Teoría musical. Formas musicales

1. Teoría musical
La teoría musical es un campo de estudio que tiene por objeto la investigación de los diversos
elementos de la música, entre ellos el desarrollo y la metodología para analizar, escuchar,
comprender y componer música. Mientras que la musicología puede incluir cualquier declaración,
creencia o concepción de lo qué es la música, la teoría musical está limitada a las discusiones
concernientes a los eventos sincrónicos (o diacrónicos) de una composición específica (o varias
composiciones), y a los capítulos músico-teoréticos abstractos (por ejemplo teoría de conjuntos,
teoría de grupos, teoría de tensión tonal, etc.).
Una persona especializada en teoría musical es un teórico musical.
Algunos teóricos musicales tratan de explicar el uso de las técnicas compositivas por los
compositores estableciendo reglas y patrones. Otros modelan la experiencia de la audición o
ejecución de la música. Considerando la extremada diversidad de sus intereses y propósitos, muchos
teóricos musicales occidentales están unidos por su creencia que los actos de componer, ejecutar, y
escuchar música pueden ser explicados con un alto nivel de detalle (esto, opuesto a una concepción
de expresión musical como fundamentalmente inefable, excepto en sonidos musicales).
Generalmente, los trabajos de teoría musical son tanto descriptivos como prescriptivos, pues con
ambos se intenta definir la práctica e influir en la práctica posterior. Así, la teoría musical se queda
atrás de la práctica de importante manera, pero también apunta a la futura exploración y ejecución.
Los intérpretes estudian teoría musical para ser capaces de entender las relaciones que un
compositor espera sean comprendidas en la notación, y los compositores estudian teoría musical
para poder entender cómo producir efectos y cómo estructurar sus propias obras. Los compositores
deberían estudiar teoría musical para guiar su proceso precomposicional y las decisiones
composicionales. Hablando en general, la teoría musical en la tradición occidental se enfoca en la
armonía y el contrapunto, y entonces las usa para explicar las estructuras a gran escala y la creación
de melodías.
Análisis musical
Se llama análisis musical a la disciplina que estudia las distintas obras musicales, desde el aspecto
de la forma, estructura interna, técnicas de composición, o acerca de la relación entre estos aspectos
y cuestiones interpretativas, narrativas y dramáticas. El análisis musical es un campo de la teoría de
la música, cuya especialidad es la más reciente: de hecho, su nacimiento como disciplina autónoma
se remonta aproximadamente a la segunda mitad del siglo XIX.
El análisis musical es variado y depende mucho de los distintos generos musicales que existen
Forma musical
En música , en su sentido genérico, designa tanto una estructura musical como una tradición de

2. escritura que permite situar la obra musical en la historia de la evolución de la creación musical.
Añadidas a un título de una obra, las diferentes formas musicales como sinfonía, concierto, preludio,
fantasía, étc. designan entonces, tanto una estructura que se ha construido a lo largo del tiempo,
como un género musical particular, una composición musical que ha evolucionado durante siglos —
ópera, danza, etc.. En ambos casos, el concepto de forma alude a la pertenencia a una categoría de
obra que posee uno o varios criterios más o menos estrictos propios de una estructura —número de
movimientos, arquitectura general, proporciones, etc.— que a lo largo de la historia se han
convertido en prototipos, lo que no ha impedido que hayan seguido evolucionando y olvidando a
veces los moldes del principio, ya que los compositores trabajan, además de los temas, el ritmo, la
melodía y la armonía.
Se habla también de formalismo cuando se hace uso de una cierta técnica de composición —música
serial— o de una categoría de obra que respeta un cierto número de usos, teóricos o históricamente
inducidos.
Pero si el contenido de la música es inefable, inmanente, su inscripción en la trama temporal de
nuestro presente le imprime a la vez una estructura y una forma, que operan en nosotros
transformaciones incontrolables por la consciencia. La organización de la música no es de orden
intelectual salvo si se la considera como una estructuración consciente que la teoría podría paralizar.
Forma musical, estructura y género
El concepto de forma no puede aprenderse directamente. Solo la escucha de la obra, su desarrollo en
el tiempo, permite la percepción. Históricamente, el compositor que titulaba una obra
relacionándola con una forma precisa, podía indistintamente hacer referencia a sus aspectos
genéricos (es decir, a su destino), o a su estructura musical (es decir, a su arquitectura), o incluso a
los dos a la vez —aspectos genéricos y aspectos estructurales, ya que están a menudo imbricados. Es
lo que de modo natural ha producido un deslizamiento semántico, y que numerosos términos que
designan diferentes formas —motete, fuga, aria, rondó, etc. — se hayan revestido de sentidos
distintos, unas veces cercanos al concepto de género musical, otras veces cercanos al de estructura
musical.
Un ejemplo notorio es el del término «sonata» que, según el contexto, puede designar el
«género sonata», o bien la «forma sonata» presente en diversos géneros, por ejemplo la sonata
clásico-romántica, el cuarteto o la sinfonía, que la emplean en algunos de sus movimientos, y
por lo que son conocidos como "géneros sonato:sinfónicos"
[editar] Forma y estructura
La forma se distingue incluso de la estructura musical, en el sentido de que una misma forma puede
de hecho —según la obra proyectada, según el compositor, según los usos de la época, etc.— adoptar
tal o cual estructura.
Así, el «preludio», cuando designa la forma introductoria de una ópera: el preludio de Carmen
de Bizet reviste la «estructura» de un rondó (ABACAD), mientras que el de El oro del Rin de
Wagner teje libremente un «decorado sonoro» adecuado, sin seguir una «estructura»
particular. En su sentido original, el preludio designaba solamente lo que precedía a la parte
más importante de una obra — cf. los preludios y fugas de Johann Sebastian Bach.
• Los aspectos estructurales asociados a una forma, deben de ser considerados como
constituyendo un simple esquema no constriñente. El no respeto de las reglas no excluye
forzosamente una obra de la forma tomada como modelo.
Por ejemplo, la «sinfonía», forma característica de los periodos clásico y romántico, es

3. tradicionalmente descrita como la sucesión de los cuatro movimientos siguientes: allegro, lento,
menuet y rondó. Ahora bien, es muy fácil encontrar sinfonías en que el marco se aleja poco o
mucho de este «plan ideal» —por ejemplo, la Sinfonía n° 34 en ut majeur K. 338 de Mozart no
tiene más que tres movimientos, mientras que la Sinfonía pastoral de Beethoven tiene cinco—: a
pesar de esta excepciones estructurales, tales obras deben evidentemente ser consideradas
como pertenecientes claramente a la forma «sinfonía».
• Desgraciadamente, es necesario señalar que el término de «forma» es a menudo empleado
como sinónimo de «estructura», lo que entraña fatalmente algunas nuevas confusiones: por
ejemplo, «forma binaria» por «estructura binaria».
Por ejemplo, si se dice que el segundo movimiento de tal sinfonía está escrito en «forma de
lied», esto no significa de ningún modo que se trata de la «forma lied» —que es una muestra a las
claras de música vocal y no de música sinfónica—, sino más bien que «su arquitectura sigue la
estructura musical habitualmente asociada a esta forma vocal», a saber: A B A'. Se aprecia que
una expresión tal que «forma lied» puede, según el contexto, aludir a una verdadera forma, o bien a
una simple estructura.
• Si el término forma es utilizada como un puro sinónimo de «estructura musical», alude de
hecho a la definición misma de la estructura, organización de los elementos constitutivos de
una obra: su arquitectura compositiva, su desarrollo, la disposición de las ideas musicales,
sus imitaciones, sus reexposiciones, etc.
De hecho, la célebre teoría de las formas musicales, elaborada en el siglo XVIII por J.
Mattheson, J.A. Scheibe, Joseph Riepel y Heinrich Christoph Koch, es de hecho una «teoría de
las estructuras musicales».
Para evitar confusiones, parecería preferible utilizar el termino de «estructura», más bien que
hablar de «forma lied», de «forma binaria», de «forma sonata», etc. Se hablaría así de «estructura
lied», de «estructura binaria», de «estructura sonata», etc. En este momento, el término «forma»,
tomado en el sentido de «estructura», es empleado todavía de forma muy frecuente.
[editar] Forma y género
La forma se distingue igualmente del género. Sin embargo, se le aproxima, con la condición de
admitir que el concepto de «género» puede desplegarse de manera arborescente.
Por ejemplo, el género «música instrumental» se divide en varias ramas: el género música de
cámara, el género música concertante, el género música sinfónica, etc. Este último género se
subdivide a su vez en varias sub-ramas: el género sinfonía, el género obertura, el género poema
sinfónico, el género ballet, etc. Son estas sub-ramas —sinfonía, obertura, poema sinfónico,
ballet, etc.— las que son tradicionalmente consideradas como formas.
• Se observa que según el contexto, varios términos que sirven para designar diferentes
formas musicales, pueden igualmente aludir al género musical asociado.
Por ejemplo, si se dice «Richard Wagner ha compuesto trece óperas», «Ayer tarde, Juan ha escuchado
una ópera», «Don Giovanni es mi ópera preferida», las tres menciones del término «ópera» aluden a
la forma musical, es decir a la «unidad» —una obra musical precisa, incluso no identificada—
pudiendo ser contabilizada y distinguida dentro de un conjunto.
Por otro lado, si se dice «Johann Sebastian Bach no ha escrito jamás para la ópera», «Juan escucha a
menudo ópera», «Las cantantes de ópera son casi siempre divas», las tres menciones de la palabra
«ópera» aluden esta vez al género musical, es decir a una «multiplicidad» de obras de la misma
naturaleza, constituyendo por tanto elementos no contabilizables.

4. Por el contrario, no se puede decir «Ayer tarde, Juan ha escuchado un bel canto»: el término «bel
canto» designa aquí exclusivamente un género musical, y no una forma. De la misma manera, no se
dirá nunca: «Juan escucha a menudo concierto» —sino más bien «Juan escucha a menudo de la
música concertante»— : el término «concierto» designa aquí exclusivamente una forma musical, y
no un género.
• De manera esquemática, el «género» designa el conjunto, mientras que la «forma» designa un
elemento de este conjunto: el «género» corresponde a la rama del árbol, la «forma»
corresponde al fruto; o dicho de otra manera, «la forma es el elemento terminal del género».
On voit cependant que la diferencia entre los dos conceptos es extremadamente tenue.
[editar] La forma musical como creadora de la unicidad de
la obra
[editar] Unidad de tiempo
La forma musical nos es revelada al tiempo y a medida que sucede el desarrollo de la obra musical:
cada instante es en potencia un momento del porvenir, una proyección en lo desconocido. Este es el
sentido del muy bello título de una obra de Henri Dutilleux que propone sumergirnos en el misterio
del instante. La teóloga suiza Hans Urs von Balthasar, para recordarnos la importancia del tiempo,
concibe esta metáfora juiciosamente musical de la condición humana:
«Demos confianza al tiempo. El tiempo es la música; y el dominio de donde ella emana, es el
porvenir. Compás tras compás, la sinfonía se engendra ella misma, naciendo milagrosamente de una
reserva de duración inagotable». («Faites donc confiance au temps. Le temps c’est de la música ; et le
domaine d’où elle émane, c’est l’avenir. Mesure après mesure, la sinfonía s’engendre elle-même,
naissant miraculeusement d’una réserve de durée inépuisable»).
El tiempo se inscribe en la dirección de la flecha del tiempo conceptualizada por Ilya Prigogine. El
orden que el compositor pone en lugar constituye un sistema abierto, basado tanto en la proporción
como en la aleatoriedad, tanto en lo racional como en lo indescriptible. La música crea sus propias
reglas de adaptación a la evolución.
[editar] Unidad de la obra
Inscrita en el tiempo, la forma musical no puede, por su esencia, compararse a las otras formas
artísticas, pictóricas, arquitectónicas u otras. La formalización musical es de hecho ante todo una
puesta en relieve. Forma y estructura son incluso difíciles de distinguir. La intervención
estructurante de la audición construye, de una parte, una escucha interior en el compositor y, de
otra, una escucha activa del oyente. Esta percepción está circunscrita a la duración, lo que permite
darle una unidad formal a la obra musical. La unidad es la condición primera, pero no se elabora más
que porque hay redundancias, oposiciones, comparaciones, conflictos... La estructuración previa del
material por el compositor precede en el tiempo la etapa de la formalización. Es un peldaño
metodológico de la creación ya que ella procede a la vez del espíritu y de la poesía. La forma musical
revelará entonces en su desarrollo una estructuración de la percepción estética, que puede
efectuarse a partir de modelos teóricos —forma sonata,...—) o a partir del material mismo,
imponiéndose a las intuiciones inmediatas del compositor.
[editar] Gestalt
Según Boris de Schlœzer, teórico inspirado por la Gestaltpsychologie, solo esta cohesión formal de la
obra, la totalidad globalizante de su organización, le proporciona de un sentido intrínseco e
inmanente, en que la música se significa ella-misma y procura una cierta sensación comunicativa a

5. aquellos que la escuchan. En realidad, la música se inscribe en un tiempo “vivido” que da su sentido
a la obra musical. Si el contenido de la música es inefable, inmanente, su inscripción en la trama
temporal de nuestro presente le imprime una estructura y una forma.
Haciendo primar su concepción gestaltista critica, de Schlœzer viene a distinguir estructura y forma
de la manera siguiente: la estructura reside en la disposición de las partes concebida en orden a
constituir un todo, una unidad. La forma, es este todo en tanto que tal, es decir la manera en que la
obra llega a la unidad. Por esencia y por necesidad, la obra musical sería así casi perpetuamente
reenviada del todo a sus partes y de las partes al todo. Pero solo la unidad formal, la armoniosa
cohesión de los elementos constitutivos opera este excedente de expresión que manifiesta la esencia
misma de la obra, su unicidad. Esta aproximación permite situar la creación musical en la psicología
de la percepción, subrayando la importancia de esta influencia reciproca del todo sobre las partes.
El pensamiento consciente que encierra al hombre en los límites de su propia identidad, es
sobrepasado por este todo constituido de relaciones que conservan todos los instantes, todas las
facetas —conscientes e inconscientes— que forman la cualidad de una obra musical. Así, esta se
distingue por dos rasgos de su creación formal que son, de una parte, el proceso y de otra parte su
estructuración. Ningún compositor puede a sabiendas congelar su expresión en un proceso
declaratorio previamente fijado, sin limitarse a sí mismo. A partir del contenido, de un material
construido, la estructura de la obra musical evoluciona de la percepción hacia la recepción.
[editar] Procedimiento y procesos
La creación musical adopta estrategias teóricas (genéricas), que han evolucionado en la historia de la
música, estrategias destinadas a impulsar el cambio, el movimiento, a partir de bases colectivas.
Estas reglas, estos sistemas, pueden acercarse a una ley de organización —como se entiende el
término inglés «procedure»— o de una semántica procesual, es decir no tanto aquello que concierne
al procedimiento mismo, a la estrategia de cambio, sino más bien a las fases de ese cambio, en
realidad el proceso. Esta noción de proceso ha directamente suplantado a otras nociones de
estructuración de la música, tales como aquellas que creaban los objetos musicales, elementos
arquitectónicos de una estructura a definir. De una dualidad objeto/estructura, se pasó en los años
1960 a una dualidad material/proceso.
¿Cómo se ha pasado sensiblemente de la visión procedimental —en que la forma es preestablecida,
confinada por la teoría— a una visión que representa un proceso? Se ha pasado por un juego de
experiencias sobre lo sonoro y sobre la vida, y por una análisis de las relaciones del todo con las
partes. La observación del material tradicional y de las representaciones nuevas prueba que la
música se sitúa siempre en un movimiento estructurado que fija el grado de estabilidad de tal o tal
momento, y la aparta de sus puntos de anclaje con el conjunto de la obra.
[editar] Música contemporánea y formas musicales
En la música contemporánea, el compositor se enfrenta a un material sonoro rico de su propia
expresividad, de su poder de inmanencia, es únicamente llevada a cordinar la necesidad de una
formalización de los procesos y la obligación de las relaciones que desbloquean las leyes de la
percepción de los estratos informales de lo musical. La relación función-forma no tiene
verdaderamente importancia a nivel de una creación que sin cesar toma el riesgo de lo nuevo. Solo la
relación entre el material —modelo acústico, transposición musical— y la función inducida —por
naturaleza o por destino— proporciona los criterios de una posible integración formal. Crear nuevas
organizaciones de las funciones musicales que se dirigirán menos directamente a la organización
jerárquica de la forma desarrollada que al interés del oyente que en ella atrae su recepción, se ha
convertido en una nueva noción traducida por la idea de material musical. Todos estos conceptos
que dirigen esta búsqueda de una historia de la recepción se han transformado en poco tiempo en
conceptos modernos básicos para participar en la evolución de las formas.
Esta integración de un nuevo material ha suscitado una nueva dinámica de búsqueda, basada a la vez

6. en las propiedades intrínsecas y extrínsecas del material, y en las condiciones de la percepción de lo
musical. Es decir que ello ha desmultiplicado las características formales del material e incluso los
márgenes de maniobra de la representación han aumentado. A la vez nuevo en su visión y en la
posibilidad de su organización, este material interroga a la consciencia artística de los compositores
(todo lo que expresa virtualmente la teoría y que la práctica busca realizar). La poética musical busca
hacer corresponder las verdades de la representación con las profundidades de lo imaginario. No
puede acomodarse a los límites psicosensoriales, sino que es conducida a invitar a la diversidad de
las relaciones mantenidas al interior de lo sonoro, a la construcción de funciones perceptivas
nuevas, y musicales.
Alejándose así de la jerarquía polarizada alrededor de la función tonal, y sobrepasando las
combinaciones paramétricas del serialismo de los años 1960, una dialéctica de la forma y del fondo,
de lo consciente y de lo natural, se está así estableciendo y está destinada a forjar nuevas
dimensiones de la representación, a construir una expresión atípica, desprovista de relaciones
funcionales estrictas. El sentido musical y el ordenamiento de la forma se encuentran todavía más
solidarizados; como explica Lev Koblyakov:
“La unidad indisociable del material y de la organización significa que ambos son generados juntos y
que el menor cambio en el material afecta también a la organización.” (“L’unité indissociable du
material et de la organización signifie que tous deux sont générés ensemble et que le moindre
changement dans le material affecte aussi l’organización.”)
Lev Koblyakov
dylan fleto
[editar] Funcionalidades
El equilibrio formal consigue así mantenerse gracias a un equilibrio funcional anticipado por el
compositor. El análisis de las funciones perceptivas macroscópicas y microscópicas —percepción de
la variación y de las repeticiones, haces de índices remanentes, control de la disonancia…— y de la
memoria —motivada por las articulaciones que actúan como los recuerdos— permite intervenir
pertinentemente sobre la percepción de la estructura global. Microestructura y macroestructura
poseen el mismo nivel de ductilidad que la composición musical ha sabido explotar. El fenómeno
nuevo, y esencial en la intuición estética contemporánea, es que esta puesta en relación puede
encontrarse en la naturaleza inmanente de cada sonido, al mismo tiempo que en la estructura global
de la obra. Ello permite la toma en cuenta de esta totalidad de reencuentros o de oposiciones de los
fenómenos —armonicidad o inarmonicidad, textura, equilibrio…—. Esta ambivalencia del material
musical impone dos lógicas: una local, y otra global. En tanto que esta prerrogativa dualista puede
ser objeto de organización, se intenta preservar las figuras inconscientes de la intuición, a las que
reenvían todos los formalismos musicales. Estos formalismos, tributarios de ciertos aspectos
materiales de la música, se apoyan en las leyes acústicas y los elementos constitutivos del sonido tales
como las duraciones, las alturas, las intensidades o el timbre que se convierten así en atributos
formales. Las relaciones entre estos parámetros precisa una atención particular y a fondo de los
[atributos de la percepción de la forma.
[editar] Listado de formas musicales
Ver también: Formas musicales por periodo, línea de tiempo
Lista de formas musicales
Forma
Época Definición
musical
Canto llano Canto litúrgico monódico y a capella, que representa una oracíon o
Medieval
(Canto plegaria. Uno de los cantos llanos más representativos es el Canto

7. gregoriano) gregoriano, que se canta en latín
Forma musical y litúrgica propia de todas las tradiciones litúrgicas
cristianas.Consiste en una melodía generalmente corta y sencilla, de
estilo silábico, utilizada como estribillo que se canta antes y después
Medieval Antífona
de los versículos de un cántico, himno o salmo, normalmente en
latín, en varios servicios religiosos del Oficio y de la Misa, como las
Vísperas.
Forma poética muy antigua. En un principio fue una composición
coral en honor a un dios. Posteriormente fue una composición
musical revestida de solemnidad usada para transmitir sentimientos
Medieval Himno
como el patriotismo, la religión o la superioridad de unos países
frente a otros o, incluso, las gestas realizadas contra otros, si fueron
escritos en los momentos inmediatos a la independencia.
Elegante baile musical originario del siglo XII. Su característica más
Medieval Vals
significativa es que sus compases son de 3/4.
En música medieval, conductus es un tipo de composición vocal de
una a cuatro voces en verso latino, usado en su forma inicial,
Medieval Conductus
monódica, en la liturgia cristiana. Se componía para celebrar actos
históricos religiosos o profanos.
Canto propio de la Liturgia hispánica que se cantaban después del
Psallendum en algunas solemnidades, formando un todo con él.
Medieval Clamores Constaba de una primera sección que concluía con la aclamación
Deo gratias y un versículo. Después se repetía el estribillo del
Psallendum.
Término utilizado originalmente para designar los cantos
monódicos que tenían lugar en la liturgia de la Iglesia Occidental. En
el siglo XIV se distinguía entre los cantos corales o eclesiásticos y los
cantos figurales. A partir del siglo XV se empezó a usar el término
Medieval Coral coral para referirse al himno eclesiástico de la Iglesia Luterana, y ya
en el siglo XVIII, se llamó corales a los cantos de la Iglesia
Protestante en general. Desde el siglo XIX se utiliza el término para
designar piezas homofónicas, con melodías principalmente
diatónicas y ritmos sencillos.
Composición musical formada por más de una frase melódica que se
Medieval Secuencia repiten dos veces, al menos una debe repetirse; el texto si existe,
siempre es independiente de la melodía.
En la época medieval, se denominó tropo a una forma musical que
prolongaba y embellecía la liturgia añadiéndole texto, música o
Medieval Tropo
ambos; mientras que en el canto gregoriano el tropo consiste en
añadir palabras en los melismas.
Danza medieval, originaria de la Provenza, muy en boga desde el
Medieval Estampie
siglo XII.
El organum es una forma de polifonía occidental primitiva, que está
basada en la repetición paralela de la misma melodía, nota por nota,
Medieval Órganum
pero generalmente a una distancia de cinco notas (una quinta justa)
más agudas.
Danza alegre que se desarrolló a partir de la gaillarde de Nápoles, en
Medieval Saltarello
el XIII en Italia.
Composición musical para una sola voz, una sola melodía, que tuvo
un gran desarrollo durante los siglos VIII y XIII (canto gregoriano).
Medieval Monodia
Cuando cantaban varias voces lo hacían al unísono o con una octava
de intervalo. Generalmente, el término se refiere a toda melodía

8. para una sola voz, y se opone a polifonía.
Término italiano que significa literalmente canción. En la época
trovadoresca, se le conocía así al poema lírico de 4 o 5 estrofas, de 8
versos cada una. En la Italia de los siglos XV y XVI se encuentra un
género monódico, parecido a la frottola y al strambotto, precursor
Medieval Canzona
de la villanella y del madrigal, llamado canzona. Posteriormente se
convierte en canción polifónica derivada de la canción franco-
flamenca de Josquin des Prés, Clément Janequin, Thomas
Crecquillon y otros, con el nombre de canzona francese.
Forma de composición musical de carácter polifónico basada en la
Medieval Canon imitación estricta entre dos o más voces separadas por un intervalo
temporal.
Forma poética medieval, frecuentemente musicada. Es una de las
Medieval Virelay tres 'formes fixes' y fue una de las métricas más comunes en Europa
desde la segunda mitad del siglo XIII hasta finales del XV.
Forma musical tradicional de la Gran Colombia (Panamá, Venezuela,
Medieval y
Pasillo Colombia, Ecuador y Perú) en la época de la conquista y colonia
renacentista
española. Variante y descendiente del Vals vienés.
La más importante forma vernácula de música sacra en Italia en la
baja Edad Media y en el Renacimiento. Originalmente la lauda fue
música solista y monofónica , pero a partir del siglo XIV se
Medieval y
Lauda desarrolló una forma polifónica. De ritmo regular y estructura
renacentista
armónica sencilla, recibió la influencia de los trovadores , ya que los
primeros ejemplos muestran similitudes rítmicas, en su estilo
melódico y especialmente en su notación.
Comúnmente es una composición para tres o cuatro voces, con la
Medieval y voz más aguda conteniendo la melodía. La frottola evita la
Frottola
renacentista complejidad del contrapunto , prefiriendo texturas homófonas,
ritmos claros y repetidos, y un rango melódico estrecho.
Término francés, que en español se refiere a cualquier canción con
letra en francés y, más específicamente, a piezas vocales de tema
amoroso, y también a las de crítica social y política, en particular las
pertenecientes al estilo de los cabarets. En este contexto se llama
chansonnier al intérprete de canciones de carácter humorístico o
Medieval y
Chanson satírico. En un modo más especializado, chanson es una pieza
renacentista
musical polifónica de la Baja Edad Media y Renacimiento. Las
chansons antiguas tendieron a presentar una forma fija como
balada, rondó o virelay, aunque posteriormente muchos
compositores usaron la poesía popular en variedad de formas
musicales.
Medieval y Composición musical nacida en el siglo XIII para cantar en las
Motete
renacentista iglesias, de texto comúnmente bíblico.
Medieval,
Composición musical para la voz humana (comúnmente
renacentista,
acompañada por otros instrumentos musicales) y con letra.
barroca, Canción
Típicamente es para un solo vocalista, aunque puede también ser
clásica y
para un dueto, trío, o para más voces (música coral).
romántica
Medieval, Composición musical para dos ejecutantes, instrumentales o
renacentista, vocales. Cuando se trata de dos instrumentistas se suele hablar de
barroca, Dúo dúo (Dúo de violines), reservándose el término dueto (diminutivo de
clásica y dúo) para las composiciones de dos cantantes. Además de ser una
romántica composición musical, se conoce por este nombre a la formación

9. musical de dos intérpretes.
Pieza musical para ser cantada por una voz solista, habitualmente
Renacentista Aria con acompañamiento orquestal y como parte de una ópera o de una
zarzuela.
Género musical polifónico emparentado con el Quodlibet. Fue muy
popular en la península Ibérica durante el Renacimiento,
especialmente en el siglo XVI. Su estilo es madrigalesco y está
Renacentista Ensalada
formada por elementos heterogéneos. La ensalada fue concebida
para diversión de los cortesanos y alcanzó gran fama en las fiestas
palaciegas.
Estilo de danza y forma musical del siglo XVI originario de Francia
Renacentista Branle en el que el movimiento principal es lateral, y se bailaba en parejas
o en un grupo formando líneas o círculos.
Un tipo de ajuste musical de la poesía francesa común en los siglos
XIV y XV. Ofrecía típicamente una voz superior prominente, que era
Renacentista Balada cantada, y dos voces más bajas que pudieron haber sido vocalizadas
o se realizaron con instrumentos. Guillaume de Machaut es el
compositor más famoso de baladas polifónicas.
Himno cantado de alabanza religiosa. Utilizado desde mitad del XVI,
Renacentista Cántico
es corto, sencillo y popular.
Danza de pareja de tres tiempos aparecida en Lombardía hacia 1480.
Frente a su solemnidad inicial, en seguida gana popularidad y se
Renacentista Gallarda
convierte en una danza de baile muy apreciada en el XVI, siguiendo
habitualmente a la pavana en las suites de danza.
Composición para varias voces, sin acompañamiento, que intenta
Renacentista Madrigal
traducir las más delicadas inflexiones de un poema.
Renacentista Pavana Danza procesional común en Europa durante el siglo XVI.
También llamada "corrente", "coranto" o "corant" es el nombre
Renacentista y
Courante dado a un familia de danzas ternarias de finales del Renacimiento y
barroca
principios del período Barroco.
Pieza de música que combina diferentes melodías en contrapunto,
usualmente temas populares, y a menudo en forma sencilla. Un
Renacentista y ejemplo muy conocido se encuentra en el final de las Variaciones
Quodlibet
barroca Goldberg, Variación Nº 30, de Bach. Otro ejemplo es Galimatias
Musicum un quodlíbet a 17 partes compuesto por Wolfgang
Amadeus Mozart cuando tenía alrededor de 10 años de edad.
Pieza de música clásica para teclado, que generalmente enfatiza la
Renacentista y
Toccata destreza del practicante. Menos frecuentemente, se utiliza para
barroca
referirse a trabajos para múltiples instrumentos.
Renacentista,
barroca, La Misa, una forma musical sacra, es una composición coral que
Misa
clásica y traslada a la música secciones fijas de la liturgia eucarística.
romántica
Renacentista,
Género de música teatral en el que una acción escénica es
barroca,
Ópera armonizada, cantada y tiene acompañamiento instrumental, donde
clásica y
los actores utilizan estilos poco comunes al cantar.
romántica
Danza alemana barroca (siglo XVIII) de compás cuaternario o
binario y simple. Término que también es usado para denominar un
Barroca Alemanda
elemento estándar de la suite, normalmente el primer o segundo
movimiento. También se puede denominar Allemanda, Almán o

10. Almaín.
Desde la época barroca, la cantata es una composición para una o
Barroca Cantata
más voces solistas que se acompañan de instrumentos.
Popular forma de música barroca usada por un conjunto musical
Concerto que generalmente tenía de cuatro a seis movimientos, en los cuales
Barroca
grosso el material musical era pasado entre un pequeño grupo de solistas y
una orquesta completa.
Tipo de Aria que aparece en la música barroca que se caracteriza
por su forma ternaria, es decir en tres partes. Como las delas,
Barroca Aria da capo
también son interpretadas por un solista acompañado por
instrumentos, normalmente en una orquesta pequeña.
Antigua forma musical (barroco alto) basada en el procedimiento de
la imitación. Forma contrapuntística menos elaborada que la fuga,
Barroca Ricercare que es más tardía y explota un tema generador de forma
sistemática, mientras que el ricercare encadena episodios diferentes
que pueden no tener ligazón temática.
Composición polifónica basada en el contrapunto entre varias voces.
Barroca Fuga
(siglo XVII)
Una de las muchas piezas básicas para componer una suite. Es una
danza francesa de los siglos XVII y XVIII, pastoril, que tomó el
Barroca Musette nombre del instrumento con el cual se ejecutaba: musette o
cornamusa. También se refiere a un estilo musical predominante en
París, donde el acordeón era el instrumento principal.
Forma musical tradicional del sur Italia. Conocida desde el XVII,
particularmente vivaz, acompañada de una danza desenfrenada, era
tocada en ceremonias qui podían durar jornadas enteras, para curar
Barroca Tarantela a quienes se creía víctimas de mordedura de una araña legendaria,
la tarántula. Las cualidades terapéuticas que se le pretendían eran
un pretexto a fin de perpetuar las danzas paganas en la Italia
católica rigorista del XVII.
Danza popular francesa, muy popular en la corte de Luis XIV de
Barroca Gavota
Francia , donde Jean-Baptiste Lully era el principal compositor.
Danza rápida o muy rápida, de origen probablemente inglés (jig).
Cronológicamente, fue la última danza en ser integrada como
elemento básico de la suite baroque. Se toca en último lugar,
Barroca Giga
después de la zarabanda, pero con la posibilidad de intercalar entre
ellas algunas danzas opcionales, como el minueto, gavotta, bourrée,
passepied, rigaudon, etc.
Danza en tres tiempos de origen hispanoamericano que, a través de
España, se difundió por Europa. Durante el siglo XVII, la Chacona
desarrolla un tema melódico al que se aplicaba variaciones en el
Barroca Chacona
bajo (basso ostinato). Monteverdi y Frescobaldi utilizaron ritmos
más lentos del tipo zarabanda, muy del gusto de Couperin y Lully,
que la utilizaban en sus obras escénicas.
Antigua danza tradicional de la música barroca originaria de la
región francesa de Poitou que alcanzó su desarrollo entre 1670 y
Barroca Minueto 1750. Fue introducida en la corte francesa por Jean-Baptiste Lully
(1673) que la incluyó en sus óperas y, a partir de ese momento,
formó parte de óperas y ballets.
Pequeña composición litúrgica para órgano que usa una melodía de
Barroca Preludio coral un coral como base. Fue una forma predominante del barroco
alemán y tuvo su culminación en la obra de J.S. Bach, que escribió 47

11. (el nº 47, inconcluso) ejemplos de esta forma en su Orgelbüchlein.
Pieza musical breve, usualmente sin una forma interna particular,
que puede servir como introducción a los siguientes movimientos
de una obra, usualmente más grandes y complejos. Muchos
Barroca Preludio preludíos tienen un continuo ostinato debajo, usualmente de tipo
rítmico o melódico. También hay algunos de improvisación. El
preludio también puede referirse a una obertura, particularmente a
aquellos de una ópera, oratorio o ballet.
Danza lenta, originaria de América Central, que se popularizó en las
colonias españolas, antes de cruzar el Atlántico para llegar a España.
Barroca Zarabanda
Posteriormente, se convirtió en un movimiento tradicional en la
suite durante el Barroco.
Pieza musical compuesta por varios movimientos breves cuyo
origen son distintos tipos de danzas barrocas. La suite está
considerada como de las primeras manifestaciones orquestales de
Barroca Suite
tipo moderno. Otras veces se presentaba un tema musical en
diferentes danzas. Por ello se ha considerado este género un
antecedente de la forma sonata que se origina en el siglo XVII.
Composición musical de corta extensión (normalmente para
Barroca Invención
teclado) con una estructura contrapuntística a dos voces.
Danza tradicional de parejas, de origen francés, siglo XVI. La
Barroca Bourrée bourrée es una danza rápida que se utilizó en la suite barroca y en
los ballets y las óperas francesas del siglo XVII y el siglo XVIII.
Canción folclórica cantada por los gondoleros venecianos, o una
Barroca, obra musical escrita en aquel estilo. En la música clásica, las dos más
clásica y Barcarola famosas son la de la ópera Los cuentos de Hoffmann de Jacques
romántica Offenbach, y la Barcarola en fa sostenido mayor, para piano, Opus 60
de Frédéric Chopin.
Barroca,
Introducción instrumental de una ópera u otra obra dramática,
clásica y Obertura
musical o no.
romántica
Tipo de concierto donde los instrumentos de teclado (piano, órgano,
Barroca, clavicémbalo, entre otros) son los solistas. Es uno de los conciertos
Concierto para
clásica y más importantes de la música académica, especialmente a partir de
teclado
romántica la segunda mitad del siglo XVIII, donde es ampliamente cultivado
entre los grandes compositores hasta nuestros días.
Forma musical en la que se compone una obra para un instrumento
Barroca,
solista, o en algunos casos también con orquesta incluida, que
clásica y Concierto
usualmente es de tres movimientos siguiendo un patrón de rápido -
romántica
lento - rápido.
Barroca,
Obra para orquesta, de ordinario dividida en cuatro movimientos,
clásica y Sinfonía
cada uno con un tiempo y estructura diferente.
romántica
Obra lírica de carácter narrativo, sin representación escénica,
Barroca, formalmente bastante próxima a la ópera, destinada en principio a
clásica y Oratorio ser interpretada en una iglesia o (en nuestros días) en concierto. Sus
romántica temas eran a menudo religiosos: episodios sacados de la Biblía, de la
vida de Jesus o más raramente, de la vida de los santos.
Forma musical que fue muy popular durante el siglo XX, compuesta
Barroca,
para un reducido número de instrumentos. De forma similar a la
clásica y Divertimento
suite, y al igual que ésta, estaba formada por movimientos de danza,
romántica
aunque más cortos y simples, y más libres en su conjunto.

12. Barroca,
Obra musical que entra dentro de las composiciones definidas por el
clásica y Marcha
movimiento o por el ritmo.
romántica
Forma musical libre que se distingue por su carácter improvisatorio
Barroca, e imaginativo, más que por una estructuración rígida de los temas,
clásica y Fantasía que permite al compositor una mayor expresividad musical
romántica relajando las restricciones inherentes a otras formas tradicionales
más rígidas, como la sonata o la fuga.
Canción o composición musical relacionada, de acompañamiento o
Clásica y evocando al atardecer. Otra manera de definirla es como un tipo de
Aubade
romántica música matinal interpretada al aire libre para festejar a alguien, en
oposición a la serenata.
Género dramático cuya acción es representada por medio de
pantomimas y danzas. El ballet cortesano francés, es
contemporáneo de los primeros ensayos de la monodía dramática
de Florencia (los intermedios, de finales del siglo XVI). De las
Clásica y
Ballet representaciones de los ballets de la corte nacen la ópera-ballet y la
romántica
comedia-ballet de Lully y de Molière. El ballet intercalado, insertado
en una ópera, es específico del arte lírico francés, como se refleja en
las representaciones de las tragedias líricas de Lully y de Rameau. La
reforma de Noverre (ballet de acción) e incluso las de Gluck.
Himno (estrictamente excluye a los Salmos) tomado de la Biblia. El
Clásica y
Cántico término es a veces usado para incluir a los antiguos himnos no
romántica
bíblicos como el Te Deum y ciertos salmos usados en la liturgia.
Clásica y Étude o Breve composición hecha para practicar una destreza técnica
romántica Estudio particular en la ejecución de un instrumento solista.
Pieza, tradicionalmente pianística, que se caracteriza por la
Clásica y continua improvisación. Se estructura normalmente en tres partes
Impromptu
romántica ABA (forma tripartita). Fue cultivada por autores como Schubert,
Chopin y Fauré.
Composición que cabe entre otras entidades musicales o dramáticas,
Clásica y
Intermezzo como por ejemplo, actos de una obra teatral o movimientos de una
romántica
obra musical más extensa.
Término que se refiere a una composición, típica de los países
germánicos, escrita para un cantante con acompañamiento de
Clásica y
Lied piano. Es característico la brevedad de la forma, la renuncia al
romántica
virtuosismo belcantistico, la estrecha relación con el poema y la
fuerte influencia de la canción popular alemana.
Danza animada de pareja, tradicional de Polonia, del siglo XVI, algo
más rápida que la polonesa. Originalmente un baile de salón, se
convirtió en una danza popular. Se dio a conocer por toda Europa,
Clásica y junto con la polca (de estructura similar), durante la segunda mitad
Mazurca
romántica del siglo XIX. Se parece al vals y al minué (de origen francés, la más
famosa danza durante el siglo XVIII) en cuanto a su estructura y a su
movimiento moderado. Especialmente fue Frédéric Chopin el
precursor de esta forma musical en la música clásica y de concierto.
Pieza de música vocal o instrumental, de melodía dulce y estructura
libre. Originalmente se le daba esta denominación a una pieza
Clásica y tocada a momentos, generalmente en fiestas de noche y después
Nocturno
romántica dejadas a un lado. Posteriormente, estas piezas no estaban
necesariamente inspiradas en la noche, ni hacían evocación alguna
a ella, pero habían sido escritas para ser tocadas en la noche, como

13. sucede con las serenatas.
Danza polaca de movimiento moderado y en compás de 3/4. En su
origen (siglo XVI) era una marcha solemne que daba principio y fin
a las fiestas de la nobleza; las parejas, tomadas de las manos y
Clásica y guiadas por el dueño de la casa, atravesaban salas, galerías y
Polonesa
romántica jardines, haciendo los más extravagantes movimientos. Durante el
siglo XVIII se produjo la estilización de la polonesa. Es en esta época
donde la polonesa se entronca dentro de la Suite, tomando la forma
de Zarabanda o de Rondó.
Formación camerística constituida por cuatro instrumentos.
Habitualmente se refieren a cuartetos de cuerda —aunque existen
Clásica y
Cuarteto también de otras instrumentaciones— formados por dos violines,
romántica
una viola, y un violonchelo. Por extensión, el término también se
puede aplicar a las composiciones para estas formaciones.
El Réquiem o Misa de requiem es un servicio litúrgico de la Iglesia
Clásica y católica romana. Esta misa es un ruego por las almas de los difuntos
Réquiem
romántica y tiene lugar justo antes del entierro o en las ceremonias de
conmemoración o recuerdo.
Forma musical basada en la repetición de un tema musical. El tema
Clásica y Rondó o principal (A) suele desarrollarse tres veces o más. Era una forma
romántica Rondeau. muy atractiva para los compositores y los clavecinistas barrocos del
siglo XVII y principios del siglo XVIII, como Couperin.
Grupo de canciones diseñadas para ser ejecutadas secuencialmente
como un sola entidad. Usualmente todas las canciones son del
Clásica y Ciclo de
mismo compositor y utilizan versos del mismo poeta. Un ciclo de
romántica canciones
canciones mantiene su unidad al referirse al mismo tema o al contar
una historia.
Se desarrolló a partir del minueto, y gradualmente lo fue
sustituyendo en el tercer (o a veces segundo) movimiento de la
Clásica y
Scherzo sonata, el cuarteto de cuerdas y la sinfonía. Tradicionalmente
romántica
conserva la forma ternaria del minueto, pero es más rápido y casi
siempre de naturaleza alegre.
Forma musical concebida para orquesta de cuerda, de viento, mixta
o conjunto de cámara. Fue un divertimento que alcanzó enorme
Clásica y popularidad durante el siglo XVIII: La serenata se tocaba por la
Serenata
romántica tarde, al anochecer, y cuyo origen está en las baladas que los
enamorados cantaban frente a las ventanas de la amada al
atardecer.
La sonata clásica, la forma más difundida de esta forma musical, es
una obra que consta de tres o cuatro movimientos, escrita para uno
Clásica y o más instrumentos. Inicialmente predominaron las formas de tres
Sonata
romántica movimientos, especialmente en la época clásica, pero a medida que
aumentaban tanto su complejidad como duración se popularizaron
las de cuatro movimientos.
Composición musical ágil y corta originaria del movimiento
Romántica Bagatela romántico. Su forma suele ser ABA, con Coda final, y normalmente
se interpreta al piano.
Obra de origen musical, de carácter poético literario, cuya finalidad
Poema
Romántica es mover sentimientos y despertar sensaciones, o describir una
sinfónico
escena mediante la música.
Pieza musical característica del romanticismo compuesta por
Romántica Rapsodia
diferentes partes temáticas unidas libremente y sin relación alguna

14. entre ellas. Es frecuente que estén divididas en dos secciones, una
dramática y lenta y otra más rápida y dinámica, consiguiendo así
una composición de efecto brillante.
Género musical de origen español, desarrollado en varios países
hispanoamericanos como Argentina, Colombia, Cuba, Ecuador,
España, México, Perú, Puerto Rico, Venezuela, y otros. El ritmo del
Romántica Bolero
bolero es de un compás de cuatro tiempos. Su forma de bailar tan
simple lo hizo popular en todo el mundo, en todos los ambientes y
entre todas las clases sociales.
Pieza corta, originaria del romanticismo, compuesta generalmente
Momento con forma de Lied A-B-A. Su estilo no es concreto, y suele adoptar
Romántica
Musical formas muy diversas. Son célebres los Momentos musicales de
Schubert para piano.
Danza popular aparecida en Bohemia hacia 1830. Su forma deriva
Romántica Polka directamente del minué, con una instrucción que prepara la entrada
del tema y una coda que sirve de final a la obra.