Una presentación que describe la música y los compositores del período Barroco pero también los actores y sus obras en la Arquitectura, la Escultura, la Pintura y la Literatura. Se incluyen 8 fragmentos de música de Bach, Handel, Vivaldi, Torelli, Telemann y Pachelbel.

1. Historia
de
la MÚSICA
El período Barroco
Trumpet Concerto in D
Giuseppe Torelli

2. Contexto Histórico
El Barroco fue un periodo de la historia en la cultura occidental que produjo obras en
el campo de la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la
música, y que abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente.
También fue una época de grandes cambios en varias áreas de la ciencia, tales como:
la astronomía, la física y las matemáticas. Galileo, Kepler y Newton estaban
descubriendo nuevas formas de explicar el universo.
El período Barroco se suele situar entre el Renacimiento y el Neoclásico, en una
época en la cual la Iglesia católica europea tuvo que reaccionar contra muchos
movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y una
religión disidente dentro del propio catolicismo dominante: la Reforma Protestante.
El arte barroco jugó un papel importante en los conflictos religiosos de este periodo.
Frente a la tendencia protestante a construir los edificios para el culto de una manera
sobria y sin decoración, la iglesia católica usará para sus fines litúrgicos la
grandiosidad y la complejidad barrocas.
La aristocracia y los reyes lo usan para impresionar a sus visitantes y expresar su
poder y control.

3. Características del Barroco
En la sensibilidad barroca se aprecia una tendencia espectacular hacia lo decorativo,
un abandono de las reglas de la estética clásica, un predominio de la fantasía sobre
la fiel representación de la realidad, una búsqueda de originalidad a toda costa, una
exploración minuciosa de la sicología humana y un gusto desmesurado por la
ampulosidad.
La especial actitud estilista que caracteriza al arte barroco alcanzó su momento de
madurez en Italia hacia 1630 y se desarrolló en los cuarenta años siguientes.
A partir de este momento se difundió por todas las naciones de Europa.
El estilo barroco tuvo sus características especiales en cada una de las Bellas Artes
Música
Se trata de una de las épocas musicales más largas y fecundas de la música
occidental. Sus características más definitorias son: El uso del bajo continuo, que
facilitó el desarrollo de la armonía tonal, a diferencia de la anterior, modal y El gusto
por los fuertes contrastes sonoros. entre coros, entre familias instrumentales o entre
solista y orquesta, materializado en la policoralidad y el “estilo concertante”.

4. En esta época se desarrollan como nuevas formas la sonata, el concerto grosso, la
ópera, el oratorio y el ballet francés, y se vive además un auge de la música
instrumental pura, es decir, sin relación con consideraciones ideológicas que se
deriven de un texto, o funcionales como en el caso de la música de danza.
A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana conviven
armoniosamente, formando parte de la profesión musical. La mayor permisividad
estética lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer las partes mediante
una profusión de ornamentos y recursos expresivos.
Tiene una gran importancia la “teoría de los afectos”, que considera a la música
como creadora de emociones, y la retórica, que transfiere conceptos de la oratoria
tradicional a la composición del discurso musical del Barroco.
Finalmente, cabe señalar que la música en esta época estaba abierta a cambios y
adaptaciones.
Muchos compositores creaban nuevas obras adaptando ó re-escribiendo con
algunas modificaciones partituras anteriores, siendo estos cambios en la misma
partitura o en las combinaciones de instrumentos. En la música vocal, los cantantes
tenían varias partes donde podían improvisar.
Water Music Suite No.2
Händel

5. Durante el período Barroco los compositores eran empleados principalmente por las
autoridades eclesiásticas y los miembros de la nobleza.
A esto se le llamó el sistema de patronatos. Y como el patrón le pagaba al compositor
por cada trabajo y decidía que tipo de música debía componer, esto limitó seriamente
la creatividad y libertad del artista.
La música instrumental llegó a ser tan importante como la música vocal individual ó
coral. En el período Barroco floreció la música para violín, órgano, arpa, flauta, oboe,
trombón y trompetas. No se usaban todavía los instrumentos de percusión.
Los más importantes compositores de esta época fueron :
Jean Baptiste Lully (1632 -1687)
Arcangelo Corelli (1653 -1713)
Johann Pachelbel (1653 -1706)
Giuseppe Torelli (1658 -1709)
Henry Purcell (1659 -1695)
Alessandro Scarlatti (1660 -1725)
Tomaso Albinoni (1671 -1751)
Antonio Vivaldi (1678 -1741)
Georg Philipp Telemann (1681 -1767)
Jean-Philippe Rameau (1683 -1767)
Johann Sebastian Bach (1685 -1750)
Georg Friedrich Händel (1685 -1759)

6. Arquitectura
La arquitectura se caracteriza por el rompimiento de los frontones; se encurvan los
entablamentos; hay una utilización de las columnas salomónicas (fuste retorcido),
utilización del estípite; los planos se encurvan; hay una intención de provocar juegos
de perspectiva y efectos de luz.
Las bóvedas se cubren con telares repletos de personajes para conseguir la ilusión
del espacio.
Hay lo que llamaríamos una decoración vegetal.
Como características especiales, el Barroco español tiende hacia los Exteriores; el
Barroco europeo, lo hace hacia los Interiores y a las artes aplicadas.
Los más importantes arquitectos de esta época fueron :
Gian Lorenzo Bernini (1598 -1680)
Francesco Borromini (1599 -1667)
Jules Mansart (1646 -1708)
Daniel Pöppelmann (1662 -1736)
José Benito de Churriguera (1665 -1725)

7. Plaza de Sn. Pedro en el Vaticano - Bernini
Baldacchino de Sn. Pedro – Bernini
Dosel de Bronce con cuatro columnas
salomónicas sobre el altar papal .
San Carlo alle Quattro Fontane
Francesco Borromini

8. Palacio de Versalles - Jules Mansart Jardin de l'orangerie en Versalles - Mansart
Pabellón Zwinger en Dresden - Daniel Pöppelmann

9. Retablo Iglesia del Convento de Sn. Esteban Retablo Iglesia de las Calatravas - Madrid
Salamanca
José Benito de Churriguera

10. Escultura
Características: Se palpa un deseo de movimiento, al igual que en arquitectura.
A diferencia de los manieristas cuyo movimiento se contenía en planos, para los
escultores barrocos los miembros y los ropajes de las figuras se desplazan hacia
fuera vaporosos, hinchados, no exentos de aparatosidad.
Expresan más la apariencia que la realidad en aras de esa aparatosidad.
Se hace escultura con gran sentido decorativo. No es una escultura para ser
contemplada aislada sino para formar parte de un retablo. Es, además, naturalista.
Interpreta expresiones exaltadas.
Escultura efectista. Intenta sorprender a quien la contempla, sobre todo el género
funerario: reloj, muerto se levanta, esqueleto tras cortina, reflejo de una sociedad en
que los santos tienen una gran importancia.
Los más importantes escultores del Barroco fueron :
Stéfano Maderna (1576 -1636)
Gian Lorenzo Bernini (1598 -1680)
Suite in F major
Georg Philipp Telemann

11. El éxtasis de Sta. Teresa - Bernini Apolo y Dafne - Bernini

12. David - Bernini El Rapto de Proserpina - Bernini

13. Martirio de Sta. Cecilia – Stéfano Maderna
Fuente de los Cuatro Ríos – Bernini

14. Pintura
El arte barroco se caracteriza por el realismo, los colores ricos e intensos, y fuertes
luces y sombras. En oposición al arte renacentista, que normalmente mostraba el
momento anterior a ocurrir cualquier acontecimiento, los artistas barrocos elegían el
punto más dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo.
Miguel Ángel, que trabajó durante el Alto Renacimiento, muestra a su David compuesto
y quieto antes de luchar contra Goliat, mientras que el David barroco de Bernini es
captado en el acto de lanzar la piedra contra el gigante.
El arte barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila
racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento.
Como pintores más significativos de este período tenemos a:
Michelángelo Caravaggio (1571 -1610)
Peter Paul Rubens (1577 -1640)
Francisco de Zurbarán (1598 -1664)
Diego Velázquez (1599 -1660)
Rembrandt van Rijn (1606 -1669)
Esteban Murillo (1617 -1682)
Violin Concerto in E major
Johann Sebastian Bach

15. Los discípulos de Emaús - Caravaggio
Crucifixión de Sn. Pedro - Caravaggio
Los Jugadores de Cartas - Caravaggio

16. La adoración de los magos - Rubens

17. La elevación de la cruz - Rubens

18. Las Meninas - Velázquez

19. La rendición de Breda - Velázquez

20. La ronda nocturna - Rembrandt

21. Jesús en la tormenta en el lago de Galilea - Rembrandt

22. La defensa de Cádiz - Zurbarán

23. El regreso del hijo pródigo - Murillo

24. Literatura
El Barroco trajo consigo una renovación de técnicas y de estilos. En Europa, y sobre
todo en España, se tuvo un auge extraordinario, coincidiendo con la segunda mitad del
siglo de oro.
Los poetas barrocos del siglo XVII, siguieron mezclando estrofas tradicionales con las
nuevas, así cultivaron el terceto, el cuarteto, el soneto y la redondilla. Se sirvieron de
copiosas figuras retóricas de todo tipo, buscando una disposición formal recargada.
No supuso una ruptura con el clasicismo renacentista, sino que se intensificaron sus
recursos estilísticos en busca de una complejidad ornamental y de la exageración de
los recursos dirigidos a los sentidos, hasta llegar a un enquistamiento de lo formal.
También se intensificaron los tópicos que ya venían dándose en el Renacimiento, pero
en especial: la fugacidad de la vida, la rapidez con que el tiempo huye, la desaparición
de los goces, la complejidad del mundo que rodea al hombre, etc.
Los escritores más importantes de este período son los grandes poetas españoles:
Luis de Góngora (1561 -1627)
Lope de Vega (1562 -1635)
Francisco de Quevedo (1580 -1645),
Canon in D major
Johann Pachelbel

25. “Romance” - Luis de Góngora y Argote
La más bella niña En llorar conviertan Dulce madre mía,
de nuestro lugar, mis ojos, de hoy más, ¿quién no llorará,
hoy viuda y sola el sabroso oficio aunque tenga el pecho
y ayer por casar, del dulce mirar, como un pedernal,
viendo que sus ojos pues que no se pueden y no dará voces
a la guerra van, mejor ocupar, viendo marchitar
a su madre dice, yéndose a la guerra los más verdes años
que escucha su mal: quien era mi paz, de mi mocedad?
Dejadme llorar Dejadme llorar Dejadme llorar
orillas del mar. orillas del mar. orillas del mar.
Pues me distes, madre, No me pongáis freno Váyanse las noches,
en tan tierna edad ni queráis culpar, pues ido se han
tan corto el placer, que lo uno es justo, los ojos que hacían
tan largo el pesar, lo otro por demás. los míos velar;
y me cautivaste Si me queréis bien, váyanse, y no vean
de quien hoy se va no me hagáis mal; tanta soledad,
y lleva las llaves harto peor fuera después que en mi lecho
de mi libertad, morir y callar, sobra la mitad,
Dejadme llorar Dejadme llorar Dejadme llorar
orillas del mar. orillas del mar. orillas del mar.

26. “A mis soledades voy” – Lope de Vega (fragmento)
A mis soledades voy, No puede durar el mundo,
de mis soledades vengo, porque dicen, y lo creo,
porque para andar conmigo que suena a vidrio quebrado
me bastan mis pensamientos. y que ha de romperse presto.
¡No sé qué tiene la aldea Señales son del juicio
donde vivo y donde muero, ver que todos le perdemos,
que con venir de mí mismo unos por carta de más
no puedo venir más lejos! otros por cartas de menos.
Ni estoy bien ni mal conmigo; Dijeron que antiguamente
mas dice mi entendimiento se fue la verdad al cielo;
que un hombre que todo es alma tal la pusieron los hombres
está cautivo en su cuerpo. que desde entonces no ha vuelto.
Entiendo lo que me basta, Fea pintan a la envidia,
y solamente no entiendo yo confieso que la tengo
cómo se sufre a sí mismo de unos hombres que no saben
un ignorante soberbio. quién vive pared en medio.
De cuantas cosas me cansan, Con esta envidia que digo
fácilmente me defiendo; y lo que paso en silencio,
pero no puedo guardarme a mis soledades voy,
de los peligros de un necio. de mis soledades vengo.

27. “Definición del Amor” - Francisco de Quevedo
Es hielo abrasador, es fuego helado,
es herida que duele y no se siente,
es un soñado bien, un mal presente,
es un breve descanso muy cansado.
Es un descuido que nos da cuidado,
un cobarde con nombre de valiente,
un andar solitario entre la gente,
un amar solamente ser amado.
Es una libertad encarcelada,
que dura hasta el postrero paroxismo;
enfermedad que crece si es curada.
Éste es el niño Amor, éste es su abismo.
¿Mirad cuál amistad tendrá con nada
el que en todo es contrario de sí mismo!

28. Antonio Lucio Vivaldi (1678 -1741)
Compositor y músico del período Barroco, uno de los pináculos de la música
occidental y de la música universal, su maestría se refleja en haber cimentado el
género del concierto el más importante de su época.
Nació en Venecia el 4 de marzo de 1678 y murió en Viena el 28 de julio de 1741.
Era apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser sacerdote y pelirrojo
Es especialmente conocido a nivel popular por ser el autor de la serie de conciertos
para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Sin embargo su obra se compone de
alrededor de 270 conciertos, 46 Óperas, 44 Cantatas, 12 Motetes, 49 Obras de
Música Sacra y 3 Oratorios.
Vivaldi está considerado como uno de los precursores de la música romántica y de
la música programática.
The four seasons – The spring
Antonio Vivaldi

29. La carrera del veneciano estuvo marcada por cuatro grandes etapas :
La primera etapa fue la de la adquisición de una fama europea en el terreno de la
música instrumental con la publicación, por el editor veneciano Sala y después por el
prestigioso impresor holandés Estienne Roger de dos opus de sonatas para violín y
dos colecciones revolucionarias de conciertos para el mismo instrumento:
L'estro armónico en 1711 y La Stravaganza en 1714.
Estas obras novedosas superaron las innovaciones de Torelli y Albinoni, y le
garantizaron un éxito fenomenal que se tradujo, en particular, en la reimpresión
inmediata de sus Opus en Londres y París.
La segunda etapa fue la de su contrato en el Ospedale della Pietà, un orfanato para
niñas de su ciudad. Para ellas fueron creadas muchas de sus composiciones; en
algunas transcripciones modernas de sus obras pueden leerse aún los nombres de
las jóvenes para quienes iba dedicada cada aria.
En Septiembre de 1703, recién ordenado sacerdote y con 25 años, Vivaldi fue
nombrado maestro de violín de la orquesta de la Pietà y encargado después de la
enseñanza de la viola all’ inglese. Su función era la docencia y adquisición de ciertos
instrumentos para sus alumnas y la dirección de la orquesta de aquella institución,
que albergaba un famoso coro que reunía al conjunto de internas intérpretes.

30. El nombramiento de un músico tan joven para aquel puesto envidiado da testimonio de
su fama como compositor, fundada sin duda en la difusión manuscrita de sus obras
antes de ser publicadas, pero, por encima de todo, en su formidable celebridad como
prodigio del violín, que durante mucho tiempo suplantaría su renombre como compositor
en Venecia e Italia.
Vivaldi realizó en la Pietà, a lo largo de su vida una carrera tumultuosa, consecuencia de
su personalidad histriónica e independiente. Pero sus caóticas relaciones con aquella
institución, sembradas de rupturas y reconciliaciones, no le impidieron hacer de aquel
puesto prestigioso su laboratorio y su santuario, al mismo tiempo.
La tercera etapa fue la de su oficio como compositor y empresario de ópera, en la que
cosechó grandes éxitos. Fue entonces cuando compuso en Vicenza, en mayo de 1713,
“Ottone in Villa”, su primera ópera conocida, seguida de una auténtica conquista de la
Venecia teatral que se basó en el control de los pequeños teatros de Sant’ Angelo y San
Moise.
Las partituras de las óperas fechadas en este primer período veneciano nos muestran
unas obras suntuosas, exuberantes, testimonio de un temperamento dramático
excepcional.
En esta misma época, el compositor veneciano se impuso también y sobre todo como
empresario de espectáculos que produce tanto óperas propias como de otros
compositores, revisándolas ó uniéndolas a sus propias producciones.

31. La cuarta etapa de ese despegue fue la del desarrollo de una actividad estructurada
como compositor particular, que multiplicaba sus compromisos puntuales y
lucrativos con una red de clientes y mecenas.
Esta actividad tuvo como objeto tanto la música instrumental, con la venta de
conciertos escritos ó adaptados específicamente en función de los encargos; la
música vocal profana, con la venta de arias de óperas, cantatas o serenatas; y la
música religiosa, mediante la composición de motetes, himnos, salmos y conciertos
sacros para diferentes instituciones.
Así es como Vivaldi escribió su Stabat Mater en 1712 para una iglesia de Brescia. Y
así compuso también su primer oratorio, "La vittoria navale", interpretado en
Vicenza en junio de 1713.
Entre 1718 y 1722 trabajó para el príncipe de Mantúa y, más tarde, comenzó un
período de viajes por Europa para supervisar los estrenos de sus óperas.
En 1738 Vivaldi estuvo en Ámsterdam donde dirigió la apertura de un concierto
festivo en honor al aniversario de los 100 años del Teatro Schouwburg.
Regresando a Venecia, que en ese entonces estaba atravesando una severa crisis
económica, renunció al Ospedale della Pietà en 1740, planeando mudarse a Viena
bajo el amparo de su admirador Carlos VI. Sin embargo, su estadía en Viena fue
breve debido a que enfermó y falleció el 28 de Julio de 1741

32. Sus obras más famosas:
Conciertos
L'estro armonico, 12 conciertos para diversas combinaciones. Los más conocidos
son el No. 6 para violín en La menor, el No. 8 para 2 violines en La menor, y el No.
10 para 4 violines en Si menor (1711)
La stravaganza, 12 conciertos para violín (1714)
il cimento dell'armonia e dell'invenzione, 12 conciertos para violín, los primeros 4,
son mundialmente conocidos como: Las cuatro estaciones, el quinto es conocido
como “La Tempestad del Mar” y el sexto conocido como “El Placer” (1725)
Óperas
Antonio Lucio Vivaldi compuso 46 Óperas, siendo sus más famosas :
Ottone in Villa, L’Adelaide, Armida al campo d’Egitto, Motezuma, Nerone fatto
Cesare, L’Olimpiade, Orlando Furioso, Semiramide, il Giorno Felice.

33. Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Nació en Eisenach, Turingia el 21 de marzo de 1685 y murió en Leipzig el 28 de
Julio de 1750. Fue un organista y compositor alemán de música del Barroco, su
reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda
Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de
gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.
Johann Sebastian perteneció a una de las más extraordinarias familias musicales
de todos los tiempos. Durante más de 200 años, la familia Bach produjo docenas
de buenos ejecutantes y compositores (durante siete generaciones dio 52
músicos de importancia).
Brandenburg Concert No.3
Johann Sebastian Bach

34. Obra Musical de Johann Sebastian Bach
La obra de Bach, se puede dividir en tres grandes períodos bien diferenciados,
marcados por las influencias y la asimilación de los estilos de su época, desarrollo,
búsqueda y la evolución de su estilo personal, que en los años 1713 y 1739/1740
son capitales para la evolución de su estilo.
El primer período, el de aprendizaje y estudio, va desde 1700 hasta 1713, estando
ya en Weimar. En este período, que está centrado en la música para clave y órgano,
y cantatas sacras, asimila y supera la música alemana del siglo XVII y principios del
XVIII en el ámbito instrumental y vocal religioso, además de Frescobaldi y algunos
músicos franceses del siglo XVII.
El segundo período, el de maestría, empieza en 1713, en Weimar, y acaba en 1740,
afincado ya en Leipzig. En este período, después de haber asimilado y superado
completamente el estilo alemán del periodo anterior, a partir de 1713 asimila y es
influido por la música italiana de finales y primer cuarto del siglo XVIII.
Cuando toma y sintetiza las características del estilo italiano (claridad melódica y
dinamismo rítmico) y del estilo alemán (sobriedad, contrapunto complejo y textura
interna), logra hacer su estilo personal inconfundible, adaptable perfectamente a
todos los géneros y formas de su tiempo menos el género de la ópera.

35. El tercer y último período de su música va desde la publicación de sus “Ejercicios
para Teclado III”, en 1739 y acaba con la muerte del compositor en 1750,
componiendo el Arte de la Fuga.
En este período, se centra significativamente en la música instrumental, como haría
más adelante Beethoven, y su estilo personal se vuelve más contrapuntístico, con
una leve influencia de la nueva música galante naciente en aquellos momentos.
El Catálogo de sus Obras
El registro o catálogo de sus obras, que abarca en total: 1127 obras, fue elaborado
por Wolfgang Schmieder en 1950, después de la Segunda Guerra Mundial. Se
conoce por las siglas "BWV", que significan Bach Werke Verzeichnis ó “Catálogo
de las obras de Bach”.
Entre sus obras más famosas destacan:
Tocata y Fuga en Re menor
Suites Orquestales No.2 y No.3
Conciertos de Brandenburgo (6)
Concierto para 4 Arpas en Do menor
Ofrenda Musical
Aire en la cuerda de Sol
Jesús alegría de los hombres

36. Georg Friedrich Händel (1685-1759)
Compositor de origen alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una
de los grandes del Barroco y uno de los mejores y más influyentes compositores de la
música occidental.
En la historia de la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y
enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de
los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual. Es el primer gran maestro de
la música basada en la técnica de la homofonía y el más grande dentro del ámbito de
los géneros de la ópera seria italiana y el oratorio.
Su inmenso legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés
de la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros
de su época.
Music for the Royal Fireworks
Handel

37. Nació en la ciudad de Halle, ubicada en el centro-este de la actual Alemania, el 23
de febrero de 1685. Händel se convirtió en alumno del principal organista de Halle,
Friedrich Wilhelm Zachau. A la edad de 17 años lo nombraron organista de la
catedral de Halle.
Al cabo de un año, Händel viajó a Hamburgo, donde fue admitido como intérprete
del violín y del clave en la orquesta de la ópera. Al poco tiempo, en 1705, se estrenó
en ese mismo lugar su obra “Almira” y poco después “Nero”.
Al año siguiente, en 1706 aceptó una invitación para viajar a Italia, donde pasó más
de tres años.
En Italia, se representaron obras suyas en Florencia, Roma, Nápoles y Venecia, y al
mismo tiempo Händel escribió música nueva, inspirado por la música de aquel país.
En 1710, Händel regresa de Italia y se convierte en el director de orquesta de la
corte de Hannover. Un año más tarde se estrena su obra “Rinaldo” en Londres con
un considerable éxito.
En vista de ello, en 1712 Händel decide establecerse en Inglaterra. Allí recibe el
encargo de crear un teatro real de la ópera, que sería conocido también como
Royal Academy of Music. Händel escribió 14 óperas para esa institución entre 1720
y 1728, que lo hicieron famoso en toda Europa.

38. El 11 de junio de 1727 murió Jorge I, pero antes de morir había firmado el Acta de
Naturalización de Händel, el compositor se convirtió en súbdito británico. Fue el
momento de cambiar su nombre a "George Frideric Haendel".
A Jorge I le sucedió Jorge II y para su Coronación se encargó la música a Händel.
Así nacieron los himnos "Zadok the Priest", "My Heart is Inditing", "Let Thy Hand be
Strengthened" y "The King shall Rejoice", las dimensiones de la orquesta y músicos
requeridos eran extraordinarias, se pudo leer en un periódico "habrá 40 voces, y
unos 160 violines, trompetas, oboes, timbales y bajos, además un órgano, que fue
instalado detrás del altar".
A partir de 1740, Händel se dedicó a la composición de oratorios, entre ellos:
“El Mesías”, que años más tarde, en el siglo XIX se convertiría en la obra coral por
excelencia.
A comienzos de abril de 1759 se sintió mal mientras dirigía su oratorio El Mesías.
Terminado el concierto, se desmayó y fue llevado presurosamente a su casa, donde
se le acostó; nunca más volvió a levantarse. Falleció el 14 de abril de 1759, a la
edad de 74 años.
Händel murió siendo venerado por todos; fue sepultado con los honores debidos en
la Abadía de Westminster, panteón de los hombres más célebres de Inglaterra.

39. Obra musical
La vasta y abundante obra de Händel, muy prolífico como era la norma de la época,
se compone de más 600 obras y se divide en 7 grandes grupos, agrupados en dos
grandes bloques: en música vocal 286 piezas (dramática, oratorios, profana y
religiosa) y musical instrumental 662 (orquestal, de cámara y para clave) donde
abarca todos y cada uno de los géneros de su época.
En musical vocal, los géneros y obras que el compositor compuso y ha cultivado, que
suman 286 piezas en total, son 43 óperas en lengua italiana, alemana e inglesa, 2
músicas incidentales para espectáculos en inglés, 26 oratorios en italiano, alemán e
inglés, 4 odas y serenatas en italiano e inglés, 100 cantatas en italiano y español, 21
dúos, 2 tríos, 26 arias sueltas, 16 obras para conciertos espirituales, 41 anthems, 5 Te
deums, 1 Jubilate y 3 Himnos ingleses.
Sus obras más famosas son:
Music for the Royal Fireworks
Water Music Suites No.1, 2 & 3
Hallelujah Chorus from Messiah
Ombra mai fu, from Serse Opera
Trumpet Concerto in D major
Concerto Grosso in G major

40. F I N
AVM 11.08.2012