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Impresionismo
Artistas destacados
Por la Profesora
Graciela Albizzi

2. Contenidos
Artículos
Impresionismo 1
Museo de Orsay 19
Claude Monet 23
Édouard Manet 36
Edgar Degas 42
Pierre-Auguste Renoir 47
Paul Cézanne 53
Vincent van Gogh 63
Referencias
Fuentes y contribuyentes del artículo 86
Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes 87
Licencias de artículos
Licencia 92

3. Impresionismo 1
Impresionismo
Claude Monet, Impresión: soleil levant, 1872–1873 (París, Museo Marmottan
Monet). Cuadro al que debe su nombre el movimiento.
Aunque el término Impresionismo se aplica
en diferentes artes como la música y la
literatura, su vertiente más conocida, y
aquella que fue la precursora, es la pintura
impresionista. El movimiento plástico
impresionista se desarrolló a partir de la
segunda mitad del siglo XIX en Europa
—principalmente en Francia—
caracterizado, a grandes rasgos, por el
intento de plasmar la luz (la «impresión»
visual) y el instante, sin reparar en la
identidad de aquello que la proyectaba. Es
decir, si sus antecesores pintaban formas
con identidad, los impresionistas pintarán el
momento de luz, más allá de las formas que
subyacen bajo este. El movimiento fue
bautizado por la crítica como Impresionismo
con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la
pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y
las vanguardias.
Precedentes
John Ruskin, Importante teórico inglés del
Romanticismo, defendía la impresión frente a la
descripción.
Paisajistas ingleses
En la primera mitad del siglo XIX, en pleno Romanticismo, Joseph
Mallord William Turner y John Constable —pintores paisajistas
ingleses— sentarían las bases sobre las que más adelante trabajarían
los impresionistas.
[cita requerida]
De Turner los impresionistas tomarían su gusto por la fugacidad, sus
superficies borrosas y vaporosas y el difuminado y mezcla de amarillos
y rojos intensos. Así como la descripción de un momento visual más
allá de la descripción formal, en el que la luz y los colores dan lugar a
una «impresión» más poderosa. El máximo exponente de estas
características lo encontramos en Lluvia, vapor y velocidad (1844)
National Gallery de Londres, cuadro que podríamos considerar ya
preimpresionista. Los impresionistas eliminarán el componente
sublime de la obra de Turner, propio de la pintura romántica.

4. Impresionismo 2
Édouard Manet
Édouard Manet, Le Déjeuner sur l'Herbe (1863). Museo de Orsay.
Édouard Manet, El bar del Folies-Bergère (1881–1882) Courtauld
Institute de Londres.
Si hay un autor clave entre los precursores del
movimiento impresionista, este es Édouard Manet.
Dos trabajos son esenciales en la comprensión de
su influencia sobre el grupo.
En su Desayuno sobre la hierba Manet presenta un
bodegón. Pese a que las figuras representadas son
humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera
una naturaleza muerta. Esto se evidencia por la
ausencia de conexión de unos personajes con otros,
tres personajes van vestidos mientras que el cuarto
está desnudo; las miradas nunca se encuentran
aunque haya un personaje hablando y la disposición
en primer (cesta y comida), segundo (grupo) y
tercer término (mujer en el agua) es meramente
compositiva. Este trabajo influenciará a los
impresionistas en la desatención del modelo y de la
narración.
Por otra parte El bar del Folies-Bergère
evidenciará el deseo de tratar los fenómenos
lumínicos al introducir un espejo al fondo que
refleja toda la profundidad de la sala y las grandes
lámparas de araña, iluminación artificial que crea
una luz difusa y menos directa y, por tanto, más
difícil de pintar, recordándonos a las escenas
festivas de Renoir.

5. Impresionismo 3
Camille Corot, Autorretrato
Corot y la escuela de Barbizon
Los impresionistas habían tenido un precedente en Camille Corot y en
la Escuela de Barbizon. Corot tuvo un importante papel en la
formulación del Impresionismo, porque renunció a muchos de los
recursos formales renacentistas prefiriendo concentrar su atención en
espacios más planos, más sencillos y en superficies más luminosas. Y,
aunque a diferencia de los impresionistas nunca llegó a fragmentar la
luz en sus componentes cromáticos y siempre organizó y simplificó sus
formas para conseguir una cierta composición clásica, también usó con
frecuencia una elevada clave tonal así como, en términos generales, un
frescor y una espontaneidad nuevos en el Salón oficial.
Historia
Inicios
Millet, Les Glaneuses (1857), Museo de Orsay.
Con anterioridad al Impresionismo, el marco artístico, era dominado
por un eclecticismo, al que respondió la generación de las rupturas
estilísticas, una serie de rupturas que darán personalidad propia al arte
moderno. La primera de ellas o, si se prefiere, su preámbulo, es el
Impresionismo, un movimiento, resultado de una prolongada
evolución, que coloca definitivamente al siglo XIX bajo el signo del
paisaje y que busca un lenguaje nuevo basado en un naturalismo
extremo.
Tiende a usar con creciente frecuencia colores puros y sin mezcla,
sobre todo los tres colores primarios y sus complementarios, y a
prescindir de negros, pardos y tonos terrosos. Aprendieron también a manejar la pintura más libre y sueltamente, sin
tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas y la luz se fue convirtiendo en el gran factor unificador de la figura y el
paisaje.

6. Impresionismo 4
Florecimiento y primera exposición
Portada del catálogo para la primera exposición
impresionista (1874).
El año 1873 marcará un giro característico del Impresionismo: el paso
de la fase preparatoria a la fase de florecimiento. Los tanteos estaban
olvidados y el trabajo adelantado. Pisarro y Monet habían hecho en
Londres estudios de edificios envueltos en nieblas; Alfred Sisley, aún
más vaporoso, se les había adelantado por ese camino; Renoir se
hallaba, de momento, bajo la total influencia de Monet; y Edgar Degas
empezaba a tratar los tutús de sus bailarinas del mismo modo que
Monet o Renoir las flores del campo.
Todos los impresionistas, incluyendo a Berthe Morisot, eran ya
conscientes de formar un grupo y de tener iguales objetivos que
defender. Su primera aparición pública como tal se estaba fraguando.
A fin de pesar más a los ojos del público intentaron atraerse a otros
artistas y fundaron una Sociedad anónima de pintores, escultores y
grabadores que, por fin, en 1874, logró organizar una muestra en los
salones del fotógrafo Nadar. En total participaron treinta y nueve
pintores con más de ciento sesenta y cinco obras de las que diez eran
de Degas, la mayor aportación individual del grupo, y entre las que
estaba la ya legendaria Impresión: sol naciente de Monet que,
burlonamente citada por un crítico, dio nombre al grupo.
La difusión
El Impresionismo se difunde en toda Europa (entre otras cosas, gracias a la facilidad y rapidez con la que se podía
ejecutar una obra).

7. Impresionismo 5
Técnica y estética impresionista
Claude Monet, Catedral de Ruan. En la entrada
principal de la catedral distinguimos azul
ultramar y violeta para las sombras (colores más
saturados que la parte superior, más iluminada) al
igual que naranja dentro de la misma zona de
sombra para definir los reflejos en la oscuridad.
Colores puros
La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones
científicas y técnicas que permitieron la creación de nuevos pigmentos
con los que los pintores darían nuevos colores a su pintura,
generalmente al óleo. Los pintores consiguieron una pureza y
saturación del color hasta entonces impensables, en ocasiones, con
productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados,
los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo
color es relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores
complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo
contrastes, generalmente de fríos y cálidos. Las sombras pasaron de
estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores
fríos o desaturados que, a la vez, creaban ilusión de profundidad. Del
mismo modo, las luces pasaron de ser claras a ser saturadas y cálidas,
resaltando del fondo. Podemos decir que, rompiendo con la dinámica
clásica del claroscuro, más propio del dibujo, una sombra podría ser
más intensa, clara y saturada que una luz y, sin embargo, seguir
creando ilusión de sombra y profundidad. Asimismo enriquecieron el
lenguaje plástico separando los recursos propios del dibujo y aplicando
únicamente los recursos propios de la pintura: es decir, el color. Para
definir la forma, su riqueza de color les permitió afinar el volumen
mediante más matices lumínicos, creando luces dentro de las zonas de
sombra y sombras dentro de las zonas iluminadas recurriendo únicamente al uso del color. Un buen ejemplo del uso
de los colores saturados para luces y sombras indistintamente lo encontramos en el cuadro La catedral de Ruan de
Claude Monet al lado. Este uso de los colores sería absorbido después por las primeras vanguardias, especialmente
por el fovismo de Matisse o Gauguin.
Pincelada gestáltica
Claude Monet, Parlamento de Londres.
Pinceladas lineales de colores puros dan lugar a
una visión unitaria de atmósfera y gradación de
cálidos a fríos.
Aunque la teoría gestáltica apareció más adelante, los pintores
impresionistas mostraron plásticamente lo que la psicología de la
Gestalt vendría a demostrar psicológica y científicamente más
adelante: perceptivamente, si se dan ciertas condiciones, partes
inconexas dan lugar a un todo unitario. El uso de pequeñas pinceladas
de colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las pinceladas
aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del modelo, en
conjunto —al ser percibidas global y unitariamente— adquirían la
unidad necesaria para percibir un todo definido. Este recurso fue
llevado al máximo por los neoimpresionistas, también conocidos como
puntillistas como Seurat o Signac.

8. Impresionismo 6
Seurat, La Parade. Los neoimpresionistas llevaron al
extremo esta pincelada gestáltica, en este caso en forma
de puntos, dando lugar a un color y forma unitarios.
Forma
Auguste Renoir, La Balançoire. La plasmación
de la luz sobre el cuerpo es más importante que la
descripción de su forma.
La descripción de la forma, relegada a segundo plano y dejada a manos
del dibujante y no del pintor queda subordinada a la definición de las
condiciones particulares de iluminación. Por eso los artistas
impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como
retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz
artificial —como Edgar Degas y sus bailarinas—, la iluminación
natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz pasando entre hojas de
árboles— o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o
multitudes de gente como Claude Monet. La pintura pasa a ocuparse de
aquello que le es intrínseco: la luz y el color y en ningún caso a la
descripción formal del volumen heredada del clasicismo; Así las
formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa
dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa
«impresión» que le da nombre al movimiento.
Variantes en la estética impresionista

9. Impresionismo 7
No todos los pintores del grupo fueron iguales y, ni mucho menos, fielmente ortodoxos con respecto a la estética
impresionista. Las sólidas estructuras de luz y sombra de Eduard Manet fueron realizadas en su mayoría en
interiores, después de muchos estudios preliminares, y tienen la dicción formal del arte de estudio, no la frescura de
la pintura al aire libre. La atmósfera y el color local no eran, ni mucho menos, sus objetivos primordiales, y cuando
representaba lo que parece, a primera vista, un tema «impresionista» era capaz de cargarlo con tantas ironías y
contradicciones que llegaba a empañar toda su inmediatez.
Dejando aparte a Berthe Morisot, el pintor del grupo que más se le aproxima es Edgar Degas, con una pintura difícil
de comprender por su aguda inteligencia, sus intrigantes mezclas de categorías, sus influencias poco convencionales
y, sobre todo, su tan traída y tan llevada «frialdad», aquella fría y precisa objetividad que fue una de las máscaras de
su infatigable poder de deliberación estética.
De hecho, ningún pintor del grupo es tan puramente impresionista como Claude Monet. En su obra el factor
dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que
la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia.
Por su parte, Renoir es el pintor que nos convence de que la estética del Impresionismo fue, sobre todo, hedonista. El
placer parece la cualidad más evidente de su obra, el placer inmediato y ardiente que produce en él la pintura. Nunca
se dejó agobiar por problemas de estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar
una pared y que por eso era importante que los colores fueran agradables por sí mismos.
Sin duda, Camille Pissarro fue el menos espectacular de los impresionistas porque es un pintor más tonal que
esencialmente colorista. Pero, decano del Impresionismo, tuvo un importante papel como conciencia moral y guía
artístico.
Y, por último, trabajando a veces con Renoir y a veces con Monet, estaba Alfred Sisley, influido por ambos. Durante
toda su vida siguió fielmente las directrices de los impresionistas pero nunca llegó a abandonar «la caza del motivo»
y siempre se dejó llevar espontáneamente, con una facultad de comunicación directa, por un Romanticismo
subyacente y lleno de poesía.
Recordando siempre que la primera manifestación oficial del impresionismo fue la exposición organizada en 1874 en
el estudio del fotógrafo Nadar, al margen del Salón oficial, por un grupo de pintores (Bazille, Cézanne, Degas,
Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley), cuyas obras motivaron el rechazo generalizado de la crítica y del público.
Un cuadro de Monet, Impresión, sol naciente, motivó la denominación «impresionismo», creada con intención
peyorativa por el crítico Leroy. Esta primera muestra fue el punto de llegada de un período de formación iniciado
unos quince años antes por un grupo de artistas de la Academia Suiza (Pissarro, Cézanne, Guillaumin, Monet,
Renoir, Sisley, Bazille), quienes, interesados en romper con los planteamientos pictóricos tradicionales y a partir de
las innovaciones de Corot y de los paisajistas de la escuela de Barbizon, se centraron en la pintura al aire libre y
buscaron el plasmado cambiante de la luminosidad de los paisajes y de las figuras humanas. Durante este período
inicial fue fundamental la figura de Manet, quien, con La merienda campestre y con Olimpia, se convirtió en el
abanderado del antiacademicismo. Tras la primera exposición, los impresionistas reunieron sus obras en siete
ocasiones más (1876, 1877 —que plasmó el momento de mayor cohesión del movimiento—, 1879, 1880, 1881,
1882 y 1886), a lo largo de las cuales dejaron de participar algunos de los artistas pioneros (Cézanne, Monet, Renoir,
Sisley) y se añadieron nuevos nombres (Cassatt, Gauguin, Redon, Seurat, Signac). Las primeras publicaciones
importantes sobre la nueva tendencia fueron los artículos de Zola (en L'Évènement) y de Castagnary (en Le Siècle),
La nouvelle peinture (1876), de Duranti, y la Historia de los pintores impresionistas (1878), de Duret. El
impresionismo creó escuela también en otros países europeos; son de destacar Zandomeneghi en Italia; en España,
Regoyos, finales de 1915, Eugenio Hermoso, La Juma, la Rifa y sus amigas, y 1920 por Sorolla, Claus en Bélgica,
Grabar e Isaac Levitán en Rusia, Steer y Sickert en Gran Bretaña y Sargent, Hassam y Twachtman en EE UU.
Tenemos que recordar que también implicó a los músicos impresionistas, frente al dramatismo de los románticos,
trataron de aludir más que de afirmar y se expresaron más por medio de la disociación armónica y del timbre y del
color de los instrumentos que por medio de la melodía. Sus máximos representantes fueron C. Debussy y M. Ravel,

10. Impresionismo 8
aunque también estuvieron influenciados por esta técnica autores como P. Dukas, F. Delius, A. Caplet, F. Schmitt o
R. Vaughan Williams.
Algunos pintores impresionistas
•
• Frédéric Bazille
•
• Gustave Caillebotte
•
• Mary Cassatt
• Paul Cézanne (considerado impresionista, aunque más adelante dejará el grupo y se anticipará al Cubismo)
•
• Edgar Degas
•
• Armand Guillaumin
• Édouard Manet (considerado el precursor por excelencia de la pintura impresionista)
• Claude Monet (el más prolífico y quien más definió la estética del grupo)
•
• Berthe Morisot
•
• Camille Pissarro
•
• Pierre-Auguste Renoir
•
• Alfred Sisley
•
• Henri Rouart
•
• Joaquín Sorolla
Cronología
Línea del tiempo de los impresionistas franceses
La pintura de la época impresionista en el resto de Europa
Alemania
Los criterios que se utilizan para evaluar el fenómeno estilístico internacional, llamado Impresionismo, es la
proximidad o el alejamiento respecto a la pintura francesa de este período. Esto es válido también para los países de
habla germana.
[1]
Entre los precursores alemanes de la pintura al aire libre podemos mencionar: Karl Blechen (1798 – 1840); Carl
Gustav Carus (1789 – 1869); Johann Georg Dillis (1759 – 1841); Wilhelm Leibl ( 1844 – 1900); Adolph von
Menzel (1815 – 1905); Carl Schuch ( 1846 – 1903); y, Johannes Sperl (1840 – 1905).
Muchos pintores impresionistas alemanes tuvieron estadías más o menos prolongadas en París, que había desplazado
a Roma como meca de la peregrinación. Este desplazamiento fue fuertemente impulsado por el surgimiento de
academias, escuelas privadas de arte y por las exposiciones universales que se organizaron en París desde 1855.
Algunos pintores de la época, con sus obras más significativas son:
• Lovis Corinth (1858 – 1925); [2]
•
• El negro "Otelo", 1884, Óleo sobre lienzo 78 x 58,5 cm
• Autorretrato con esqueleto, 1896, Óleo sobre lienzo 66 x 86 cm [3]
•
• Desnudo acostado, 1899, Óleo sobre lienzo 75 x 120 cm
• Autorretrato con su mujer y copa de champán, 1902, Óleo sobre lienzo 98,5 x 108,5 cm [4]
•
• En el jardín de Max Halbe, 1899, Óleo sobre lienzo 75 x 100 cm
•
• Día del Emperador en Hamburgo, 1911, Óleo sobre tela 70 x 90,5 cm

11. Impresionismo 9
• Retrato de Juluis Meier-Graefe, 1917, Óleo sobre lienzo 90 x 70 cm [5]
•
• Autorretrato con sombrero de paja, 1913, Óleo sobre lienzo 98 x 66 cm
• Pascua en el Walcheunsee, 1922, Óleo sobre lienzo 60,5 x 80 cm [6]
• Autorretrato con sombrero de paja, 1923, Óleo sobre cartón 68,5 x 84 cm [7]
• Ferdinand Hodler (1853 - 1918); [8]
•
• Manzano en flor, hacia 1890, Óleo sobre lienzo 26,5 x 40 cm
• Retrato de Louise Delphine Duchosal, 1885, Óleo sobre lienzo 55 x 46 cm [9]
• Leo von König (1871 – 1944); ver información en alemán
[10]
• Gotthard Kuehl (1850 – 1915); ver información en alemán
[11]
• Wilhelm Leibl (1844 - 1900); [12]
• Walter Leistikow (1865 - 1908);[13] ver información en alemán
[13]
• Puesta de sol en el Lago de Grunewald, 1898, Óleo sobre lienzo 167 x 252 cm [14]
• Max Liebermann (1874 – 1935); [15]
•
• Cervecería con jardín en Múnich, 1884, Óleo sobre lienzo. 95 x 69 cm
•
• Las desplumadoras de gansos, hacia 1870/71, Óleo sobre lienzo. 172 x 118 cm (considerado por los críticos
berlineses como "ideal absoluto de la fealdad"
•
• Hora de recreo en el orfelinato de Ámsterdam, hacia 1881/82, Óleo sobre lienzo. 78,5 x 107,5 cm
•
• Mujer con cabras, 1890, Óleo sobre lienzo. 127 x 172 cm
•
• Convento de Steven en Laiden, 1889, Óleo sobre lienzo. 78 x 100 cm
•
• Muchachos bañándese, 1898, Óleo sobre lienzo. 122 x 151 cm
• Jóvenes en la playa, 1900 [16]
•
• El merendero "De Oude Vinck" en Leiden, 1905, Óleo sobre lienzo. 71,7 x 88 cm
• El hombre de los papagayos, 1902, Óleo sobre lienzo. 102,3 x 72,3 cm [17]
• La avenida de los papagayos en el zoológico de Ámsterdam, 1902, Óleo sobre lienzo. 88 x 72,5 cm [18]
•
• Escena de playa en Nordwijk, 1908, Óleo sobre lienzo. 663 x 80,5 cm
•
• Carrera de caballos en los Cascinem, 1909, Óleo sobre lienzo. 52,5 x 74 cm
•
• Autorretrato, 1911, Óleo sobre lienzo. 81 x 65 cm
• Adolf Friedrich Erdmann von Menzel (1815 - 1905);[19]
•
• Partida del Rey Guillermo I al ejercoto el 31 de julio de 1870, 1871, Óleo sobre lienzo 63 x 78 cm
• Christian Rohlfs (1849 - 1938); [20]
• Bosque de abedules, 1907, Óleo sobre lienzo 117 x 75 cm [21]
• Max Slevogt (1868 – 1932); [22]
• Danza de la muerte, 1896, Óleo sobre lienzo 102 x 123 cm [23]
•
• El hombre de los papagayos, 1901, Óleo sobre lienzo 81,5 x 65,7 cm
•
• Vista hacia el Alster en Hamburgo, 1905, Óleo sobre lienzo 59 x 76 cm
•
• Jardín de flores en Neu-Cladow, 1912, Óleo sobre lienzo 66 x 83 cm
•
• El jardín de la villa de los Steinbart en Berlín, 1911, Óleo sobre lienzo 85,5 x 105,5 cm
•
• Retrato de la Sra. C., 1917, Óleo sobre lienzo. 71 x 52 cm
• Wilhelm Trübner (1851 – 1917); [24]
•
• El restaurante en la Isla de las Mujeres, 1891, Óleo sobre lienzo 48 x 65 cm
•
• Portal del convento de Neuburg cerca de Heidelberg, 1913, Óleo sobre lienzo 62 x 80 cm
• Fritz von Uhde (1848 – 1911); [25]
• Hijos de pescadores en Zandvoort, 1882, Óleo sobre lienzo 60 x 80 cm. Cuadros enraizados en la herencia del
realismo.

12. Impresionismo 10
•
• La hermana mayor, 1885, Óleo sobre cartón 48,5 x 33 cm
•
• Ejercicio de tambores (Tambores bávaros), 1883, Óleo sobre madera 72 x 95 cm. El pintor otorga gran
importancia al carácter aleatorio de la composición, que sin embargo concretizó después de numerosos dibujos
previos y estudios. El público tubo bastante dificultad, en apreciar esta obra, al mismo tiempo monumental y
casual.
•
• La marcha hacia Belén (Marcha dura), hacia 1890, Óleo sobre lienzo 117 x 126 cm.
•
• Dos hijas en el jardín, 1892, Óleo sobre lienzo 145,5 x 116,5 cm. Obra mucho más impresionista, tanto desde
el punto de vista de la temárica, como desde el punto de vista del color.
•
• En el jardín (Las hijas del artista), 1906, Óleo sobre lienzo 70 x 100 cm
• Lesser Ury (1861 – 1931); [26]
• Walter Richard Sickert (1860 - 1942)
• Albert Weisgerber (1878 – 1915); [27]
•
• Paseo a caballo por el Jardín Inglés de Múnich, 1910, Óleo sobre lienzo 60 x 70,5 cm
• Heinrich von Zügel (1850 – 1941).
En general, el "hallazgo" de las nuevas tendencias de la pintura francesa, es reconocida por los pintores alemanes, a
partir de los años 90. Algunos autores consideran que estas afirmaciones tienen por finalidad evitar que fuera puesta
en duda la originalidad de la propia pintura.
Bélgica
Con la proclamación del Reino de Bélgica en 1830, y a causa del creciente sentimiento nacionalista, surgieron
esfuerzos destinados a perfilar un arte belga independiente. El arte belga, derivado de las tradiciones de los Países
Bajos, y que con los pintores flamencos Peter Paul Rubens (1577 – 1640) y Pieter Bruegel el Viejo (1525/30 – 1569)
podían enorgullecerse de una importante tradición pictórica propia, pero a mediados del siglo XIX, se encontraba
bajo una fuerte influencia de sus vecinos franceses. En los años sesenta y comienzo de los setenta fue adquiriendo
fuerza la admiración de la nueva pintura francesa, especialmente de Courbet, Millet, Degas y Manet.
[28]
Sin embargo el Impresionismo entro con vacilación y demora en la pintura belga. En esta penetración tuvo un
importante rol la llamada Escuela de Tervueren. En 1884 surgió el grupo llamado Les XX (Los Veinte), del cual
participaba, como fundador, uno de los pintores más famosos de la época, Isidore Verheyden ( 1846 – 1905), quien
se manifestaba escéptico respecto a las últimas consecuencias del impresionismo, lo cual lo condujo más tarde a
abandonar el movimiento. Una de las discípulas más conocidas de Verheyden fue Anna Boch ( 1848 – 1936) quien
también pertenecía al “Les XX”, percibía con gran lucidez la problemática y las tendencias del arte moderno. La
pintora compró muy pronto obras de Seurat y Gauguin, y adquirió la única pintura que Van Gogh logró vender en el
transcurso de su vida. El grupo de “Les XX” tuvo un rol fundamental en la entrada, la difusión y el conocimiento de
la pintura impresionista en Bélgica.
En el grupo de "Les XX" se encontraban, entre otros:
• Georges Lemmen (1854 - 1930) [29]
•
• Autorretrato - 1890 - Óleo sobre lienzo - 43 x 38 cm (estilo puntillista)
•
• Vista del Támesis - 1892 - Óleo sobre lienzo - 62 x 86,7 cm (estilo divisionista)

13. Impresionismo 11
Puesta de sol sobre la nieve - Guillaume Vogels
• Guillaume Vogels (1836 - 1896) [30]
• Alfred William Finch (1854 - 1930) [31]
•
• Los almiares de heno - 1889 - Óleo sobre lienzo - 32 x 50 cm
(estilo puntillista)
• Théo van Rysselberghe (1862 - 1926) van Rysselberghe
[32]
•
• Grandes nubes, fiordo de Christiania - 1893 - Óleo sobre lienzo -
50,8 x 63 cm (estilo divisionista)
•
• Retrato de Auguste Descamps, el tìo del pintor - 1894, 64 x 53
cm - (estilo divisionista)
•
• Familia reunida en un huerto - 1890, 115,5 x 161,5 cm
• Fernand Khnopff (1858 - 1921) [33]
• Henry van de Velde (1863 - 1957) [34]
•
• Mujer en la ventana - 1889 - Óleo sobre lienzo - 111 x 125 cm (estilo puntillista)
•
• Sillones en la playa en Blankenberge - 1888 - Óleo sobre lienzo - 71 x 100 cm (estilo puntillista)
Para varios pintores del grupo de "Los Veinte", la manera impresionista y neoimpresionista no fue otra cosa sino una
etapa de transición hacia las corrientes simbolistas y expresionistas, fenómeno que se ha intentado atribuir a un
componente místico de la pintura flamenca.
España
Niño en las rocas, de Sorolla (1905).
La pintura española aportó una fuerte contribución al impresionismo
francés. La entonación grisácea y terrosa predominante en algunas
obras de Velázquez (1599-1660), Murillo (1618-1682), Francisco de
Zurbarán (1598-1664) y Francisco de Goya (1746-1828), despertaron
gran interés entre los impresionistas franceses, especialmente en
Manet, que manifestó una gran admiración por la "Edad dorada" de la
pintura española, y visitó España en 1865 una única vez, aunque su
admiración por este país es anterior a este viaje, y le llegó a través de
un amigo de su padre, el crítico de arte Charles Blanc.
[35]
El impacto de la revolución del impresionismo en los pintores
españoles no es algo muy claro. Obviamente, se conocían las
innovaciones técnicas y estéticas, pero su aplicación no fue ni
inmediata ni total. El uso de la pincelada suelta no tiene por qué ser
una influencia impresionista por sí, y estaba presente con anterioridad
en la pintura española. El plenairismo en la pintura de paisaje se venía
empleando también. Los efectos luminosos y cromáticos son las
verdaderas novedades. No obstante, hay una genérica consideración como "impresionistas" o "pre-impresionistas" de
muchos pintores del último tercio del siglo XIX. Muchos de ellos evolucionaron hacia el impresionismo a partir del
realismo (denominación también muy problemática). También se utiliza la etiqueta "luminista" (no menos ambigua),
especialmente para los pintores valencianos (luminismo valenciano) de entre los que destacan Joaquín Sorolla o
Teodoro Andreu. Otros nombres que se suelen asociar al impresionismo español

14. Impresionismo 12
El gallinero, de Regoyos (1912).
son Darío de Regoyos, Ignacio Pinazo, o Aureliano Beruete. Avanzado
el final del siglo, especialmente en Cataluña, cambian los presupuestos
estilísticos de la pintura de vanguardia, que se redefine como
modernismo (modernismo catalán, Santiago Rusiñol, Ramon Casas).
Véase también:
•
• Adolfo Guiard
•
• Anselmo Guinea Ugalde
• Luis Jiménez y Aranda, (1845 - 1928)
• Martín Rico, (1833-1908)
• Luis Gallardo, (1868-1937)
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Impresionismo españolCommons.
Estados Unidos
• Adams John Ottis (8 de julio de 1851 – 28 de enero de 1927) [36]
Holanda
La pintura holandesa del siglo XVII tuvo una gran influencia en los pintores impresionistas franceses de la Escuela
de Barbizon, quienes encontraban en los paisajes de Salomon van Ruysdael (1600 - 1670), por ejemplo, una
concepción de la naturaleza moderna que correspondía a sus propias aspiraciones. Los impresionistas franceses
también reconocieron esas cualidades y en la década de los sesenta, los pintores Frans Hals (1585 - 1666) y Jan
Vermeer (1632 - 1675) despertaron profundo interés de aquellos artistas. En la obra de Hals apreciaban
especialmente la pincelada ancha y libre, mientras que en Vermeer admiraban la virtuosa coloración.
[37]
Los pintores franceses de la época impresionista conocieron estos pintores, no solo a través de los cuadros expuestos
en el Museo del Louvre, sino que también a través de los artículos del crítico de arte francés Théophile Thoré (1824 -
1869), y a través de numerosos contactos personales. Monet, por ejemplo consideraba al holandés Johan Barthold
Jongkind (1819 - 1869) como su maestro más importante, junto a Boudin. En Jongkind se pone de evidencia, en
forma muy especial la acción reciproca que se dio entre los pintores holandeses y franceses, que resultaron más tarde
muy importantes para el impresionismo.
En esta línea tuvo importancia, en las décadas de los setenta y ochenta, la llamada Escuela de la Haya, de la cual
participaron, entre otros:

15. Impresionismo 13
• Floris Arntzenius (1864 - 1925);[38] • Matthijs Maris;[39]
• Adolph Artz [40] • Willem Maris (1844 - 1910); [41]
• Gerard Bilders [42] • Anton Mauve (1844 - 1910); [43]
• Johannes Warnardus Bilders (1811 - 1890); [44] • Hendrik Willem Mesdag;[45]
• Bernard Blommers [46]
•
• Taco Mesdag
• Hendrik Pieter Bremmer (1871 - 1956) (Divisionista)
• Sina Mesdag-van Houten [47]
• Théophile de Bock [48] • Albert Neuhuys [49]
• Johannes Bosboom [50] • Willem Roelofs (1822 - 1897); [51]
• Paul Gabriël [52]
•
• Philip Sadée
• Johannes Hubertus Leonardus de Haas [53] • Julius van de Sande Bakhuyzen [54]
• Jacob Hendricus (1837 - 1899); •
• Willem Bastiaan Tholen
• Matthijs Hendricus (1837 - 1917);
• Jan Theodorus Toorop (1858 - 1928) [55] (Círculo Artístico de la Haya)
• Gerrit van Houten [56]
• Johannes Hendrik Weissenbruch (1824 - 1903).
• Jozef Israëls (1824 - 1911); [57] • Willem de Zwart [58]
• Jacob Maris [59]
Hungría
La autoestima de los húngaros resultó profundamente avalada a raíz del fracaso de su sublevación contra los
Habsburgo en 1848/49. El país, caracterizado por una producción agropecuaria basada en el latifundio, se encontraba
significativamente retrasado respecto a los países de Europa Occidental. Este hecho ha influenciado también el
desarrollo de las artes en este período. Las principales motivaciones para los artistas húngaros de este período se
encontraban la representación de la propia historia nacional, y los festejos en torno a las celebraciones del “milenio”
de la conquista del país por parte de los jinetes magiares, y el descubrimiento y valoración de las particularidades de
la vida popular y de las particularidades del paisaje.
[60]
Mihály Munkácsy (1844 - 1900) contemporáneo de Monet y Liebermann, adquirió buena reputación internacional en
Düsseldorf y en París, donde permaneció entre 1872 y 1896. Su fama se basó en su vigoroso realismo, pero
manteniendo simultáneamente una eficaz “pintura de salón”, utilizando una amplia gama de temas que fueron desde
las escenas de la alta sociedad y lujosas decoraciones hasta obras en torno a dramas sociales y las cruentas luchas de
liberación. La luz y el color, en las obras de Munkácsy no fueron influenciadas por la pintura al aire libre, siendo que
solamente sus estudios tenían esa frescura e impulsiva espontaneidad.
László Páal (1846 – 1879), amigo de Munkácsy, que vivió sus pocos años creativos en una situación muy difícil en
París y Fontainebleau, después de estudiar en Múnich, fue quien introdujo los principios de la Escuela de Barbizon
en la pintura húngara.
Los principales pintores húngaros que adirieron al Impresionismo son:
• László Páal (1846 – 1879) [61]
•
• Camino en el bosque de Fontainebleau, 1876, Óleo sobre lienzo, 65 x 46 cm

16. Impresionismo 14
Pradera con amapolas
• Pál Szinyei Merse (1845 - 1920) [62]
•
• Globo cautivo, 1878, Óleo sobre lienzo, 41,5 x 39 cm
• Fiesta de mayo o Desayuno al aire libre, 1873, Óleo sobre lienzo,
123 x 161,5 cm [63]
•
• Pradera con amapolas, 1896, Óleo sobre lienzo, 39 x 63,2 cm
• Károly Ferenczy (1862 - 1917) [64]
•
• Octubre de 1903, Óleo sobre lienzo, 126 x 107 cm
• Día de verano, 1906, Óleo sobre lienzo, 100 x 103,2 cm [65]
• József Rippl-Rónai (1861 - 1927)[66]
•
• Cuando se vive de los recuerdos, 1904, Óleo sobre cartón, 70,5 x
103 cm
•
• Dama en un vestido con pintas blancas, 1889, Óleo sobre lienzo,
187 x 75 cm
Italia
El desarrollo que el impresionismo tuvo en Italia fue algo particular, gracias a la experiencia de Federico
Zandomeneghi y Giuseppe De Nittis, y de los Macchiaioli, más próximos, sin embargo a la tradición del Cuatrocento
del siglo XV.
[67]
Se destacan en el período los pintores:
• Giovanni Boldini (1842 - 1931);[68]
•
• Retrato de Mlle Lantelme, 1907, Óleo sobre lienzo, 227 x 118 cm
• Giuseppe Abbati (1836 - 1868);[69]
•
• Paisaje de Castiglioncello, 1863, Óleo sobre madera, 10 x 30 cm
• Giovanni Fattori (1825 - 1908);[70]
•
• La rotonda de Palmieri 1866, Óleo sobre lienzo, 12 x 30 cm
• Almiar, después de 1872, Óleo sobre madera, 24 x 43 cm [71]
• Silvestro Lega (1826 - 1895);[72]
• Bajo la pérgola, 1868, Óleo sobre lienzo, 75 x 93,5 cm [73]
• Mazzini moribundo, 1873, Óleo sobre lienzo, 76 x 96,6 cm [74]
•
• La lectura, 1875, Óleo sobre lienzo, 38,5 x 22,5 cm
• Serafino de Tívoli (1826 - 1892);[75]
• Vincenzo Cabianca (1827 - 1902);[76]
• Adriano Cecioni (1836 - 1886);[77]
• Raffaelo Sernesi (1838 - 1866);
• Pratone alle Cascine, hacia 1860, Óleo sobre cartón 12 x 19,5 cm [78]
• Telemaco Signorini (1835 - 1901);[79]
•
• El suburbio Porta Adriana en Ravenna, 1875, Óleo sobre lienzo, 66 x 100 cm
• La sala de dementes de San Bonifacio, Florencia, hacia 1866/67, Óleo sobre lienzo, 63 x 95 cm [80]
• Gugliermo Ciardi (1842 - 1917);
•
• Mies de oro, 1883, Óleo sobre lienzo, 132 x 275 cm
• Giuseppe De Nittis (1846 - 1884);[81]
•
• Victoria Embankment, Londres, 1875, Óleo sobre lienzo, 19 x 31 cm

17. Impresionismo 15
• Desayuno en el jardín, hacia 1884, Óleo sobre lienzo, 81 x 117 cm [82]
• Federico Zandomeneghi (1841 - 1931);[83]
•
• Pescando en el Sena (El Sena) 1878, Óleo sobre madera, 16 x 29 cm
•
• Le Moulin de la Galette, 1878, Óleo sobre lienzo, 80 x 120 cm
•
• Plaza de Amberes en París, 1880, Óleo sobre lienzo, 100 x 135 cm
•
• Juegos en el Parque Monceau, Óleo sobre lienzo, 73 x 92 cm
•
• Señora en la pradera, 1895, Óleo sobre lienzo, 46 x 38 cm
•
• Retrato de una muchacha joven, hacia 1893 - 1895, Óleo sobre lienzo, 60,5 x 73,5 cm
• Gaetano Previati (1852 - 1920);[84]
•
• En la pradera, 1889/90, Óleo sobre lienzo, 62 x 56,5 cm
• Giovanni Batista Segantini (1858 - 1899);[85]
• Mediodía sobre los Alpes (Día de viento), 1891, Óleo sobre lienzo, 77,5 x 71,5 cm [86]
• El arado, 1890, Óleo sobre lienzo, 116 x 227 cm [87]
• Giacomo Balla (1871 - 1958);
•
• La novia de Villa Borghese, 1901, Óleo sobre lienzo, 60,5 x 90 cm
• Umberto Boccioni (1882 - 1916);[88]
•
• Retrato de la pintora Adriana Bisi-Fabbri, 1907, Óleo sobre lienzo, 52 x 95 cm
• Giuseppe Pellizza de Volpedo (1868 - 1907); [89]
•
• Ropa al sol, 1905, Óleo sobre lienzo, 87 x 131 cm
Galería de imágenes
Trouville, Eugène Boudin, 1864 Autorretrato.
Paul Cezanne,
1864
Los bebedores
de absenta,
Edgar Degas,
1876
La primera
bailarina,
Edgar Degas
Rue
Montorgueil,
Claude
Monet
Serie: Millares, Claude
Monet
Serie: Ninfas, Claude Monet Baile en el Moulin
de la Galette (Le Bal
au Moulin de la
Galette),
Pierre-Auguste
Renoir, 1976

18. Impresionismo 16
Los castañeros de Osny, Camille
Pissarro
El valle de los naranjos, Santiago
Rusiñol
Paseo a orillas del mar,
Joaquín Sorolla
Referencias
[1]
[1] Andreas Bluhm - "A la luz de la libertad" - El Impresionismo en Alemania Segunda parte Capitulo 11, Pág. 433 a 465 - Editor principal: Ingo
F. Walter, El impresionismo, Oceano, 2003,ISBN 970-651-766-9
[2] http://commons.wikimedia.org/wiki/Lovis_Corinth
[3] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Lovis_Corinth_010.jpg
[4] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Lovis_Corinth,_self_portrait_with_Charlotte.jpg
[5] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Lovis_Corinth_-_Julius_Meier-Graefe.jpg
[6] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Lovis_Corinth_007.jpg
[7] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Lovis_Corinth_Selbstbildnis_mit_dem_Strohhut.jpg
[8] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Ferdinand_Hodler
[9] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Ferdinand_Hodler_009.jpg
[10] http://de.wikipedia.org/wiki/Leo_von_K%C3%B6nig
[11] http://de.wikipedia.org/wiki/Gotthardt_Kuehl
[12] http://commons.wikimedia.org/wiki/Wilhelm_Leibl
[13] http://de.wikipedia.org/wiki/Walter_Leistikow
[14] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Leistikow,_Walter_-_Riverscene_with_Forest_Beyond.jpg
[15] http://commons.wikimedia.org/wiki/Max_Liebermann?uselang=fr
[16] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Liebermann_Badende_Jungen_1900.jpeg
[17] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Max_Liebermann_Papageienmann_1902.jpg
[18] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Liebermann_Papageienallee_1902.jpeg
[19] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Adolph_von_Menzel
[20] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Christian_Rohlfs
[21] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Rohlfs_-_Birkenwald.jpg
[22] http://commons.wikimedia.org/wiki/Max_Slevogt
[23] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Slevogt5.jpg
[24] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Wilhelm_Tr%C3%BCbner
[25] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Fritz_von_Uhde
[26] http://commons.wikimedia.org/wiki/Lesser_Ury
[27] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Albert_Weisgerber
[28]
[28] Karin Sagner-Dûchting - "Impresionismo en Bélgica: La Búsqueda de la Luz en la Pintura" - Capitulo 10, Pág. 419 a 431 - Editor principal:
Ingo F. Walter, El impresionismo, Oceano, 2003,ISBN 970-651-766-9
[29] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Georges_Lemmen
[30] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Guillaume_Vogels
[31] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Willy_Finch.jpg
[32] http://commons.wikimedia.org/wiki/Théo
[33] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Fernand_Khnopff
[34] http://commons.wikimedia.org/wiki/Henry_van_de_Velde
[35]
[35] Karin Sagner-Dûchting - "La Pintura en España en la época del Impresionismo" - Capitulo 15, Pág. 553 a 557 - Editor principal: Ingo F.
Walter, El impresionismo, Oceano, 2003,ISBN 970-651-766-9
[36] http://www.ricci-arte.com/es/John-Ottis-Adams.htm
[37]
[37] Karin Sagner-Dûchting - "Tradiciòn y Modernismo: La Escuela de la Haya y los Impresionistas de Amsterdam" - Capitulo 10, Pág. 407 a
431 - Editor principal: Ingo F. Walter, El impresionismo, Oceano, 2003,ISBN 970-651-766-9
[38] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Floris_Arntzenius
[39] http://commons.wikimedia.org/wiki/Matthijs_Maris
[40] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Woman_sewing.png

19. Impresionismo 17
[41] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Willem_Maris
[42] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Paintings_by_Gerard_Bilders_in_the_Rijksmuseum_Amsterdam
[43] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Anton_Mauve
[44] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Dutch_Painting_in_the_19th_Century_-_J._W._Bilders_-_The_Little_Lake.png
[45] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Hendrik_Willem_Mesdag
[46] http://commons.wikimedia.org/wiki/Bernard_Blommers
[47] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:SientjeMesdag.jpg
[48] http://commons.wikimedia.org/wiki/Th%C3%A9ophile_de_Bock
[49] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Albert_Neuhuys.jpg
[50] http://commons.wikimedia.org/wiki/Johannes_Bosboom
[51] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Willem_Roelofs
[52] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Paul_Gabri%C3%ABl
[53] http://commons.wikimedia.org/wiki/Johannes_Hubertus_Leonardus_de_Haas
[54] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:JuliusvandeSandeBakhuyzen.jpg
[55] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Jan_Toorop
[56] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Gerrit_van_Houten
[57] http://commons.wikimedia.org/wiki/Jozef_Isra%C3%ABls
[58] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Willem_de_Zwart
[59] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Jacob_Maris
[60]
[60] Peter H. Feist. "Entre la Patria y Europa: Impresionistas en Europa Central y del Sur" Capítulo 13, pag.519 - 524 - Editor principal: Ingo F.
Walter, El impresionismo, Oceano, 2003,ISBN 970-651-766-9
[61] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:László_Paál
[62] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Pál_Szinyei_Merse
[63] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Pal_Szinei-Merse_001.jpg
[64] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Károly_Ferenczy
[65] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Ferenczy,_Károly_-_Summertime_(1906).jpg
[66] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:József_Rippl-Rónai
[67]
[67] Karin Sagner-Dûchting - "El Impresionismo y la Pintura Italiana en la Segunda Mitad del Siglo XIX" - Capitulo 14, Pág. 533 a 551 - Editor
principal: Ingo F. Walter, El impresionismo, Oceano, 2003,ISBN 970-651-766-9
[68] http://commons.wikimedia.org/wiki/Giovanni_Boldini
[69] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Giuseppe_Abbati
[70] http://commons.wikimedia.org/wiki/Giovanni_Fattori
[71] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Giovanni_Fattori_021.jpg
[72] http://commons.wikimedia.org/wiki/Silvestro_Lega
[73] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Silvestro_Lega_001.jpg
[74] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Silvestro_Lega_-_Morte_di_Mazzini.jpg
[75] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Serafino_de_Tivoli.jpg
[76] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Vincenzo_Cabianca
[77] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Adriano_Cecioni
[78] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Sernesi_Pratone_alle_Cascine.jpg
[79] http://commons.wikimedia.org/wiki/Telemaco_Signorini
[80] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Telemaco_Signorini,_La_sala_delle_agitate_al_San_Bonifazio_in_Firenze,_1865,_66x59cm.
jpg
[81] http://commons.wikimedia.org/wiki/Giuseppe_de_Nittis
[82] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Colazione_in_giardino.jpg
[83] http://commons.wikimedia.org/wiki/Federico_Zandomeneghi
[84] http://commons.wikimedia.org/wiki/Gaetano_Previati
[85] http://commons.wikimedia.org/wiki/Giovanni_Segantini
[86] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Mittag_in_den_Alpen_1891.jpg
[87] http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Das_Pfl%C3%BCgen_1890.jpg
[88] http://commons.wikimedia.org/wiki/Umberto_Boccioni
[89] http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Giuseppe_Pellizza_da_Volpedo

20. Impresionismo 18
Bibliografía
En español:
•
• Ingo F. Walter, El impresionismo, Oceano, 2003,ISBN 970-651-766-9
En italiano:
• Giulio Carlo Argan, L'arte moderna, 1994
• Bernard Denvir, L'impressionismo, Art Dossier n° 73
• Gioia Mori, Impressionismo, Van Gogh e il Giappone, Art Dossier n° 149
• Maria Teresa Benedetti, Impressionismo: le origini, Art Dossier n° 159
En francés:
• Sophie Monneret, L'Impressionnisme et son époque, Paris, 1979, ISBN 2-221-05222-6
• Claire Barbillon, CD-Rom Les Impressionnistes, RMN/Musée d'Orsay, 1997
• Pascal Bonafoux, Correspondances impressionnistes, Editions Diane de Selliers, 2008
• Norbert Dremus, L'impressionnisme élémentaire, Musée d'Orsay, 2006
En inglés:
• Baumann, Félix; Karabelnik, Marianne, et al. (1994). Degas Portraits. London: Merrell Holberton. ISBN
1-85894-014-1
• Denvir, Bernard (1990). The Thames and Hudson Encyclopaedia of Impressionism. London: Thames and
Hudson. ISBN 0-500-20239-7
• Gordon, Robert; Forge, Andrew (1988). Degas. New York: Harry N. Abrams. ISBN 0-8109-1142-6
• Gowing, Lawrence, with Adriani, Götz; Krumrine, Mary Louise; Lewis, Mary Tompkins; Patin, Sylvie; Rewald,
John (1988). Cézanne: The Early Years 1859-1872. New York: Harry N. Abrams.
• Moskowitz, Ira; Sérullaz, Maurice (1962). French Impressionists: A Selection of Drawings of the French 19th
Century. Boston and Toronto: Little, Brown and Company. ISBN 0-316-58560-2
• Rewald, John (1973). The History of Impressionism (4th, Revised Ed.). New York: The Museum of Modern Art.
ISBN 0-87070-360-9
• Richardson, John (1976). Manet (3rd Ed.). Oxford: Phaidon Press Ltd. ISBN 0-7148-1743-0
• Rosenblum, Robert (1989). Paintings in the Musée d'Orsay. New York: Stewart, Tabori & Chang. ISBN
1-55670-099-7
En húngaro:
•
• A művészet története: A rokokótól 1900-ig, Corvina, ISBN 963-13-2815-5
Enlaces externos
• Wikcionario tiene definiciones para impresionismo.Wikcionario
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre ImpresionismoCommons.
• impressionniste.net (http://www.impressionniste.net/), portal sobre el impresionismo (en inglés y francés).
• Impresionismo (http://www.masdearte.com/index.php?view=article&catid=59&id=7823&
option=com_content&Itemid=8) en Masdearte.com.

21. Museo de Orsay 19
Museo de Orsay
Museo de Orsay
Información geográfica
País Francia, París
Información general
Inauguración 1986
Tipo público
Sitio web
Página del Museo
[1]
El museo de Orsay (en francés, Musée d'Orsay) es un museo que se encuentra en París, Francia, dedicado a las artes
plásticas del siglo XIX y especialmente famoso por sus fondos del impresionismo. Cronológicamente, cubre la
historia del arte entre los maestros antiguos (que están en el Museo del Louvre) y el arte moderno y contemporáneo
(en el Centro Georges Pompidou).
Historia
Con unos antecedentes ciertamente regios (jardín de Margarita de Valois y palacio), el espacio que hoy ocupa el
Museo de Orsay no vio la luz hasta al término del s. XIX y primeros comienzos del XX. El terreno donde en su día
se ubicara el conocido como Palacio de Orsay, pasto de un incendio en el año de 1871, fue cedido por el Estado a la
Compañía de Ferrocarriles de Orléans justo antes del comienzo de la Exposición Universal de 1900, inaugurándose
para las fechas de su inicio tanto el hotel como la estación (que permanecerá 39 años en activo).
Tras varios usos diversos que se prolongarán en el tiempo hasta la década de los 70, el Estado francés tomará
finalmente la resolución de destinar el edificio para museo (se deseaba evitar su derribo y, además, era necesario
trasladar la colección de los impresionistas, siendo ésta una buena solución).
En 1973, la Dirección de Museos de Francia concibió el proyecto de establecer un museo en la estación de ferrocarril
de Orsay, que amenazaba ruina y en la que se hablaba de construir un hotel. La decisión se vio impulsada por el
resurgimiento de un interés por el siglo XIX, siendo inscrita la estación en el Inventario suplementario de
Monumentos Históricos el 8 de marzo de 1973.
Sin embargo, la decisión oficial de construir el museo no llegó hasta el consejo de ministros del 20 de octubre de
1977, al parecer presentada por iniciativa del mismo presidente.
Lo cierto es que, al ser un edificio que respondía a la arquitectura del hierro, favorecía en parte la adaptación a los
planteamientos museísticos de la actualidad. Se vaciará toda la estructura de la gran nave central para arbitrar una
secuencia expositiva de un periodo artístico que posibilitara una lectura, mientras que se emplearán espacio anexos
para albergar otros servicios.
Las obras de acondicionamiento de la estación a museo se llevaron a cabo entre los años de 1981 y 1986, haciéndose
cargo de la remodelación exterior el estudio ACT-Architecture y de la adaptación interior un equipo a cargo de la
arquitecta Gae Aulenti.La inauguración oficial se produjo el 1 de diciembre de 1986, por el Presidente de la
República, François Mitterrand, abriendo al público el día 9 del mismo mes.
Las tres plantas en que se divide el edificio albergan una excepcional colección de arte del s.XIX y XX, procedente
de diversas instituciones museísticas, ordenada de forma cronológica, y que cuenta con obras impagables de grandes
autores de la Historia del arte como Delacroix, Degas, Millet, Manet, Monet, Renoir, Pisarro, Latour, Cézanne, Van
Gogh, Gauguin, Seurat o Derain, entre muchos otros ejemplos compuestos por proyectos arquitectónicos, objetos
decorativos, dibujos y fotografías.

22. Museo de Orsay 20
En 2009 se ha emprendido un remozamiento del museo, que plantea dar diferentes colores a las paredes de las salas
y reorganizar muchas de ellas. Aprovechando la ocasión, y para recaudar fondos, el museo está prestando
importantes grupos de obras para su exhibición fuera de Francia. Una de dichas selecciones, con importantes obras
impresionistas, ha llegado a Madrid en enero de 2010 bajo patrocinio de la Fundación Mapfre, que -al parecer- ha
pagado tres millones de euros por el préstamo.
Museo de Orsay
Colección
Musée d'Orsay, interior del museo con la sala principal.
Alberga pintura realista, impresionista
y postimpresionista, escultura, artes
decorativas, fotografía, cine y
arquitectura, obras todas ellas
pertenecientes al fondo del Museo del
Louvre, cuyas salas exhiben el arte
anterior hasta el romanticismo.
Pintura
Incluye obras de Ingres, Millet,
Courbet, Whistler, Monet, Pisarro,
Caillebotte, Van Gogh, Gauguin,
Seurat, Daumier, Klimt, Maurice Denis, Bonnard, Delacroix, Corot, Manet, Degas, Renoir, Sisley, Cézanne, Redon,
Signac, Tolouse-Lautrec, Derain, Munch, Vuillard, Moreau y Matisse.
Escultura
Incluye obras de Rude, Pradier, Barye, Carrier-Belleuse, Clesinger, Delaplanche, Guillaume, Mercié, Degas,
Meunier, Hoetger, Bourdelle, Bernard, David d`Angers, Préault,

23. Museo de Orsay 21
El desayuno sobre la hierba de Édouard Manet
Daumier, Cavelier, Cordier, Dubois,
Falguière, Carpeaux, Gauguin, Dalou,
Maillol y Pompon.
Arquitectura
Incluye obras y maquetas de Charles
Garnier y Richard Peduzzi.
Artes Decorativas
Destacan las salas con obras de los movimientos Art Noveau y Arts & Crafts.
Fotografía
Incluye obras de Nadar, Regnault, Nègre, Aubry, Emerson, Le Gray, Shaw, Baldus, Lewis Carroll e instantáneas de
Degas, Rivière, Zola o Bonnard.
Obras destacadas
• Baile en el Moulin de la Galette, de Pierre-Auguste Renoir.
• Retrato de Madame Charpentier, de Pierre-Auguste Renoir.
• Almuerzo sobre la hierba, de Édouard Manet.
• Los tejados rojos, de Camille Pissarro.
• El circo, de Georges Pierre Seurat.
• Ta Matete, de Paul Gauguin.
• Bodegón con cebollas, de Paul Cézanne.
• Entierro en Ornans, de Gustave Courbet.
• Las puertas del Infierno, de Auguste Rodin.
• La Danza, de Jean-Baptiste Carpeaux .
• Sillón, de Charles Rennie Mackintosh.
• El doctor Paul Gachet, de Vicent Van Gogh.
• La caza del tigre, de Eugène Delacroix.
• Coin de table y Homenaje a Delacroix, de Henri Fantin-Latour.
Dirección Musée d'Orsay:
•
• 62, rue de Lille-Varenne 75343 Paris Cedex 07 Francia
•
• (+33) 01 40 49 48 14

24. Museo de Orsay 22
Algunas obras maestras expuestas
Eugène Delacroix, La caza
del León, c. 1854
Gustave Courbet, El taller del
pintor (L'Atelier du peintre): A
Real Allegory of a Seven Year
Phase in my Artistic and Moral
Life, 1855
Jean
Auguste
Dominique
Ingres, The
Source,
1856
Jean-François Millet,
Las espigadoras, 1857
Édouard Manet, Olympia,
1863
Claude Monet,
Le déjeuner sur
l'herbe, (sección
derecha), con
Gustave Courbet,
1865-1866
Paul
Cézanne,
Retrato de
Achille
Emperaire,
1868
Eugène Boudin, Bañistas en la
playa de Trouville, 1869
James McNeill Whistler,
Arreglo en gris y negro nº
1, un retrato de la madre
del artista, 1871
Gustave Caillebotte, Les
raboteurs de parquet (Los
acuchilladores de parqué), 1875
Edgar Degas,
L'Absinthe, 1876
Pierre
Auguste
Renoir,
Danza en
el pais
(Aline
Charigot y
Paul
Lhote),
1883

25. Museo de Orsay 23
Paul Sérusier, El
Talisman/Le
Talisman, 1888
Vincent van Gogh,
La iglesia de
Auvers-sur-Oise,
1890
Paul Gauguin, Mujeres de Tahití,
1891
Georges Seurat, El
Circo, 1891
Enlaces externos
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Museo de OrsayCommons.
• Página oficial del Museo de Orsay
[1]
Referencias
[1] http://www.musee-orsay.fr/es/home.html
Claude Monet
Claude Monet
Claude Monet en el año 1899
Nombre completo Oscar-Claude Monet
Nacimiento 14 de noviembre de 1840
París, Francia
Fallecimiento 5 de diciembre de 1926
(86 años)
Giverny, Francia
Nacionalidad Francesa
Área Pintura
Firma
Oscar-Claude Monet (14 de noviembre de 1840 en París - 5 de diciembre de 1926 en Giverny) fue un pintor
francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se incluye en el estilo impresionista.

26. Claude Monet 24
Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de un estilo realista. Monet logró exponer algunas de
estas obras en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Un
ejemplo de este período creativo es la vista del puerto de El Havre titulada Impresión, sol naciente, que le dio
nombre al movimiento. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró
su situación económica. En la década de 1870 tomó parte en exposiciones de arte impresionista en las cuales también
participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel,
pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta
época, Monet desarrolló el concepto de la «serie» en las que un motivo es pintado con distintos grados de
iluminación. Al mismo tiempo comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que luego utilizó como motivo para
sus pinturas.
Vida
Claude Monet nació el 14 de noviembre de 1840 en la Rue Lafitte 45 de París. Era el segundo hijo de Claude
Adolphe Monet y su esposa Louise Justine Aubrée.
[1]
Su padre era propietario de un negocio que comerciaba con
especias provenientes de las colonias ultramarinas francesas. Para 1845 la situación del negocio había decaído a tal
punto que la familia se mudó al puerto de El Havre en la desembocadura del Sena donde vivía la media hermana de
su padre, Marie-Jeanne Lecadre.
[2]
El esposo de esta, Jacques Lecadre, era comerciante de especies de ultramar al
por mayor y proveedor naval. Él le dio trabajo al padre de Monet en su negocio.
[1]
La familia de Monet pasaba los
inviernos en su casa de El Havre y los veranos en la casa de campo de los Lecadre en el balneario de Sainte-Adresse.
Posteriormente la familia se mudó a Baraqueville pero no permanecieron ahí mucho tiempo debido a que tuvieron
que mudarse nuevamente por razones del trabajo de Adolphe Monet.
Entre 1851 y 1857 Claude Monet asistió a la escuela secundaria en El Havre donde recibió clases de dibujo de
Jacques-François Ochard. No le gustaba la disciplina escolar
[3]
y preferia estar en el farallón o junto al mar.
[4]
Durante sus clases dibujaba caricaturas de sus profesores y otros estudiantes que eran expuestas en el escaparate del
único comerciante de marcos para cuadros de El Havre. A la edad de 15 años Monet era ya conocido como
caricaturista en toda la ciudad y recibía encargos por los que cobraba hasta 20 francos.
[5]
Formación
Caricatura del notario Léon Marchon, 1855/1856,
Art Institute of Chicago
Junto a las caricaturas de Monet en el escaparate del mercader de
marcos, eran expuestos paisajes marinos de Eugène Boudin. A Monet
no le gustaban estos cuadros y rechazó una oferta para conocer a
Boudin hecha por el mercader. Sin embargo en una ocasión, al entrar a
la tienda de marcos, Monet no se percató que Boudin se encontraba
presente y el comerciante aprovechó la oportunidad para presentarle a
Boudin al dibujante de las caricaturas. El pintor alabó el talento de
Monet y le aconsejó no limitarse al dibujo y que pintase paisajes.
Después de la muerte de su madre el 28 de enero de 1857 su tía, quien
era pintora aficionada y mantenía contacto con el pintor Armand
Gautier, se encargó del joven Claude Monet. Tras la muerte de Jacques
Lecadre, el padre de Monet tomó las riendas del negocio y la familia se
mudó a la casa de este. De estos años provienen los primeros paisajes
de Monet y toma la decisión de convertirse en pintor. El padre de
Monet aplicó ante los magistrados de El Havre para una beca, la cual
fue rechazada tras un segundo intento al año siguiente.
[6]
A pesar de

27. Claude Monet 25
esto, Monet viajó a París para visitar la exposición del Salón de París. Ahí hizo contacto con los artistas Constant
Troyon y Armand Gautier y trabajó en el atelier del pintor Chales Montginot que era amigo de Boudin. Durante este
tiempo Monet obtuvo apoyo financiero de su padre. Además tenía a su disposición 2000 francos que había ganado
con sus caricaturas y que eran manejados por su tía. A partir del año 1860 se redujo el apoyo financiero de su padre,
pues Monet se oponía a matricularse en la École des Beaux-Arts a la que sus padres querían que asistiera. Monet se
matriculó en cambio en la escuela privada de pintura, Academia Suiza, donde se dedicó al estudio de figuras. Monet
visitó exhibiciones en la colonia de artistas de Barbizon. Los pintores de la Escuela de Barbizon rechazaban el estilo,
difundido en la época, de paisajes idealizados y preferían en su lugar paisajes en el estilo del realismo pictórico.
Monet también pasaba el tiempo en el Brasserie des Martyrs, un punto de encuentro para varios pintores y escritores
modernos.
En abril de 1861 Claude Monet recibió el llamado para el servicio militar obligatorio, que duraba siete años. Se le
presentó la oportunidad de evitar el servicio militar mediante el pago de 2500 francos, pero carecía de los fondos
necesarios y su familia solo le ofreció hacer el pago si abandonaba la pintura y tomaba las riendas del negocio el El
Havre. Monet se decidió por la pintura y fue asignado a la caballería en Argelia. Debido a que enfermó con fiebre
tifoidea, pudo regresar en el verano de 1862 a El Havre. Ahí conoció al neerlandés Johan Barthold Jongkind, junto al
cual hizo estudios de paisajes. En noviembre de 1862 fue librado de los últimos seis años del servicio militar
mediante un pago de 3000 francos hecho por su tía.
[7]
Su educación pictórica fue puesta a cargo de Auguste
Toulmouche, un pintor de género parisino, que era casado con la prima de su tía Marie-Jeanne Lecadre. Este le
recomendó a Monet que acudiera al atelier de Charles Gleyre en el que también estaban inscritos Pierre-Auguste
Renoir, Alfred Sisley y Frédéric Bazille. Durante la pascua de 1863 Monet viajó junto con Bazille a Chailly, en la
cercanías de Barbizon, donde pintaron paisajes. Repitieron el viaje al año siguiente. Continuó sus estudios en el
atelier de Gleyre hasta que cerró en julio de 1864 por enfermedad del artista. Ese verano Monet y Bazille viajaron a
la costa del Canal de la Mancha en Normandía, seguidos más tarde por Boudin y Jongkind, para pintar. Debido a
desacuerdos, la familia de Monet lo amenazó con terminar el apoyo financiero que le daba, por lo que por primera
vez pidió dinero prestado a Bazille. Durante sus estudios, a pesar de sus dificultades económicas, Monet se
presentaba como burgués y usaba camisas finas, por lo que era tomado como un dandi por sus compañeros.
[8]

28. Claude Monet 26
Exhibiciones en el Salón de París
Camille con vestido verde, 1866, Kunsthalle
Bremen
En 1864 fue expuesto un bodegón de flores de Monet en una
exhibición de la ciudad de Ruan. Al mismo tiempo recibió un encargo
de Louis-Joseph-François Gaudibert para pintar dos retratos. Este
encargo tuvo un importante significado para Monet porque
posteriormente el hijo de Gaudibert le hizo otros encargos de retratos
que le ayudaron económicamente. A fines de 1864 o principios de
1865, Monet y Bazille establecieron un atelier conjunto en París. En el
Salón de París del año 1865, Monet pudo mostrar dos cuadros marinos.
Estos cuadros fueron bien recibidos por la crítica y dio lugar para que
Monet planeara la monumental obra El Desayuno para la exhibición
del Salón de 1866. Sin embargo no pudo terminar la pintura a tiempo.
Durante el trabajo en esta obra, utilizó a Camille Doncieux como
modelo, con la que estableció una relación amorosa. Monet planeó la
pintura en imitación a la obra Desayuno sobre la hierba de Édouard
Manet, que había desatado un escándalo al presentar una mujer
desnuda sin un trasfondo mitológico, pero la pintura de Monet era más
bien conservadora y se ajustaba al gusto de las masas. Monet era un
admirador de la obra de Manet y a partir de 1866 tuvó contacto cercano
con él. Como el cuadro planeado para el Salón no pudo estar terminado
a tiempo, Monet pintó en tan solo cuatro días la obra Camille con
vestido verde, que fue acogida de forma positiva.
Por sus dificultades financieras fingió un rompimiento con Camille para acercarse nuevamente a su familia, de la que
esperaba ayuda económica. Por esta razón pasó el verano de 1867 con su familia en Sainte-Adresse, mientras que
Camille, que se encontraba embarazada, permaneció en París y era cuidada por Bazille. El 8 de agosto de 1867 nació
el primer hijo de Monet, Jean. Debido a que no quería dejar desamparados a su querida y a su hijo, regresó a París.
[9]
En ese mismo año fue rechazada la pintura "Mujeres en el jardín" por el Salón. Para apoyar económicamente a su
amigo, Bazille compró esta obra a plazos y lo tomó nuevamente en su atelier. La situación financiera de Monet
continuó siendo dificíl y en 1868 vivió en Étretat y Fécamp donde nuevamente obtuvo encargos del naviero
Gaudibert, quien además pagó el desempeño de unas pinturas de Monet. Al final del año huyó nuevamente de sus
acreedores hacia París. En 1870 fue nuevamente rechazado un cuadro preparado para el Salón, por el jurado. El 26
de junio de ese año se casó con su querida de mucho tiempo, Camille Doncieux. Por su selección de temas y estilo
de pintura, Monet se distanciaba cada vez más del Salón de París y por lo tanto del éxito económico.
Con el comienzo de la Guerra Franco-Prusiana en julio de 1870, Monet abandona Francia y se muda a Londres para
evitar ser conscripto en el ejército. Sus amigos Bazille y Manet participaron en la guerra. El 28 de noviembre de
1870 Bazille murió en el frente de batalla. Durante su estadía en Londres, Monet conoció al mercader de arte Paul
Durand-Ruel, lo mismo que las obras del paisajista William Turner, en cuyas pinturas los contornos se difusionan en
la luz. El 17 de julio de 1871 muere el padre de Monet y recibe una pequeña herencia. Al terminar la guerra, en el
otoño de 1871, Monet regresa a Francia haciendo viaje por los Países Bajos. Renta una casa con jardín en Argenteuil
y gracias a la herencia y la dote de Camille, la familia goza por primera vez de un bienestar burgués. En 1872
Durand-Ruel vende varias pinturas de Monet, quien acondiciona una barca y pinta en la orilla del Sena.

29. Claude Monet 27
Exhibiciones impresionistas
En 1873 Claude Monet conoce en Argenteuil a Gustave Caillebotte, con el que acuerda realizar exhibiciones
conjuntas. Para este propósito es fundada en diciembre la «Sociéte Anonyme Coopérative d' Artistes-Peintres,
-Sculpteurs, -Graveurs, etc.». A esta sociedad se unieron los artistas que más tarde formarían el núcleo del
Impresionismo.
La primera exhibición del grupo se realizó en 1874 en el atelier del fotógrafo Nadar en el Boulevard des Capucines
de París. Inspirado por una de las obras expuestas, Impresión, sol naciente, que Monet había pintado en 1872 en El
Havre junto con otras obras, el crítico de arte Leroy, de la revista Le Charivari, la llamó «la exhibición de los
impresionistas». Así fue como nació el término Impresionismo, que en un principio fue usado a manera de burla por
los críticos y que luego fue utilizado por los mismos artistas, basándose en la pintura de Monet. La exhibición no
tuvo mayor resonancia y la sociedad fue disuelta al fin de ese mismo año. En 1876 se realizó una segunda exhibición
impresionista en las dependencias del mercader de arte Durand-Ruel donde Monet exhibió 18 pinturas. En ese año
conoció a Ernest Hoschedé, que era dueño de un almacén y quien le encargó el pintado de unos paneles para el
castillo de Rottenbourg. El 17 de marzo de 1878 nació el segundo hijo de Monet, Michel. En ese verano la familia se
mudó a Vétheuil donde les siguió Alice Hoschedé y sus seis hijos, luego de que su marido se declarara en
bancarrota. El 5 de septiembre de 1879 murió la esposa de Monet, Camille, a la edad de 32 años a consecuencia de
un aborto inducido fallido.
[10]
En 1881 Durand-Ruel compró más pinturas de Monet y además apoyo económicamente un viaje que este hizo a la
costa de Normandía para pintar. En diciembre de 1881 Claude Monet y Alice Hoschedé se mudan junto con sus hijos
a Poissy. La exhibición de los impresionistas de 1882 es la última en la que Monet toma parte. A partir de ese
momento su alejamiento de los otros impresionistas es cada vez más marcado y lo acusan de no apoyar al grupo por
motivos egoístas. Monet intentó nuevamente exhibir en el Salón de París y una de sus pinturas fue aceptada por el
jurado.
Giverny
Monet en su jardín. Al fondo, se ve el puente
japonés.
Al año siguiente, 1883, Durand-Ruel organiza una exhibición
individual con pinturas de Monet. Esta exhibición tuvo una crítica
favorable, sin embargo no resultó en grandes ventas. A pesar esto, la
situación económica de Monet mejoró gracias a que el mercado de
obras impresionistas se reanima a partir del principio de la década de
1880. Monet rentó una casa en Giverny en cuyos alrededores plantó su
famoso jardín. Se mudó ahí junto a sus dos hijos y Alice Hoschedé y
los suyos. En diciembre viaja con Renoir a la costa mediterránea
francesa. Entre enero y abril de 1884 Monet pinta en la Riviera. Dos
años más tarde hace otro viaje a los Países Bajos. En el otoño de 1886
Monet pinta en Bretaña, donde conoce a su futuro biógrafo, Gustave
Geffroy. De enero hasta abril de 1888 pinta en la Costa Azul y en el
verano viaja nuevamente a Londres. Luego de su regreso a Francia,
rechazó la cruz de la Legión de Honor. Al año siguiente juntó dinero
para comprar de la viuda de su amigo Manet la pintura Olympia, para posteriormente donarla al Louvre. En 1890
Monet compró la casa en Giverny, en la que había vivido por varios años, gracias a que su situación económica
había mejorado debido a las ventas regulares de sus obras. Con compras adicionales de terreno expandió cada vez
más

30. Claude Monet 28
Sendero en el jardín
Monet junto al estanque de nenúfares.
su propiedad e invertió mucho dinero en el cuidado de su jardín. Se
enfrentó con la desconfianza de los campesinos locales que temían
algún peligro para sus terrenos y ganado, ya que Monet plantaba
plantas exóticas como la tuberosa de México. A fines de la década de
1880 un pequeño grupo de pintores estadounidenses visitó Giverny
para conocer a Monet. Entre ellos se encontraba Theodore Robinson,
que fue uno de los primeros artistas estadounidenses en introducir el
impresionismo en su obra. Monet no mantuvo contacto cercano con los
llamados «givernistas» ya que nunca quiso asumir el rol de maestro.
En 1891 muere Ernest Hoschedé, lo que permitió que Monet y la viuda
de este, Alice, legitimaran su relación mediante el matrimonio en julio
de 1892. En ese mismo año se casó su hijastra Suzanne con uno de los
«givernistas», el pintor Theodore Butler. En 1895 Monet viaja a
Noruega, donde visitó a uno de sus hijastros. En 1897 construyó en
Giverny un segundo atelier ya que necesitaba más espacio para su
trabajo. Al mismo tiempo fueron exhibidos veinte cuadros de Monet en
la Bienal de Venecia. Durante el verano se casó su hijo Jean con su
hermanastra, Blanche Hoschedé. En 1899 y 1900 Monet realizó varios
viajes a Londres. Junto con su esposa, Alice, viajó en automóvil a
Madrid donde estudió a los maestros españoles. En Giverny trabajó
sobre todo en las pinturas de nenúfares, pero no estaba satisfecho con
el resultado, por lo que en 1906 pospuso varias veces una exhibición
planeada por Durand-Ruel.
Últimos años y muerte
En el año 1908 se evidenciaron los primeros indicios de la enfermedad de los ojos de Monet. Entre septiembre y
diciembre de ese año estuvo junto con su esposa en Venecia, donde no solamente pintó, sino que también estudió en
las iglesias y museos de la ciudad las obras de los artistas Tiziano y Paolo Veronese. El 19 de mayo de 1911 murió
su segunda esposa, Alice. Al año siguiente su visión empeoró y se le diagnósticaron cataratas en ambos ojos. En
1912 fueron exhibidos con gran éxito los cuadros de Venecia por Monet, en la galería Bernheim-Jeune. Georges
Clemenceau y otros amigos le recomendaron en 1914 que donase pinturas de la serie de nenúfares al Estado francés,
pero Monet que en otras ocasiones había rechazado títulos honorarios de Estado, no fue persuadido. Después de la
muerte de su hijo, Jean Monet, la viuda de este se encargo de los asuntos del hogar en Giverny. En 1915 Monet hizo
construir ahí un tercer atelier aún más grande que los anteriores, donde pintó las decoraciones de los nenúfares. Al
terminar la Primera Guerra Mundial con el armisticio del 11 de noviembre de 1918, Monet le donó al Estado francés
ocho de sus pinturas de la serie de los nenúfares. En 1921, deprimido por su creciente ceguera, consideró solicitar el
retorno de las pinturas. En ese mismo año se realizó una gran exhibición retrospectiva de la obra de Monet en las
dependencias de Durand-Ruel. No fue hasta 1922, a instancias de su amigo Clemenceau, que Claude Monet firmó un
acuerdo notarizado que legalizaba la donación, con lo que los cuadros pasaron a ser propiedad del Estado. Luego de
dos operaciones de cataratas en 1923, Monet recuperó la vista. Comenzó a pintar nuevamente sus grandes
decoraciones de nenúfares, pero se vio obstaculizado por la depresión. En sus últimos años Monet destruyó por
cuenta propia varias de sus pinturas, ya que no quería que obras sin terminar, bocetos y borradores entraran al

31. Claude Monet 29
mercado de arte, como en efecto sucedió después de su muerte. El 5 de diciembre de 1926, Monet murió en Giverny.
Obra
Ningún pintor del grupo fue tan puramente impresionista como Monet. En su obra el factor dominante es un claro
esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de
grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia. Por su parte, Renoir fue el pintor que
nos convence de que la estética del Impresionismo fue, sobre todo, hedonista. El placer parece la cualidad más
evidente de su obra, el placer inmediato y ardiente que produce en él la pintura. Nunca se dejó agobiar por problemas
de estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una pared y que por eso era
importante que los colores fueran agradables por sí mismos.
De todos los impresionistas, Monet fue el que con más énfasis practicó el plenairismo, es decir la práctica de la
pintura al plein-air (en francés: 'aire pleno, total' y también - y ese es el significado que aquí más nos importa- aire
libre). La pintura al aire libre. Aunque existe gran cantidad de pintores paisajistas previos a Monet, se nota en ellos
que la factura de sus obras ha sido realizada principalmente dentro del taller tras un previo esbozo. Hasta la segunda
mitad de S.XIX, las pinturas (óleo, temple) eran realizadas artesanalmente y envasadas en frascos, vejigas, etc. La
invención de los pomos (un positivo producto de la Revolución industrial), permitió a los pintores llevar sus óleos o
temperas al aire libre, bajo el sol, sin que estos elementos se secaran u oxidaran rápidamente como había sucedido
hasta entonces. Bien que este aporte industrial no bastó: se requirió de genios, y un genio para la pintura al plein-air
(y para la pintura universal) nos ha resultado Monet.
Al aire libre, bajo la luz solar, pudo minuciosamente observar y plasmar casi inmediatamente, a «brochazos», a plena
macchia, Monet los efectos de la luz sobre los objetos, los cambios, las vibraciones de esa luz; es por tal razón que la
pintura de Monet nos resulta especialmente vital, aunque su vitalidad sea una serena vitalidad, llena de armonías.
En 1890 se estableció en Giverny, pueblo cercano a París y, sin embargo, a salvo del tráfago urbano; allí en torno a
su casa construyó una suerte de "jardín japonés", en el que se destaca el estanque con ninfeas, y nenúfares. Inspirado
en ese ambiente, aunque estuviera casi ciego ya, inició en 1906 la serie de cuadros que tienen por tema a tales plantas
florales acuáticas (los cuadros de ninfeas y nenúfares pueden admirarse actualmente en el museo parisino de La
Orangerie).
Todo puede deducirse de una simple afirmación que Monet hizo en diversas ocasiones:
El motivo es para mí del todo secundario; lo que quiero representar es lo que existe entre el motivo y
yo.
Importancia
Significado artístico, notoriedad
La obra de Monet encompasa la influencia de varias épocas estilísticas. Sus primeras obras pertenecen al realismo
pictórico, del cual que se alejó cada vez más a lo largo de su carrera. Fue un miembro importante de los
impresionistas, y algunas de sus obras se cuentan entre las más importantes de este estilo pictórico. Sus obras tardías
se componen sobre todo por series y cuadros de jardín. Las obras tardías despertaron poco interés después de su
muerte. Las pinturas de la serie de nenúfares que Monet donó al estado francés, se presentaron al publico el 17 de
mayo de 1929 en el museo de la Orangerie como Musée Monet, pero la exhibición despertó poco interés. En estas
salas se mostró una retrospectiva de Monet en la que las obras de periodo tardío estuvieron poco representadas.
Posteriormente el museo organizó otras exhibiciones en estas mismas salas, lo que contravenía el acuerdo con
Monet. Para la presentación de tapices flamencos de 1935 incluso se descolgaron los cuadros de Monet para colgar
los tapices en su lugar. La crítica valoró la obra tardía de forma negativa debido a sus formas disueltas, y colores
intensos, a los que les faltaba el contacto empírico con la naturaleza. Los cuadros contradecían de esta manera la idea

32. Claude Monet 30
de que el impresionismo daba una representación óptica exacta de la naturaleza. Hasta la década de 1980, con pocas
excepciones, en la historia del arte se diferenciaba entre las obras impresionistas tempranas, que comprende los
cuadros creados entre 1870 y 1880, y las poco valoradas obras tardías.
[11]
Entre 1880 y el fin de siglo, Monet fue
visto por la crítica como un visionario. Después de 1890 sus cuadros se encuentran entre el naturalismo y el
abstraccionismo, lo que hace difícil clasificar la tendencia estilística de los cuadros tardíos.
Artistas como Max Liebermann, Augusto Giacometti y Lovis Corinth valoraban las obras impresionistas de Monet, y
fueron influenciados por él. Esta influencia de Monet, incluso después de su muerte, se extinguió con la muerte de
Pierre Bonnard en 1947, quien se llamaba a sí mismo el “último impresionista”. Aunque los cubistas rechazaron la
obra de Monet, sobre todo por la disolución de las formas, muchos pintores extranjeros, como Wassily Kandinski,
reconocieron la importancia de Monet para la modernidad.
A finales de la década de 1940 y en la década de 1950 hubo un resurgimiento en el interés por Monet. En 1947 Marc
Chagall dijo: «Monet es para mí, el Miguel Ángel de nuestra época».
[12]
Sin embargo en su juicio las obras tardías no
tenían una posición especial. André Masson expresó una opinión diferente en 1952, cuando llamó las decoraciones
de nenúfares «la capilla Sixtina del impresionismo».
[13]
Gran parte de la creciente popularidad de Monet se debió a la
pintura de post-guerra en los Estados Unidos, en la que el gesto regresa a primer plano, y en la que se impuso el
anti-racionalismo. El interés por las obras tardías resurgió con el advenimiento de la pintura abstracta. Más de
trescientos artistas norteamericanos viajaron a París en la década de 1950, donde entre otros, estudiaron a Monet.
Estos eventos fueron el impulso para las primeras grandes exhibiciones individuales en la década de 1950, que
llevaron al reconocimiento internacional de la obra de Monet. Entre estas, la exhibición impresionista en el
Kunsthalle de Basilea de 1949 tiene especial importancia. El resurgimiento en el interés por la obra de Monet
también llevó a un incremento en el número de visitantes la Orangerie.
Éxito comercial
Por gran parte de su carrera artística, Monet vivió en la pobreza. Sus obras, al igual que las obras de otros artistas que
no se adherían al estilo clásico preferido por el público, fueron ignoradas por los compradores. Con el auge
económico después de la guerra franco-prusiana de 1871 los precios subieron, e incluso las obras de artistas
impresionistas consiguieron de forma sorpresiva, precios altos. El mercader de arte Paul Durand-Ruel, quien conoció
a Monet durante su estadía en Londres, compró por muchos años obras de Monet y otros artistas rechazados por la
crítica. No pagaba mucho, pero los ingresos regulares le permitieron llevar a Monet una vida financieramente segura.
A partir de 1873 Durand-Ruel tuvo que restringir su apoyo a los artistas impresionistas debido a una fuerte crisis
económica en Francia, que afectó el mercado de arte. La caída en los precios fue especialmente fuerte en las obras de
tipo impresionista.
[14]
Es así como en 1874 Ernest Hoschedé pudo comprar la pintura Impresión, sol naciente por
800 francos, pero en la subsecuente subasta forzada por la bancarrota, en 1877, la obra alcanzó tan solo un precio
200 francos. Esta subasta documenta claramente la caída en los precios de obras de los artistas impresionistas. La
situación económica de Monet empeoró nuevamente. A fines de 1878 Monet dijo al respecto: «No soy un
principiante, y es terrible a mi edad estar en esta situación, teniendo que mendigar y molestar a los compradores».
[15]
La situación de Monet no mejoró hasta que se mudó a Giverny, cuando Durand-Ruel pudo reiniciar su apoyo a los
impresionistas. Las obras de Monet ganaron en reconocimiento, y los precios de sus cuadros subieron. Por ejemplo, a
mediados de la década de 1890, los cuadros de la serie de la catedral de Ruan alcanzaron un precio de 15 000
francos. En su casa de Giverny fue visitado por importantes coleccionistas de arte como Matsukata Kojiro.
A fines de la década de 1980 las obras de artistas impresionistas alcanzaron precios en subasta que no han podido ser
superados hasta la fecha. Monet es la única excepción. Uno de sus cuadros de nenúfares de 1907 alcanzó en 1989 un
precio de 10,5 millones de dólares, y el mismo cuadro fue vendido en una subasta de Christie's con una ganancia de
dos millones de dólares en noviembre de 2005. Esto se debe a que muy pocas obras de Monet están disponibles en el
mercado. En 2004 fueron 26, en 2005, 22 y en 2006, 28 cuadros. En junio de 2007 un cuadro de la serie de nenúfares
de 1904, valuado entre 10 a 15 millones de libras esterlinas, fue subastado en Sotheby's por 18,5 millones de libras

33. Claude Monet 31
esterlinas. El comprador fue un coleccionista asiático. Se convirtió en el cuarto cuadro más caro de Monet, solo
superado por el cuadro de nenúfares Le Bassin aux nympheas que en 2008 alcanzó 51,7 millones de Euros en la casa
de subastas Christie’s; el cuadro Puente de ferrocarril en Argentuil, que se vendió en mayo de 2008 por 41,4
millones de dólares, también subastada por Christie’s; y un cuadro de nenúfares de 1900 que fue subastado en
Sotheby’s en 1998 por 19,8 millones de libras esterlinas.
Influencia
Las obras de Monet son usadas con frecuencia en calendarios y postales, formando de esa manera parte de nuestra
vida cotidiana. Además, Monet y su obra fueron una fuente de inspiración para otros impresionistas. Su influencia se
extiende incluso a la literatura.
Literatura
El autor francés Marcel Proust se dejó inspirar por la obra de Monet. Proust poseía una afinidad por el
impresionismo en general, y en particular admiraba las obras de Monet. Aunque no son mencionadas
especificamente en sus escritos, hay paralelas temáticas con Monet.
[16]
Proust describe en su novela En busca del
tiempo perdido fenómenos que Monet captura en el lienzo. El narrador en el libro da en forma verbal sus
impresiones de las nubes y del mar en el balneario ficticio de Balbec. En la novela fragmentaria del mismo autor,
Jean Santeuil, Claude Monet es mencionado varias veces cuando un coleccionista de Ruan compra varios cuadros de
Monet. Los sentimientos despertados por cinco cuadros de Monet son descritos por el narrador.
[17]
También en la
novela Sodoma y Gomorra, Monet es nombrado en conjunción con la exclamación, «Oh, estas catedrales!»
Pintura
Claude Monet fue plasmado en varios cuadros hechos por sus amigos del grupo de artistas impresionistas.
Pierre-Auguste Renoir lo retrató tres veces. El primer cuadro, del año 1872, lo muestra sentado fumando una pipa y
leyendo el periódico. En el segundo cuadro, del año 1873, se mira a Monet pintando en su jardín. En el tercer cuadro,
de 1875, se muestra a Monet de pie, con un pincel y una paleta en las manos. También Édouard Manet retrató a
Monet en un cuadro que lo muestra con su esposa Camille, sobre una barca de su atelier que usaba para pintar sobre
el agua.
Claude Monet
leyendo el periódico
por Pierre-Auguste
Renoir, 1872
Monet pintando en su jardín de
Argenteuil por Pierre-Auguste
Renoir, 1873
Retrato del pintor
Claude Monet por
Pierre-Auguste
Renoir, 1875
Claude Monet y su esposa sobre
la barca de su atelier por
Edouard Manet, 1874
La influencia de Monet se puede ver en varios artistas modernos. Las gruesas texturas de color de Jackson Pollock
recuerdan las obras tardias de Monet. La serie “Flores” del artista pop, Andy Warhol fue inspirada en la serie de
cuadros de nenúfares de Monet, y puede ser vista en el Museo de arte moderno de Nueva York.

34. Claude Monet 32
Cine
En la película del año 1915 del director Sacha Guitry, Ceux de chez nous, se valora la vida cultural francesa durante
la primera guerra mundial. La película se concentra sobre todo en Renoir, pero también se contempla a Degas y a
Monet, a quien se le observa mientras pinta uno de sus cuadros de nenúfares.
El cielo en la pintura de Monet, Puente sobre el Sena en Argenteuil (1874) es mencionado en la película Vanilla Sky
del año 2001. El protagonista vive en un mundo creado por su imaginación que se diferencia de la realidad por tener
un cielo de color vainilla, como en la obra de Monet.
Antes de esto, una de sus obras es usada como objeto en la película El Caso Thomas Crown (1999), en donde un
millonario norteamericano obsesionado con el arte roba una pintura sólo por diversión y para conseguir el amor de
su vida.
Obras (Selección)
Esta lista contiene 39 pinturas representativas de la obra de Monet.
Pintura Nombre Año de
creación
Tamaño, material Lugar de exposición
El Desayuno 1865/1866 248 × 217 cm, óleo
sobre lienzo
Museo de Orsay en París
Camille con vestido verde 1866 231 × 151 cm, óleo
sobre lienzo
Kunsthalle Bremen en Bremen
Mujeres en el jardín 1866 256 × 208 cm, óleo
sobre lienzo
Museo de Orsay en París
La terraza de Sainte-Adresse 1867 98 × 130 cm, óleo sobre
lienzo
Metropolitan Museum of Art en Nueva
York
La iglesia Saint-Germain-l’Auxerois 1867 79 × 98 cm, óleo sobre
lienzo
Alte Nationalgalerie en Berlín
El río / En la ribera de Bennecourt 1868 81 × 100 cm, óleo sobre
lienzo
Art Institute of Chicago en Chicago
La Grenouillère 1869 75 × 100 cm, óleo sobre
lienzo
Metropolitan Museum of Art en Nueva
York
La playa de Trouville 1870 38 × 46 cm, óleo sobre
lienzo
National Gallery en Londres
Molinos de viento en Zaandam 1871 47 × 73 cm, óleo sobre
lienzo
Colección privada

35. Claude Monet 33
Impresión, sol naciente 1873 48 × 63 cm, óleo sobre
lienzo
Museo Marmottan Monet en París
Campo floreciendo en Argenteuil 1873 50 × 65 cm, óleo sobre
lienzo
Museo de Orsay en París
Boulevard des Capucines 1873 61 × 80 cm, óleo sobre
lienzo
Museo Pushkin en Moscú
Puente sobre el Sena en Argenteuil 1874 60 × 81,3 cm, óleo sobre
lienzo
Neue Pinakothek en Múnich
Camille en traje japonés 1875/1876 231,5 × 142 cm, óleo
sobre lienzo
Museo de Bellas Artes en Boston
Estación Saint-Lazare, Llegada de un
tren
1877 82 × 101 cm, óleo sobre
lienzo
Harvard University Art Museum en la
Universidad de Harvard
Rue Saint-Denis el la fiesta del 30 de
junio de 1878
1878 76 × 52 cm, óleo sobre
lienzo
Museo de Bellas Artes de Ruan
Ramo de girasoles 1880 101 × 81 cm, óleo sobre
lienzo
Metropolitan Museum of Art en Nueva
York
Choza del guarda de aduanas en
Verengeville
1882 60 × 78 cm, óleo sobre
lienzo
Museo Boymans Van Beuningen en
Rotterdam
Mar tormentoso en Etretat 1883 81 × 100 cm, óleo sobre
lienzo
Musée des Beaux-Arts en Lyon
Bordighera 1884 64,8 × 81,3 cm, óleo
sobre lienzo
Art Institute of Chicago, Mr. and Mrs.
Potter Palmer Collection
Dama con parasol 1886 131 × 88 cm, óleo sobre
lienzo
Museo de Orsay in París
Las pirámides Port-Coton 1886 65 × 80 cm, óleo sobre
lienzo
Museo Pushkin en Moscú

36. Claude Monet 34
Joven dama en una barca 1887 145,5 x 133,5 cm, óleo
sobre lienzo
Museo Nacional de Arte Occidental en
Tokio
El gavillero 1890/1891 Formatos diversos, óleo
sobre lienzo
Varios lugares de exposición
Álamos 1891 Formatos diversos, óleo
sobre lienzo
Varios lugares de exposición
La catedral de Ruan 1891-1894 Formatos diversos, óleo
sobre lienzo
Varios lugares de exposición
Brazo del Sena en Giverny 1897 81 × 92 cm, óleo sobre
lienzo
Museo de Bellas Artes en Boston
Ninfeas 1897-1899 81 × 100 cm, óleo sobre
lienzo
Galería Nacional de Arte Moderno en
Roma
Ninfeas, armonía en verde 1899 89 × 93 cm, óleo sobre
lienzo
Museo de Orsay en París
Sendero en el jardín del artista 1902 89 × 92 cm, óleo sobre
lienzo
Österreichische Galerie Belvedere en
Viena
El parlamento de Londres durante el
ocaso
1902 81 × 92 cm, óleo sobre
lienzo
National Gallery of Art en Washington
D.C.
El Palazzo da Mula 1908 62 × 81 cm, óleo sobre
lienzo
National Gallery of Art en Washington
D.C.
Los nenúfares 1920 200 × 427 cm, óleo
sobre lienzo
National Gallery en Londres

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Referencias
[1] Matthias Arnold: Claude Monet, Rowohlt, Hamburgo, 1998, Pág. 9
[2] Berühmte Maler auf einen Blick – Claude Monet, DuMont, 1999, Pág. 8
[3] Matthias Arnold: Claude Monet, Rowohlt, Hamburgo, 1998, Págs. 9 y 10
[4] Extracto de una entrevista con Monet de 1900 según Charles F. Stuckey: Claude Monet 1840-1926, Könemann, Colonia, 1996, Pág. 204 ff.
[5] John Rewald: Die Geschichte des Impressionismus. DuMont Buchverlag, Colonia 1979. 7ª impresión 2001, Pág. 29
[6] Hirmer Verlag GmbH: Monet und Camille – Frauenportraits im Impressionismus. Múnich 2005, Pág. 23
[7] Matthias Arnold: Claude Monet, Pág. 22
[8] Christoph Heinrich: Monet. Taschen, Colonia 2006, Pág. 10
[9] Christoph Heinrich: Monet. Taschen, Colonia 2006, Pág. 20
[10] Christoph Heinrich: Monet. Taschen, Colonia 2006, Pág. 48
[11] Karin Sagner-Düchting: Claude Monet und die Moderne. Prestel Verlag, Múnich 2001, Pág. 20
[12] Karin Sagner-Düchting: Claude Monet und die Moderne. Prestel Verlag, Múnich 2001, Pág. 22
[13] Karin Sagner: Claude Monet. DUMONT, Colonia 2005, Pág. 23
[14] Peter H. Feist: Pierre-Auguste Renoir. Taschen, Colonia 2006.
[15] Christoph Heinrich: Monet. Taschen, Colonia 2006, Pág. 48
[16] http://www.marcel-proust-gesellschaft.de/marcel_proust/iessay/monet_proust.pdf Pág. 1
[17] http://www.marcel-proust-gesellschaft.de/marcel_proust/iessay/monet_proust.pdf Pág. 5
Bibliografía
• Janice Anderson: Monet. Verlag EDITION XXL, 2005, ISBN 3-89736-332-1
• Matthias Arnold: Claude Monet. 2ª edición. Rowohlt-Verlag, Reinbek 2003, ISBN 3-499-50402-2
• Dorothee Hansen (editora), Wulf Herzogenrath (editor): Monet und Camille – Frauenportraits im
Impressionismus. Hirmer Verlag GmbH, Múnich 2005. ISBN 3-7774-2705-5
• Christoph Heinrich: Monet. Taschen-Verlag, Colonia 2006, ISBN 3-8228-6368-8
• Karin Sagner-Düchting: Claude Monet und die Moderne. Prestel-Verlag, Múnich 2001, ISBN 3-7913-2614-7
• Karin Sagner: Claude Monet. DuMont, Colonia 2005, ISBN 3-8321-7598-9
• Karin Sagner: Claude Monet in Giverny. 4ª edición. Prestel-Verlag, Múnich 2006, ISBN 978-3-7913-3438-7
• Karin Sagner: Monet. 10ma. impresión Taschen-Verlag, Colonia 2006, ISBN 3-8228-5021-7
• Daniel Wildenstein: Monet. 4 Tomos. Taschen-Verlag, Colonia 1996, ISBN 3-8228-8725-0
Enlaces externos
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Claude Monet. Commons
• CGFA Claude Monet (http://cgfa.sunsite.dk/monet/index.html)
• Art of Monet - Biografía y 500+ cuadros (http://www.artofmonet.com/)
• Biografía en español (http://www.iespana.es/legislacione/Claude_Monet.htm)
• Claude Oscar Monet. Fotos (http://www.art-drawing.ru/gallery/category/1529-monet-claude) y Biografía
(http://www.art-drawing.ru/biographies/brief-biographies/995-oscar-claude-monet)

38. Édouard Manet 36
Édouard Manet
Édouard Manet
Édouard Manet (fotografía por Nadar h. 1910)
Nombre
completo
Édouard Manet
Nacimiento 23 de enero de 1832
París, Francia
Fallecimiento 20 de abril de 1883 (51)
París, Francia
Nacionalidad Francesa
Área Pintor
Educación alumno de Thomas Couture, un pintor muy estrecho de miras como profesor. Allí estuvo durante casi seis años y, al mismo
tiempo, pudo copiar en el Louvre
Firma
Édouard Manet (23 de enero de 1832 - 30 de abril de 1883) fue un pintor francés, reconocido por la influencia que
ejerció sobre los iniciadores del impresionismo.
[1][2]
Biografía
Édouard Manet nació en París el 24 de enero de 1832, en una familia acomodada.
[3]
Primeros años
Sus días escolares pasaron sin acontecimientos destacables y terminó su formación sin obtener la calificación
necesaria para estudiar derecho, para decepción de su padre, que era magistrado.
A los dieciséis años viajó a Río de Janeiro como marinero en prácticas, con intención de ingresar en la Academia
Naval Francesa.
[3]
Se interesa por el arte
Cuando vio que su proyecto no tenía éxito decidió dedicarse al arte, pasando a su regreso, hacia 1850, casi seis años
como alumno de Thomas Couture, un pintor muy estrecho de miras como profesor. Allí estuvo durante casi seis años
y, al mismo tiempo, pudo copiar en el Louvre cuadros no sólo de Tiziano y Rembrandt, sino también de Goya,
Delacroix, Courbet y Daumier.
[3]
De Couture aprendió que para ser un gran maestro hay que escuchar las enseñanzas
de los que lo han sido en el pasado, pero por desgracia, Couture era un antirrealista fanático y convencido.
Enfurecido por las mofas que Manet hacía con respecto al Premio de Roma, Couture le dijo que nunca llegaría a ser

39. Édouard Manet 37
otra cosa que el Théodore Rousseau de su época. Después de esto, Manet hizo su propia síntesis personal de la
historia de la pintura y de lo que podía aprender viendo grabados japoneses. Y es que el pintor fue siempre un
extraño ecléctico.
Viaja por Europa
Desde 1853 hasta 1856 Manet se dedicó a viajar por Italia, los Países Bajos, Alemania y Austria, copiando a los
grandes maestros.
[3]
Contrae matrimonio
El 28 de octubre de 1863 contrajo matrimonio con la pianista holandesa Suzanne Leenhoff, con la que mantenía
relaciones desde 1850. A pesar de la boda, el que casi con seguridad era su hijo, León, nacido en 1852, siguió
llevando el apellido de la madre, y pasando por hermano de ésta.
[3]
Descubre a Diego Velázquez
En agosto de 1865 emprendió un viaje por España, organizado por su amigo Zacharie Astruc, en el que descubrió la
pintura barroca española, en particular a Diego Velázquez, que tendrá una enorme influencia en su obra.
Su única alumna
En 1869 tomó como discípula a Eva Gonzalès, hija de un conocido novelista, que le había sido presentada por un
marchante de arte. La joven, que no carecía de talento, pero a la que le faltaba iniciativa, fue la única alumna de
Manet, quien la retrató en 1870.
Guerra Franco-prusiana
Al estallar la guerra franco-prusiana Manet, junto con otros impresionistas, fue movilizado. envió a su familia a
Oloron.Ste.-Marie, en los Pirineos, y envió trece cuadros a Duret, antes de entrar como teniente al servicio de la
Guardia Nacional durante el sitio de París.Tras la declaración del armisticio, en 1871, formó parte, junto con otros
catorce pintores y diez escultores de la federación de artistas de la efímera Comuna de París.
Primera exposición de pintores impresionistas
En 1872 Durand-Ruel adquirió por 35000 francos veinticuatro obras de Manet y organizó la primera exposición de
pintores impresionistas, que no tuvo éxito comercial. Sin embargo, entre estos artistas iba surgiendo una conciencia
de grupo que los llevaría a formar la Société Anonyme des artists para realizar exposiciones colectivas.
Relación con Monet
En esta época, en la que tuvo mucha relación con Monet, empezó Manet a adoptar las técnicas impresionistas si bien
rehusará participar en las exposiciones colectivas. En cambio, organiza una exposición de sus obras en su propio
taller de la parisina calle de St. Petersboug, que gozó de bastante popularidad, rumoreándose en la época que había
tenido unas 4000 visitas.
Deterioro de su salud
Hacia 1880, su salud empezó a deteriorarse a causa de un problema circulatorio crónico, que no mejoró a pesar de
someterse a tratamientos de hidroterapia en Bellevue. En esta época fue reconocido su talento con una medalla de
segunda clase concedida por el Salón, y fue nombrado también Caballero de la Legión de Honor.

40. Édouard Manet 38
Muerte
El 20 de abril de 1883, a causa de su enfermedad circulatoria crónica, le fue amputada la pierna izquierda y diez días
más tarde falleció a los 51 años de edad.
[3]
Trayectoria artística
De todos los artistas de su tiempo, Manet era quizás el más contradictorio. Aunque se le consideraba un personaje
controvertido y rebelde, Manet se pasó casi toda su vida buscando la fama y la fortuna, y lo que quizás sea más
importante, un pintor que ahora es aceptado como uno de los grandes, solía mostrarse inseguro de su dirección
artística y profundamente herido por las críticas hacia su obra.Tuvo que esperar al final de su vida para conseguir el
éxito que su talento merecía. Pese a que se le considera uno de los padres del Impresionismo, nunca fue un
impresionista en el sentido estricto de la palabra. Por ejemplo, jamás expuso con el grupo y nunca dejó de acudir a
los Salones oficiales, aunque le rechazaran. Afirmaba que «no tenía intención de acabar con los viejos métodos de
pintura ni de crear otros nuevos».
[4]
Sus objetivos no eran compatibles con los de los impresionistas, por mucho que
se respetaran mutuamente.
La notoriedad de Manet, al menos en las etapas tempranas de su carrera, se debió más a los temas de sus cuadros,
considerados escandalosos, que a la novedad de su estilo. No fue hasta mediados de la década de 1870 que empezó a
utilizar técnicas impresionistas. En este sentido, Bownes se muestra bastante convincente al demostrar que, de joven,
sin llegar a considerarse un innovador, Manet sí trataba de hacer algo nuevo: Buscaba crear un tipo libre de
composición que estaría, sin embargo, tan herméticamente organizada en su superficie como los cuadros de
Velázquez.
En 1859 presentó por primera vez al Salón su Bebedor de absenta, un cuadro que permitía sin problemas adivinar su
adoración por Frans Hals, pero que provocó una turbulenta reacción en el público y en el jurado, inexplicable sin
duda para un Manet que durante toda su vida lo único que buscó fue el éxito dentro de la respetabilidad.
En los años sesenta, sin embargo, su pintura de tema español, tan de moda por entonces en Francia, fue bastante bien
acogida y en 1861 el Salón aceptó por primera vez un cuadro suyo, el Guitarrista español.
El tono general de la obra de Manet no es el de un pintor radical únicamente preocupado por el mundo visual. Él es
un sofisticado habitante de la ciudad, un caballero que se ajusta en todo al concepto decimonónico de dandi: un
observador distante, refinado, que contempla desde una elegante distancia el espectáculo que le rodea. Desde este
punto de vista, Manet concluye el que será, sin duda, uno de sus cuadros más escandalosos, rechazado en el Salón de
1863 y expuesto en el de los Rechazados, Almuerzo sobre la hierba.
[3]
Le Déjeuner sur l'Herbe (El almuerzo sobre la hierba), 1863.
El reto lo planteaba una realidad contemporánea, los
bañistas del Sena, y la escena estaba reformulada en
el lenguaje de los viejos maestros (el cuadro está
claramente inspirado en la Fiesta campestre del
Giorgione), compitiendo con ellos y, al mismo
tiempo, subrayando las diferencias. Las escenas con
el tema del ocio en el campo estaban ya muy
enraizadas en el arte occidental y abundaban tanto en
las ilustraciones populares como en el arte
académico, pero el cuadro de Manet pertenece a un
orden distinto, desconcertante por la evidente
inmediatez con que se enfrenta al espectador.