1. QuattrocentoQuattrocento Joaquín Máiquez.-

2. El QuattrocentoEl Quattrocento

Es la primera etapa del Renacimiento, este surge en Florencia
impulsado por la familia Médicis.

Desde el siglo XIII hay cambios en la mentalidad medieval. Y la
acumulación de cambios llevó a un salto cualitativo, el
Humanismo, esto se verá reflejado en:

La burguesía y la ciudad: el comercio a una escala amplia
uniendo regiones alejadas … y el capitalismo económico.

Una nobleza que se hace cortesana y urbana aunque su
base económica siga siendo la tierra, pero hace negocios.

La Monarquía como régimen político y monopolizadora
del recurso de la guerra que va a crear el estado moderno
unificando territorios en su persona en medio de
gravísimas crisis bélicas.

3. 
El pensamiento racionalista que llevará al nacimiento
de la ciencia y a la reforma religiosa al usar la “crítica”.

La recurrencia a modelos clásicos donde el valor del
individuo humano no estaba supeditado al capricho de
la divinidad: el hombre es centro y medida del
Universo.

El Humanismo ve al individuo como un dios en la
Tierra: capaz de desentrañar su misterio y de
desarrollarse intelectualmente.

Es alguien “digno”, y su dignidad reside en esa
capacidad inagotable de saber y de hacer… y que
tienen todos, si bien será un movimiento elitista,
aristocrático.

4. 
Este individuo que se eleva a categoría de absoluto con
el Humanismo, en esta época que llamamos
“Renacimiento” debe ser un individuo:

“Completo”, que domina todos los campos del
saber.

Amante de la belleza, que es algo visual,
empírico y, al tiempo, algo intelectual, ideal.

Individual y único, irrepetible.

Caballero, noble y aventurero.

Dueño de sí y de sus habilidades que manifiesta
con orgullo para crear y hacer cosas.

5. ArquitecturaArquitectura

Características:

El “Quattrocento” arquitectónico va a ver renacer el
empleo de los elementos constructivos y decorativos
clásicos:

el arco de medio punto.

las columnas y pilastras con los órdenes clásicos.

las bóvedas de cañón decoradas con casetones.

y la cúpula de media naranja.

Estos elementos se emplean con abundancia pero con
libertad, especialmente en lo decorativo.

En la fachada y en las plantas se buscan efectos de
calculada perfección, entendida como armonía.

7.  Se vuelve a la planta central, y se buscan espacios diáfanos,
por contraposición a la iglesia gótica inundada de luz
coloreada.
 En las fachadas se buscan tres pisos o niveles a lo sumo y la
articulación de los mismos se consigue con líneas verticales y
horizontales (cornisas) y el tratamiento del muro
(almohadillados, esgrafiados).
 Se construyen:
 iglesias de planta basilical y planta central.
 capillas adosadas a iglesias y catedrales de época anterior.
 palacios “de ciudad” o urbano.
 villas “de campo”.
 fortalezas.
 bibliotecas.
 el palacio acaso sea el tipo arquitectónico más logrado y
prototípico.

8. Santa María in FioreSanta María in Fiore BRUNELLESCHI (1418-1446)BRUNELLESCHI (1418-1446)

Brunelleschi se hace con el encargo que costea el gremio mayor
de la lana. Realiza la obra entre 1418 y 1446. En medio ejecutará
también otras varias obras en Florencia.

Se trata de concluir la catedral, empezada en 1296 en estilo
gótico.

El espacio a cubrir es enorme: 41 metros de diámetro, por lo que
se trata de una cúpula gigantesca… y el peligro de derrumbe es
claro.

Realizará una obra innovadora y genial:

sin cimbras (armazón que sostiene el peso de un arco o de otra
construcción, destinada a salvar un vano, en tanto no está en
condiciones de sostenerse por sí misma), ni andamios.

es una cúpula “autoportante”, que se soporta a sí misma.

son dos cúpulas: una interna octogonal y una externa
apuntada u ojival.

14. ESCULTURA

Precedentes: El pasado grecolatino estaba presente en Italia, incluso
en la Edad Media. Lenta evolución desde el Gótico.

Novedades: A este gusto clásico se suman novedades: concepto de
composición, la visión unitaria de la obra, gusto por lo expresivo, el
movimiento suave y clásico, el realismo en la figura humana y un
mejor tratamiento del desnudo.

Materiales: sobre todo el mármol, también el bronce. A veces la
cerámica policromada o vidriada y casi nada la madera.

Técnicas: bulto redondo y relieve. En el primero es donde se
experimenta más hacia el realismo humanista. En relieve se trabajan
los tres tipos, más el Sticciato de Donatello.

Temas: sobre todo religiosos y dentro de ellos los temas funerarios,
pero también se dan temas mitológicos, profanos, relieves, etc.

Focos: La auténtica revolución comienza en Florencia. Alrededor de
su catedral se crea un taller escultórico que durará 30 años.

15. Ghiberti

Concurso para decorar las puertas del Baptisterio de Florencia.
1401.

En estas Puertas del Paraíso las figuras se adaptan de manera
fehaciente a los cánones de la perspectiva y, al mismo tiempo, el
relieve se va aplanando conforme nos adentramos en cada
escena, hasta resultar casi absolutamente plano en los fondos.

Por el contrario, en los primeros planos predomina el volumen y
la corporeidad de los personajes.

De esta forma la profundidad es aquí el elemento relevante,
junto a la proporción en las representaciones y un destacado
gusto por el naturalismo en la composición de las escenas.

El arte gótico queda atrás, sustituido por una verdadera joya de
la escultura renacentista.

18. Puertas del Paraíso

22. DONATELLO
San Jorge, 1417 d.c

23. Condottiero Gattamelata. 1447-1453
La obra es al mismo tiempo el sepulcro del Gattamelata, lo que explica la altura del
conjunto, que alberga la cámara mortuoria. Vemos en la escultura como el personaje avanza a caballo
portando el bastón de mando en su mano derecha y ciñendo al cinto una espada, mientras su mirada se
pierde en el horizonte. Todo aquí refleja serenidad y equilibrio. Es más, algunos elementos remiten a la
retratística romana, como el interés por captar la psicología del personaje, o la propia coraza que éste
porta. Parece como si Donatello hubiese puesto todo su interés en dotar al condottiero de dignidad y
majestuosidad, elementos que se trasladan también al propio caballo, uno de cuyos cuartos delanteros
apoya sobre una bola de bronce, material en el que está elaborada toda la escultura.

.

25. PINTURA
Características:

La perspectiva: tercera dimensión mensurable, en espacios cerrados.

La anatomía: cánones de belleza ideal, realismo e idealismo como en la Grecia
Clásica.

Los temas: la mayoría religiosos vistos como pretexto para llegar a la belleza.
Retratos, alegorías clásicas y cristianas (conjunción cristianismo-paganismo, ideas
cristianas con formas paganas).

Paisaje: cobra mucha más importancia. La Naturaleza posa para el hombre.

El Hombre: es elevado casi a la altura divina.

Técnicas: fresco y temple sobre tabla. A partir de 1475 óleo sobre lienzo o tabla.

Unidad artística: no hay compartimentación. Incluso varias secuencias entran en el
mismo cuadro.

Dibujo: importante, de la línea nacen contornos nítidos.

Luz: uniforme, a veces modela los objetos pero es suave, ambiental y reside en el
cuadro.

Composición: preconcebida, orden en las figuras, simetría, esquemas triangulares.

26. Masaccio 1401-1428

Enlaza con el “naturalismo” de Giotto.

Aunque es algo más joven que Brunelleschi y Donatello, trató con
ellos y le influyeron:

sin ornamentación los temas que pinta.

crea volumen, “corporeidad”.

valora y aplica la perspectiva lineal.

apura un fuerte naturalismo en sus pinturas que tienen un
tratamiento “plástico” y “escenográfico”.

27. Frescos de la Capilla Brancacci 1424
La escena se divide en tres partes: en el centro del fresco el cobrador, de espaldas, con túnica roja, solicita el pago del impuesto, y Jesús
ordena a Pedro, con un gesto que el apóstol repite, lo que ha de hacer; a la izquierda de esta escena (no aparece en la imagen) aparece
Pedro, esforzándose en sacar la moneda del pez que acaba de pescar; a la derecha, finalmente, Pedro paga el tributo al cobrador ante un
edificio en perspectiva.

30. Piero de la Francesca 1416-1492

Es el pintor que más fielmente siguió a Masaccio:

Las figuras son tratadas de forma similar: volumen,
monumentalidad, estatismo, inexpresividad…

El espacio “tridimensional” gracias a la perspectiva, que lo
hace también coherente.

Proporción, orden, simetría… como proponía Alberti para
la arquitectura.

También recibió influencias de la pintura flamenca cuando
trabajó en la corte de Urbino para los Montefeltro.

Añade como novedad un magistral uso de la luz y el
claroscuro (también estudió a Fra Angélico y a Paolo
Ucello).

32. 
En esta obra, la escena sacra, relegada a un segundo término, tiene lugar en un
aireado pórtico de arquitectura clásica, mientras a la derecha, en primer plano y ajenos
al acontecimiento, tres personajes conversan en una plaza adyacente. La celebración
laica solapa al motivo religioso.

Demuestra un singular dominio del vocabulario arquitectónico clásico y de
virtuosismo en el uso de la perspectiva. Se puede construir un diagrama con las
principales líneas de perspectiva: las vigas del techo, el mosaico del suelo, las diagonales
del tejado de la derecha... y se ve que todas coinciden en un punto de fuga bajo, que
contribuye a disociar dramáticamente las figuras situadas en primer plano (mediante el
brusco cambio de escala) de la escena en segundo término.

34. Sandro Botticelli 1445-1510

A partir de 1475 y durante todo el período central de su
carrera (hasta comienzos de los años 90), Botticelli se nos
aparece como el pintor de los Médicis.

Realizó para ellos innumerables encargos y supo asumir y
traducir a términos plásticos el mundo de ideas del
neoplatonismo alentado por Lorenzo de Médicis y el grupo
de humanistas (Marsilio Ficino, Poliziano...) que le rodeaba.

Su pintura se convirtió así en intérprete y portavoz de las
aspiraciones vitales e ideológicas del grupo intelectual más
sofisticado de su tiempo, un círculo que aspiraba a la armonía
universal y de todas las potencias del hombre, que
identificaba bondad con belleza viendo en ésta una
emanación de la luz divina y que creía, por otra parte, en la
posibilidad de conciliar la filosofía platónica con la Revelación
cristiana.

35. El nacimiento de Venus 1484

36. 
El análisis de la geometría de esta obra es particularmente interesante porque nos
permite comprobar que la posición de Venus se ha desplazado con respecto a la línea
central precisamente lo necesario para trasmitir una sensación de movimiento desde
un punto de partida central, tal como lo exigen “Céfiro” y “Cloris”, cuyo aliento empuja
la concha hacia la playa .

Entre sus significados implícitos se encuentra también el de la correspondencia entre
el mito del nacimiento de Venus desde el agua del mar y la idea cristiana del
nacimiento del alma desde el agua del bautismo.

La belleza que el pintor quiere exaltar es, antes que nada, una belleza espiritual y no
física; la desnudez de Venus significa simplicidad, pureza, falta de adornos.

La naturaleza se expresa en sus elementos (aire, agua, tierra).

El desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se
recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad.

38. Zéfiro Cloris Primavera

39. La primavera 1478

40. 
Se puede considerar esta pintura como una alegoría del reino de
Venus, interpretada según la filosofía neoplatónica: Venus =
Humanitas, es decir, unidad, armonía, entre Naturaleza y Civilización.

Hay quien ha vista una alegoría del amor entre Juliano de Médicis y
Simonetta Cattaneo Vespucci, o de la muerte de ésta el 1476
(Simonetta cogida por la muerte -el Céfiro- y su renacer en el Elíseo).

Incluso se puede ver la representación de los meses, desde el febrero
(Céfiro) a septiembre (Mercurio).

41. F I N