico.
  • 7. ESCULTURA IMPRESIONISTA  Aplica la técnica impresionista a la escultura: valora el fragmento, lo inacabado como parte esencial de la realidad. Se produce una nueva valoración de la superficie, del espacio, de la textura y el volumen. Con la rugosidad de las superficies y la multiplicación de planos obtiene efectos de luz y da fuerza colosal a sus figuras. El acabado rugoso y abocetado provoca que la luz vibre y produzca efectos lumínicos muy próximos al impresionismo. Introduce juegos lumínicos en la escultura y el sentido del movimiento. Destacan entre sus obras: El Beso, Retrato de Balzac, El pensador y Los burgueses de Calais.
  • El Beso, de Rodin Pertenece también al grupo escultórico de Las Puertas del Infierno. Es importante el movimiento de las obras de Rodin, los diferentes ángulos y puntos de vista que nos ofrecen nuevos detalles, más información sobre la obra (por un lado parece que se besan, por el otro no). Uno de los métodos de Rodin era llevar modelos desnudos a su taller y hacerles girar y moverse para encontrar la postura ideal que le inspirase. También serán importantes las obras inacabadas, la sensación de dinamismo, de que todo es cambiante, de que la obra no es igual según el lugar desde donde sea apreciada, el ritmo de la composición (formada con las posturas, los brazos, cómo éstos se entrelazan, etc.)
  • Retrato de Balzac, de Rodin Emile Zola encargó a Rodin, en nombre de la Société des Gens de Lettres, diseñar una estatua del novelista Honoré de Balzac que murió en 1850.
  • El pensador, de Rodin Pertenece al grupo escultórico de Las Puertas del Infierno, monumental grupo escultórico que mide 6 m. de alto, 4 de ancho y 1 de profundidad. Contiene 180 figuras con dimensiones de entre los 15 cm y más de un 1 m. y fueron encargadas en 1880. El Pensador es el símbolo de la escultura de Rodin. Aglutina todas las características del autor. La escultura llega a traspasar su sentido literario (ya que en su origen es el retrato del poeta Dante que se ve afectado por todo lo que está viendo –en las puertas–), y ahora con la escultura a grandes dimensiones adquiere un significado totalmente diferente, trata de expresar algo más universal y que se identificará con el destino del hombre.
  • El pensador, de Rodin Se trata de un hombre sentado, reclinado, con la cabeza ladeada hacia abajo, en una postura de pensamiento, pasividad, soledad, preocupación, etc. El Pensador está fundido en bronce.
  • Los burgueses de Calais, de Rodin
  • Los burgueses de Calais, de Rodin