Arte gótico

Historia del Arte. 2º Bachillerato
El arte gótico
1.- Introducción: el contexto histórico
El arte gótico se desarrolla en Europa entre mediados del siglo XII (en Francia) hasta bien
entrado el siglo XVI en países como España.
El arte gótico es el que corresponde al resurgir de las ciudades, como consecuencia de las
mejoras económicas y comerciales que a partir del siglo XII superan la sociedad feudal. Es
el contexto urbano el que hace posible que nazcan la catedral, la lonja o el palacio comunal
(ayuntamiento).
El arte gótico es el de la nueva espiritualidad escolástica, que redescubre la naturaleza
como creación e imagen de Dios por influencia, entre otros, del pensamiento de San
Francisco de Asís y San Bernardo de Claraval , inspirador este último de la reforma
cisterciense.
Así, el Gótico puede ser definido como la expresión artística de la Baja Edad Media
derivada del acrecentamiento del poder real y la creación de una cultura urbana y más
secularizada en la que tienen una importancia esencial las Universidades.
2.- Arquitectura
La arquitectura gótica surge en Francia (Zona Centro). El primer edificio en el que se puede
identificar el lenguaje arquitectónico gótico es la Abadía de Saint-Denis, construida en el
siglo XII bajo la dirección del Abad Suger.
Las características esenciales de la arquitectura gótica son:
- La utilización de la luz que se identifica con la divinidad. Si en el Románico dominaba
el muro sobre el vano y en el interior triunfaba la sombra sobre la luz, en el Gótico
el afán de luz hace al arquitecto prescindir del muro, que se sustituye por vidrieras,
a través de un sistema de contrarrestos concentrados en determinados puntos.
- En el Gótico la estructura del edificio adquiere una dimensión estética y tiende a la
elevación: arcos y bóvedas apuntados, columnas y pilares elevadísimos, pináculos,
etc, sirven a este efecto.
Estas dos características se consiguen gracias al uso de los siguientes elementos técnicos:
- El arco apuntado, formado por dos segmentos de círculo que se cortan, contribuye a la
verticalidad. En el siglo XIV se utiliza también el carpanel (medio punto rebajado) y en el
siglo XV el conopial y el mixtilíneo.
- La bóveda de crucería, formada por dos arcos apuntados que se cruzan en el centro
(clave), con una plementería muy ligera.
- En el interior, los pilares reciben los empujes de las bóvedas. Los pilares fasciculados
disponen de columnas adosadas que evolucionan hacia baquetones (molduras circulares).
- En el exterior, los empujes se contrarrestan mediante arbotantes que son arcos de
cuarto de círculo que conducen el empuje lateral desde el arranque de la bóveda a
contrafuertes exteriores. Para contribuir al efecto ascendente el contrafuerte está
coronado por un pináculo que son pilares exteriores que fijan los arbotantes y tienen,
además un valor estético.
El muro, al contrario que en el Románico, carece de misión constructiva, permitiendo el
desarrollo de vidrieras y la ascensionalidad de los edificios.
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Sistema constructivo del Gótico:
2.1- La arquitectura religiosa: la CatedralLa catedral, edificio religioso urbano, será el edificio más representativo del arte gótico.
Es, por un lado, la expresión de la grandeza de las ciudades frente a sus vecinas, y por otro,
se considera la expresión de la Jerusalén Celeste, reunión de Dios y los hombres en su
morada final. Será en Francia, el país de origen pero pronto caló en el resto de Europa.
En general, las catedrales presentan las siguientes características:
- Planta:
 Planta de cruz latina, pero el transepto o crucero está menos desarrollado, incluso
en muchas ocasiones ni se acusa en planta. También encontramos la planta basilical
rectangular de 3 a 5 naves.
 Cabecera macrocéfala: se tiende a un desarrollo espectacular de la cabecera, que
con frecuencia presenta girola y capillas (absidiolos). En algunas catedrales a partir
del transepto la planta presenta cinco naves en lugar de las tres del cuerpo principal
(por ejemplo Chartres, Reims,...).
Bóveda de crucería
Pináculo
Arbotantes
Contrafuerte
Nave centralNaves laterales
Pilares
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- Alzado. Presenta los elementos constructivos explicados anteriormente (arcos apuntados,
bóveda de crucería, pilares, arbotantes, contrafuertes y pináculos). Separando la nave
central de las laterales se sitúa una arquería sobre los pilares. Encima, puede presentar
tribuna sobre las naves laterales, si bien desaparece con el tiempo para favorecer el
desarrollo del triforio , es decir, galería de arcos en el muro de la nave central que queda
por encima de las naves laterales. Sobre el triforio se sitúan ventanales con vidrieras
(claristorio)
Interior catedral de Chartres
- Fachada. Las portadas son abocinadas y están decoradas; las esculturas de arquivoltas y
jambas suelen protegerse por unos tejadillos llamados chambranas o doseletes. La forma
apuntada de la portada se completa con un gablete triangular de carácter decorativo.
Sobre la portada principal y en correspondencia con la nave central se sitúa un rosetón de
iluminación. A ambos lados de la fachada suele haber sendas torres esbeltas.
En la construcción de estos edificios intervienen diversos aspectos socioeconómicos: la
custodia de reliquias como factor de peregrinación y prosperidad económica; la
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bóveda de crucería
claristorio
triforio
arquería

organización de trabajadores en logias que dependen de la Iglesia o del Municipio; y a
partir del siglo XIV, la proliferación de gremios.
2.2.- Arquitectura civil: lonjas y ayuntamientos
Adquiere las mismas características formales que la religiosa y su desarrollo es paralelo al
de las ciudades a partir del siglo XIII. Así, los edificios más significativos son los
ayuntamientos, sede del poder municipal (Ejemplo: ayuntamiento de Bruselas); los palacios,
reflejo del poder de la nobleza urbana (Ejemplo: Palacio del Infantado de Guadalajara); y
las lonjas, signo del apogeo comercial (Ejemplo: lonjas de Valencia y Mallorca).
Ayuntamiento de Bruselas
2.3.- La arquitectura gótica en Europa
Francia. La construcción de la Abadía de Saint Denis por el abad Suger a mediados del
siglo XII supone el inicio del nuevo estilo.
En la segunda mitad del siglo XII se desarrolla un Gótico Inicial que coexiste con el
Románico y el arte cisterciense: catedrales de Sens, Laon, Noyon y Notre Dame de París.
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Fachada de Notre Dame de París Planta
La fase Clásica del Gótico francés es el siglo XIII. Las catedrales presentan tres pisos:
arquerías de separación de naves, triforio y ventanales o claristorio. La articulación de
empujes permite sustituir el muro por vidrieras. En el exterior los pináculos adquieren un
gran desarrollo no sólo funcional sino también ornamental. Las catedrales ganan en altura.
Destacan las de Chartres, Reims y Amiens. El planteamiento en todas ellas es parecido: el
crucero casi al centro, capillas radiales que circundan la girola, a partir del crucero la
planta se desdobla en cinco naves; en el interior tres pisos: arcada, triforio y claristorio; se
desarrollan magníficas vidrieras.
La Catedral de Chartres (1191-1220) tiene su origen en la reconstrucción de un templo
románico anterior destruido por un incendio. La reconstrucción, en estilo Gótico, se hizo en
un tiempo récord, gracias a las aportaciones de los fieles, por lo que posee una gran
coherencia formal. Era un centro de peregrinación al poseer una reliquia: la túnica que
vestía la Virgen cuando nació Jesús.
Catedral de Chartres. En el interior se aprecia las arcadas, el triforio y el claristorio
La catedral de Reims (1211-1311) es la culminación del Gótico clásico francés. Destaca en su
exterior por la decoración escultórica y la tracería calada.
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Catedral de ReimsLa catedral de Amiens fue diseñada en el 1220 . El interior presenta una gran esbeltez
debido a la elevada altura (44 metros) y a la utilización de finísimos baquetones y
columnillas que recorren el muro. Se aprecian los tres pisos: arcada, triforio y claristorio.
Catedral de Amiens Interior Planta
Durante el Gótico Radiante en Francia , la obsesión por la altura y la estilización de la
arquitectura supuso la reducción del espesor de las paredes, la ampliación de los
ventanales, las tracerías y las vidrieras. Uno de sus máximos exponentes de la eliminación
de los muros es la Santa Capilla de París (1242-1248). construida por Luis IX de Francia
para guardar las reliquias de la Crucifixión. La capilla consta de una serie de esbeltos
elementos pétreos que sostienen las vidrieras. Como carece de naves laterales no tiene
arbotantes. El muro sólo se desarrolla en la parte inferior a modo de zócalo. . Se trata de
un espacio de nave única, de gran altura, cubierta por bóvedas de crucería y cuyos muros se
presentan translúcidos a base de vidrieras de enormes dimensiones.
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Santa Capilla de París
En el siglo XV, la tracería fue complicándose hasta generar el Gótico Flamígero, cuyos
motivos recordaban las formas de las llamas. En el interior las bóvedas se complican en su
diseño. El estilo flamígero floreció en edificios civiles en el centro de Francia (Borgoña) y
en Bélgica : Lonja de paños de Yprés, ayuntamientos de Bruselas y Lovaina.
Lonja de Yprés Ayuntamiento de Lovaina
Inglaterra. En un principio el Gótico inglés está muy ligado al francés por razones
históricas. Se distinguen tres etapas:
- Primer Estilo (s. XIII): enorme desarrollo longitudinal de las iglesias, doble transepto (el
primero mayor que el segundo) grandes fachadas con dos torres. Destacan las catedrales
de Canterbury, Lincoln y Salisbury.
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Catedral de Canterbury Planta
Catedral de Lincoln Catedral de Salisbury
- Estilo ornamental (s. XIV). Se multiplican los adornos. Catedral de Wells.
Catedral de Wells
- Gótico perpendicular (s. XV). Mayor altura, grandes ventanales y se multiplican las
bóvedas de abanico. Destaca el King College de Cambrige.
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King College
Alemania. La principal característica es la utilización de esbeltas agujas caladas sobre las
torres, que acentúan la verticalidad del edificio, por ejemplo la catedral de Colonia, del
siglo XIII. En ocasiones sólo presentan una torre: catedrales de Friburgo y Ulm. Aparece
la planta de tres naves de igual altura, como en la catedral de Nuremberg.
Catedral de Colonia Torre C. Friburgo Catedral de Ulm
Italia. El gótico convive con influencias clásicas. Predomina la horizontalidad, la
importancia de las fachadas y el muro mientras que los vanos y las vidrieras son menos
importantes. Destacan las catedrales de Siena, Florencia y Milán.
Es importante la arquitectura civil esencialmente palaciega debido a la división de Italia en
ciudades-repúblicas gobernadas por determinadas familias. Destacan los palacios toscanos
como el de la Signoria de Florencia y el Palacio Comunale de Siena, con aspecto acastillado y
alta torre. Sin embargo en Venecia resalta la ornamentación a base de arcos entrecruzados
y columnas en la fachada, como en el Palacio Ducal.
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Catedral de Siena Duomo de Milán
Palacio de la Signoria. Florencia Palacio Ducal. Venecia
España. En España el desarrollo del gótico es algo más tardío que en Francia, debido a la
reconquista. Los elementos arquitectónicos góticos llegan desde Francia a finales del siglo
XII y durante un tiempo se van yuxtaponiendo a los románicos, es el periodo que se
identifica como protogótico o de transición. En España el gótico francés se irá nutriendo de
elementos muy dispares de origen árabe o mudéjar y se irá adaptando a las peculiaridades y
necesidades de las distintas regiones.
Hay que diferenciar entre la arquitectura castellana y la de la Corona de Aragón.
Castilla. La influencia francesa es patente, a través de constructores venidos directamente
del país vecino. Se diferencian varias etapas:
- Una etapa temprana a finales del siglo XII: Catedrales de Ávila, Cuenca y Sigüenza.
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Catedral de Ávila Catedral de Cuenca Interior catedral de Cuenca
- El gótico clásico corresponde al siglo XIII, cuando se construyen las grandes catedrales
de León, Burgos y Toledo, que se inspiran en modelos franceses.
La catedral de Burgos, cuya construcción se inicia en 1222 y acaba en 1260. En su ejecución
intervino el maestro Enrique, que luego participó en la construcción de la catedral de León.
Tiene una planta de tres naves, transepto de nave única que sobresale y deambulatorio con
cinco capillas hexagonales. La fachada posee triple portada, rosetón y decoración
escultórica. Las torres son del siglo XV y las levantó Juan de Colonia ya con decoración
flamígera, que se advierte sobre todo en el calado de las agujas. En el exterior destaca el
cimborrio, coronado por pináculos y con decoración flamígera, y que fue levantado también
por Juan de Colonia y su hijo Simón.
Catedral de Burgos Fachada
La Catedral de Toledo se inició hacia el 1226 . Su trazado se debe al maestro Martín
Y es de cinco naves longitudinales, la central más ancha que las laterales porque aboca en el
presbiterio y marca la orientación, mientras que las laterales se prolongan hasta
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circunvalar el presbiterio conformando la girola , que en este caso es doble. La girola o
deambulatorio permite el paso a las diferentes capillas que se abren en el ábside, sin
distraer los oficios del altar mayor. El transepto no sobresale de la planta.
Catedral de Toledo Planta
La Catedral de León iniciada hacia 1255, se considera la mejor adaptación del arte gótico
francés en la Península, pues parece inspirarse en la de Reims. Consta de tres naves y girola
y dispone del mejor repertorio de vidrieras del gótico español.
Catedral de León Nave central Rosetón y vidrieras
- En el siglo XV se desarrolla un gótico tardío que tiene su mejor representación en la
catedral de Sevilla construida tras el derribo en 1401 de la antigua mezquita almohade de
la que se respetó el alminar (Giralda). Es una construcción de enormes dimensiones. La
planta es rectangular (con el ábside plano) de cinco naves. Los pilares son muy elevados y
esbeltos. También del siglo XV son las catedrales de Oviedo y Murcia.
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Catedral de Sevilla Catedral de Oviedo
- A finales del siglo XV y en el siglo XVI se desarrolla el gótico isabelino en el que se
funden formas góticas, mudéjares y flamencas. En Toledo, el flamenco Juan Guas
construye el monasterio de San Juan de los Reyes, por encargo de Isabel la Católica. Del
siglo XVI son la catedral nueva de Salamanca de Juan Gil de Hontañón y la catedral de
Segovia de Rodrigo Gil de Hontañón.
Catedral de Salamanca Fachada
Catedral de Segovia Interior de San Juan de los Reyes
En arquitectura civil destaca el Palacio del Infantado de Guadalajara, de Juan Guas, y la
Casa de las Conchas de Salamanca.
Palacio del Infantado. Guadalajara Casa de las Conchas. Salamanca
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Corona de Aragón. El siglo XIV y la primera mitad del siglo XV es la época de esplendor de
la arquitectura gótica en Cataluña y Baleares, que se sitúa en el ámbito del Gótico
mediterráneo que llegaba del sur de Francia, y posee unas peculiaridades en cuanto a la
concepción del espacio y del volumen:
- Plantas de una sola nave o de tres naves a la misma altura (plantas de salón) que
ofrece mayor visibilidad.
- Tendencia a la horizontalidad.
- Contrafuertes grandes y muy juntos para absorber la presión de la bóveda. En el
interior entre los contrafuertes se sitúan capillas.
- Menor ornamentación.
- Escaso desarrollo de los vanos.
Entre los edificios religiosos hay que destacar:
La catedral de Barcelona. Es la que mejor responde al modelo que se seguía en aquel
momento: tres naves casi de la misma altura y separadas por pilares compuestos; transepto
que no sobresale, girola y contrafuertes interiores entre los que se sitúan capillas.
Fachada catedral de Barcelona Planta Nave central
La catedral de Gerona. Iniciada en 1312, su arquitecto, Guillem Bofill, la construyó con una
única nave cubierta por cuatro tramos de bóveda que abarcan los 23 metros de ancho de la
nave y suben a 34 m de altura. Posee triforio de pequeñas dimensiones que desde los
laterales se prolonga por el ábside. Como en Barcelona, entre los contrafuertes se aloja la
línea de capillas.
Planta catedral de Girona Interior
La catedral de Palma de Mallorca. Sus casi 110 metros de fachada lateral se articulan en un
macizo sistema de contrafuertes altísimos que le confieren una pronunciada verticalidad.
Los contrafuertes más elevados sostienen una doble hilera de arbotantes y el resto
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refuerza el muro a la altura de las capillas laterales. A un impactante exterior corresponde
un interior de tres naves divididas en ocho tramos; el cuarto tramo se ensancha simulando
un transepto; los contrafuertes acogen pequeñas capillas. La mayor novedad es la cabecera:
las naves laterales terminan en absidiolos de planta cuadrada y la nave central culmina en
una capilla rectangular, destinada a sepultura real. Esta capilla no es tan alta como la nave
central y permite la inclusión en el muro de un gigantesco rosetón que ilumina la iglesia
desde la cabecera.
Lateral catedral Palma de Mallorca Rosetón de la cabecera y arbotantes
La iglesia de Santa María del Mar, Barcelona. Es un edificio paradigmático del Gótico
mediterráneo. Construida a partir del 1328. La iglesia presenta un espacio interior muy
desahogado y con una gran pureza de formas (octogonales). La tendencia a la creación de
espacios diáfanos culmina con la iglesia de Santa María del Mar (1339-1384,) de Barcelona,
que pronto superó en importancia a la catedral de esa ciudad. Los navegantes y
comerciantes de la ciudad sufragaron la construcción del edificio. El exterior es muy
sencillo y no da idea de las magníficas dimensiones del interior. Éste es imponente, de
amplias y equilibradas proporciones y gran sobriedad. No hay apenas decoración, los pilares
son octogonales y la planta sigue el esquema sencillo de las iglesias catalanas, basilical con
tres naves, girola y capillas absidiales que están embebidas en el muro del ábside. La
anchura de su nave central (14 m) es excepcional.
Fachada Santa María del Mar Deambulatorio. Pilares y bóveda.
Interior Nave central
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Del siglo XV son, en el Levante, la Torre del Miguelete de la Catedral de Valencia, donde
tradicionalmente se reunía el Tribunal de las Aguas; y la iglesia de Santiago de Villena.
Torre del Miguelete. Valencia Iglesia de Santiago. Villena
En la Corona de Aragón, la mayor vida urbana y comercial dio lugar al desarrollo del Gótico
civil, especialmente en el siglo XV. En el ámbito del comercio y las finanzas tuvo su máximo
exponente en la construcción de lonjas, edificios destinados a albergar actividades
mercantiles. Inicialmente eran espacios porticados para las transacciones; con el tiempo se
convirtieron en imponentes edificios que reflejaban la potencia y riqueza de la ciudad.
Barcelona, Mallorca y Valencia compitieron por poseer las lonjas más suntuosas. Suelen
tener naves a la misma altura, pilares helicoidales y bóvedas con forma de palmera.
La Lonja de Valencia fue edificada en el siglo XV. Se trata de un espacio cuadrangular
donde se realizaban las contratas de las empresas comerciales. Para cubrir este espacio,
también funcional, se utilizó en los casos mencionados un sistema de bóvedas cuyos nervios
se expanden en sentido radial desde finas columnas helicoidales que proporcionan un gran
efecto decorativo al espacio interior. En el exterior tienen decoración de estilo flamígero
con características comunes a la de los palacios y residencias burguesas de esta misma
época.
Exterior lonja de Valencia Interior
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Exterior lonja Palma de Mallorca Interior
Uno de los exponentes más bellos de la arquitectura palaciega de Barcelona del siglo XV, es
el Palacio de la Generalitat, que responde al tipo de edificio civil mediterráneo con patio
central. El patio gótico está rodeado por galerías de finísimas arquerías y cuenta con una
monumental escalera de rampa recta.
Palacio de la Generalitat. Barcelona. Galería superior
3.- La escultura: la portada gótica
3.1 Características generales
La ubicación y los materiales en los que se realizan las imágenes góticas son similares a los
del románico. La escultura de piedra se centra en el gótico sobre todo en las portadas y, en
menor medida, en el interior de las Iglesias. Además, las vidrieras desplazaron a las
pinturas y fueron adquiriendo importancia los retablos de madera, en los que se recogían
los temas que antes solían pintarse en la cabecera de la iglesia románica. En el gótico
proliferaron las tallas de madera, apropiadas a una devoción cada vez más centrada en los
santos y la Virgen.
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En cuanto a la iconografía sigue siendo religiosa y, aunque se mantienen las escenas del
Antiguo y del Nuevo Testamento y otros temas de tradición románica, lo más característico
del gótico es la importancia que adquieren la Virgen con el Niño y la Crucifixión, que
desplazan al Pantocrátor y los Tetramorfos, que rara vez aparecen ya. Si en el románico el
Cristo crucificado no experimentaba dolor, en el gótico sí refleja sufrimiento (se arquea y
presenta tres clavos). La Virgen se muestra como madre, abandona el frontalismo e inclina
el cuerpo a un lado para contemplar a su hijo. También adquieren importancia las Vidas de
santos.
En general, las figuras tienden a la humanización, por influencia de las ideas franciscanas
sobre la humanización de Cristo, y buscan conmover a los fieles, y no tanto sobrecogerlos
con imágenes poderosas y solemnes, como ocurría en el románico.
La novedad más acusada en el aspecto formal es el naturalismo y se pierde el simbolismo
del románico: las figuras tienen movimiento, los pliegues de sus túnicas caen y se rizan
como paños reales, los personajes expresan sentimientos y emociones; todo el mundo que
les rodea está fielmente representado: vestidos, joyas, muebles, enseres. Hasta la
vegetación deja de ser abstracta y representa especies precisas: roble, haya, etc.
3.2 Difusión de la escultura gótica
Durante el gótico se da una producción excepcional en Francia, Alemania e Italia. En los
siglos XII y XIII, el norte de Francia difunde por toda Europa la nueva escultura de los
pórticos de sus catedrales. Alemania, Inglaterra y España imitan los modelos franceses;
Italia se resiste, aferrada a sus tradiciones clásicas.
Francia. Marca las pautas escultóricas. La gran labor de los escultores franceses del siglo
XIII es la decoración de las portadas de las grandes catedrales de Chartres, París, Amiens
y Reims. El naturalismo que caracteriza el gótico se va haciendo más patente a medida que
avanza el siglo XIII.
La puerta de la nave central del transepto sur,
es conocida como “Puerta Dorada de Amiens”,
pues en un tiempo estuvo dorada. Es la más
antigua de las tres portadas y está dedicada a la
Virgen. Hay una figura de la Virgen con el niño
en el parteluz (inspirada en la Virgen del
parteluz de la puerta norte de la catedral de
París). Tiene un tímpano muy vertical dividido en
pisos. Encontramos dos estilos: El de la zona
superior, muy expresivo y movido. Son
personajes pequeños que poco a poco van
aumentando de volumen según se asciende; y el
de la zona inferior, más clasicista, a la altura de
los grandes maestros.
En el primer dintel se representa la
misión del apostolado enviados a predicar el
evangelio una vez muerto Cristo, vemos seis apóstoles a cada lado. En el parteluz la figura
de la virgen conocida como Virgen Dorada de Amiens; vemos a la Virgen madre,
contemplando al niño, que también mira a la madre mientras juega con un orbe. Alrededor
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de la Virgen encontramos tres ángeles que la acompañan y la ayudan a ponerse la corona. Ya
no es una Virgen rígida; es una joven madre que contempla a su hijo.
Es en la Catedral de Reims donde la escultura gótica alcanza la madurez del estilo,
concretamente los grupos escultóricos de la jamba derecha de la fachada occidental, donde
se representan los temas de la Anunciación y la Visitación. Las figuras fueron ejecutadas
entre 1230 y 1260. Las estatuas se liberan de su condición de soporte arquitectónico y se
presentan prácticamente exentas. La Anunciación, compuesta por la Virgen y el ángel
sonriente, insinúa el movimiento a partir de la gesticulación de los brazos. Los rasgos de
María carecen de expresión; sus vestiduras, de modelado superficial y pliegues rectos y
angulosos, subrayan la verticalidad. El grupo de la Visitación representa el encuentro de
María e Isabel embarazadas, de gran dinamismo que nos remite a la Antigüedad. Ambas
mujeres comparten la postura clásica del contrapposto; sus cabezas se inclinan y sus manos
gesticulan; los rostros son expresivos y diferenciados; los ropajes, modelados y de pliegues
profundos, envuelven los cuerpos, que se adivinan bajo la ropa. Ambas figuras se relacionan
entre sí.
La Anunciación y la Visitación. Estatuas-columnas de Reims
Alemania. Realiza una interpretación libre de los modelos franceses. Sus portadas, parcas
en decoración, relegan la escultura al interior de la iglesia y la liberan de la arquitectura.
Su escultura se caracteriza por la intensidad emocional y la expresividad. Destacan los
grupos escultóricos de las catedrales de Naumburgo y Bamberg.
Italia. Continúa la influencia de los modelos clásicos que preludian lo renacentista. La
escultura, tradicionalmente desligada de la arquitectura, exhibe un rico lenguaje expresivo
en púlpitos y puertas de bronce. Nicolás y Giovanni Pisano destacaron en la talla de púlpitos
en Pisa. Andrea Pisano hizo las primeras puertas del baptisterio de Florencia.
España. Los modelos escultóricos franceses penetraron en la España del siglo XIII gracias
a las relaciones políticas y culturales que la monarquía castellana estableció con la francesa.
Fue en Burgos y en León donde nacieron dos talleres que respondían a las directrices de los
maestros franceses que llegaban del país vecino.
En la catedral de Burgos trabajó un maestro francés de Amiens, cuya obra se caracteriza
por figuras solemnes e idealizadas y temas algo arcaizantes como el Pantocrátor con los
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Tetramorfos, que había sido muy común en el románico y que ocupa la Portada del
Sarmental. En el tímpano aparece una representación del Pantocrátor, iconografía
típicamente románica y que será poco frecuente en el gótico. Junto a él aparecen los
evangelistas representados según los símbolos tradicionales (león, águila, buey y ángel) y
además como copistas medievales. Los otros temas representados en la portada son reyes y
profetas en las jambas: apóstoles en el dintel, los ancianos del Apocalipsis en las
arquivoltas junto a algunas imágenes de las artes liberales que se enseñaban entonces en la
Universidad, y ángeles. En el parteluz aparece la figura del obispo Mauricio, que inició las
obras de la catedral, y sobre él se encuentra el Cordero. El estilo, lleno de dignidad y
majestuoso, recuerda a las figuras de la catedral de Amiens, y por eso esta portad está
atribuida a un maestro anónimo de esta ciudad francesa. El autor demuestra un cierto
apego a la iconografía arcaica al tomar como tema principal el Pantocrátor, pero también
una capacidad de observación propia del talante gótico.
Portada de El Sarmental. Burgos Detalle del tímpano.
La catedral de León tiene asimismo influencia de Reims en su naturalismo y elegancia. Su
triple portada es un auténtico poema escultórico, realizado por varios autores. Esta
portada principal es conocida como la de “La Virgen Blanca”. En el tímpano y el dintel se
representa el Juicio Final; Cristo aparece enseñando las llagas, en un gesto conmovedor
diferente a la grandiosa majestad del Pantocrátor románico. Los bienaventurados se
encaminan a la puerta del paraíso al son de un órgano. Las portadas laterales representan
escenas de la infancia de Jesús y la dormición de María. En el parteluz se sitúa la Virgen
Blanca, una bellísima talla, muy naturalista. Se trata de una Virgen humanizada con el Niño
en brazos.
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Portada catedral de León Detalle de la Virgen Blanca del parteluz
En el siglo XIV y principios del siglo XV, el centro escultórico se traslada a la Corona de
Aragón, donde destacan los retablos y sepulcros.
En el siglo XV , se inicia una fase barroquizante con influencias flamencas y borgoñonas. En
Toledo, Egas Cueman realiza la Puerta de los Leones de la Catedral de Toledo. Gil de Siloé
esculpe la Portada del Colegio de San Gregorio de Valladolid.
4.- La pintura gótica
Supone un cambio radical respecto a la románica:
- La reducción de los muros de las iglesias (excepto en Italia), que tiende a ser
sustituido por vidrieras, determina la paulatina desaparición de la pintura mural; sin
embargo se desarrolla el retablo de madera policromada, que en España adquiere
dimensiones gigantescas.
- Se desarrolla la técnica al temple (con el huevo como aglutinante); y, a partir de los
primitivos flamencos, el óleo.
- La pintura gótica persigue un mayor naturalismo, expresión y humanidad,
abandonando progresivamente los fondos neutros que son sustituidos por paisajes o
arquitecturas.
Pero, no podemos hablar de características generales sino de escuelas representativas:
▪Franco-gótica, siglo XII. Concede todavía importancia a la línea y el dibujo, los tonos son
planos y sin volumen. Destacan las miniaturas.
▪Italo-gótica (Trecento). El siglo XIV es el siglo en el que la pintura italiana comienza a
presentar rasgos que anuncian el Renacimiento. Destacan dos escuelas: la de Siena con
pintores como Duccio y Simone Martini, y la escuela de Florencia que tiene en Giotto su
máximo representante y a la que también pertenece Cimabue.
Giotto se formó en el taller de Cimabue, al que supera como pintor. Fue también arquitecto,
escultor, tejedor y poeta. Por su lenguaje pictórico marca una revolución en la historia de la
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pintura, ya que su estilo muestra un alejamiento de la pintura de tradición bizantina italiana
(fondos dorados, simetría, personajes planos), mediante los siguientes recursos:
- introducción del paisaje, que sustituye al fondo dorado típico del gótico italiano.
- individualización de los rostros y estudio anatómico de los personajes. Volumen.
- expresión de los sentimientos
- búsqueda de la plasmación de la realidad.
- interés por la representación de la luz y del espacio tridimensional.
Es un pintor de frescos, más que de tablas, y en ellos expresa personajes llenos de
elocuencia, visible en los ropajes y los gestos; y gran importancia del dibujo y
representación de las expresiones.
Supuso una gran avance en cuanto que sus temas son de un gran naturalismo y realismo
influido por el espíritu franciscano (que propugnaban un retorno a los valores presentes en
la naturaleza); e introdujo innovaciones técnicas al usar ciertas sustancias a la hora de ligar
los colores que le permitían que éstos fueran más vivos y claros.
Giotto es considerado el artista que marca el cambio, al alejarse de los estilos bizantino y
gótico para adentrarse en el Renacimiento. De todos modos, Giotto mantuvo algunos
elementos tradicionales como los ojos almendrados y el uso del pan de oro en las aureolas
de las figuras. Entre sus temas favoritos se encuentran escenas de la vida de la Virgen y la
Pasión de Cristo y escenas de la vida de San Francisco.
A lo largo de su vida, Giotto trabajó para las altas jerarquías de su tiempo, tanto laicas
como eclesiásticas. Según los documentos, parece que trabó amistad con sus clientes. Entre
esa clientela destaca el Papado, la orden franciscana, el rey de Nápoles, banqueros
florentinos, y el señor de Padua. Esta relación entre Giotto y sus clientes preludia ya la
figura del mecenas renacentista y su vínculo con el artista, lo que evidencia que Giotto, en
este aspecto, también se muestra innovador respecto a la edad media.
Llevó a cabo la decoración de la Basílica de Asís. Entre 1290 y 1295 pinta al fresco
historias bíblicas en la parte alta de los muros, que se consideran obras de juventud del
pintor; de 1297 al 1299 realiza el ciclo de los frescos inspirados en la leyenda franciscana
en la misma iglesia.
Giotto. Frescos de la basílica de Asís. San Francisco entrega su capa. Basílica de Asís
Entre 1303 y 1305 pintó los frescos de la capilla de los Scrovegni (en la iglesia de la Arena)
en Padua, con episodios de la vida de Cristo, la Virgen y del Juicio Universal, que
constituyen la obra cumbre de su pintura y el periodo de madurez.
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Resurrección de Lázaro. Capilla de los Scrovegni. El beso de Judas
Huida a Egipto El llanto sobre Cristo muerto
A la época de Padua pertenece también la Virgen del Museo de los Uffizi (Florencia).
Posteriormente, entre otros trabajos, realiza las pinturas de la capilla de Santa Croce de
Florencia.
Madonna de los Uffizi La vida de San Francisco. Capilla Santa Croce. Florencia
▪Estilo internacional, en el siglo XV, es un estilo ecléctico, fusión de los dos anteriores.
▪Pintura flamenca (primitivos flamencos), del siglo XV.
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Hacia el 1400 en las ciudades de Flandes y tierras limítrofes desarrollan una gran actividad
artesanal y comercial con importantes consecuencias económicas. La burguesía es sólida y la
organización gremial adquiere un extraordinario vigor. Los artistas son numerosos y se
agrupan también en gremios que exigen a sus miembros una completa preparación técnica.
La clientela de estos pintores se nutre de encargos de la aristocracia, la iglesia y de la
burguesía que encuentra muy seductora la alta ejecución.
Aquí surge y se consolida una escuela pictórica de extraordinaria calidad, “los primitivos
flamencos”.
Desde un punto de vista técnico, la pintura flamenca está realizada mayoritariamente al
óleo sobre tabla, en la que los pigmentos se diluyen en aceite. En esta técnica, que ya se
conocía y ahora se perfecciona, la pasta se aplica con pinceles muy finos y plumillas que
permiten una ejecución minuciosa y detallista y los cuadros ganan en color, luz y juegos de
transparencia.
El gusto por el detalle es otra de sus características. Los artistas flamencos se recrean
en los detalles: cabellos, pétalos de flores, letras de los libros, joyas, bordados, usando
para ello pinceles finísimos, con un dibujo de alta precisión.
Se trata de una pintura realista, tanto en el tratamiento de los personajes, que son
auténticos retratos, como en las calidades de los objetos.
Pintan retratos, en lugar de representar tipos faciales genéricos, reproducen de forma muy
realista los rasgos que individualizan a cada personaje. Incluso aparece la figura del
donante, persona que encarga el cuadro y se incluye como devoto en la escena religiosa.
Predominan los temas de carácter religioso, pero dejan atrás los convencionalismos
medievales (halos luminosos, jerarquización de las figuras) y ambientan los temas religiosos
en el interior de casas burguesas donde reflejan los más ínfimos detalles de la vida
cotidiana y detalles secundarios (perro, zapatos) que frecuentemente tienen un simbolismo
(por ejemplo el perro= fidelidad, lirios=virginidad, vela encendida=presencia divina, ventana
triple=Trinidad, etc). Ello se debe a la creencia de que Dios está presente en todo lo creado
y, lo sagrado se puede hallar también en los objetos cotidianos.
Fueron auténticos maestros en el estudio de la luz. Cuando la escena ocurre en un interior,
suele haber una ventana por la que entra la luz que ilumina la estancia y refleja en los
objetos. En el exterior muestran su interés por el paisaje.
Los principales representantes de esta escuela son:
- Los hermanos Hubert y, sobre todo, Jean van Eyck. Éste procede de la zona de
Limburgo, famosa por la pintura de miniaturas. Su formación como miniaturista resulta
evidente dado el carácter preciosista de su pintura. Además de realizar labores
diplomáticas para el duque de Borgoña, redescubre la pintura al óleo. Tras su matrimonio se
establece definitivamente en Brujas donde recibe numerosos encargos y tiene renombre
como pintor. Su arte es conceptual, cargado de signos y de símbolos, complejo, difícil de
desentrañar, cuidadoso en el detalle hasta un punto no alcanzado por los demás. Mostró
gran interés por la perspectiva. Principales obras: Políptico del cordero místico (1432, junto
con su hermano), El matrimonio Arnolfini, la Virgen del canciller Rolin , la Virgen del
canónigo van der Paele y El hombre con turbante rojo.
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Políptico del cordero místico. Óleo sobre tabla El matrimonio Arnolfini. Óleo sobre tabla
La Virgen del canciller Rolin. Óleo sobre tabla La Virgen del canónigo van der Paele. Óleo sobre tabla
- Roger van der Weyden. Dentro de esta escuela, introduce el movimiento y el sentido
dramático en sus composiciones en obras como el Descendimiento, pintado hacia 1438. La
escena está concebida como si reprodujera un conjunto escultórico policromado del que el
pintor copiara incluso las tracerías y el fondo dorado del espacio en el que estuviera
incluido. La composición se desarrolla en primer plano y, cara al espectador, con todo el aire
de ser un auto o representación sacramental. Los cuerpos de María Magdalena, a la
derecha, y de san Juan Bautista, a la izquierda, cierran la escena y centran la atención en el
cuerpo de Cristo, en el que se refleja crudamente y de forma realista la Pasión. El cuerpo
de la Virgen repite la misma postura que el de su Hijo y recuerda a los fieles el dolor de la
Madre de Dios, uno de los temas devotos de la época.
El descendimiento. Óleo sobre tabla
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- El Bosco. Pintor de origen holandés vivió en el tránsito del siglo XV al XVI. Descendía de
una familia de pintores y en vida ya gozó de popularidad. Varias de sus obras se encuentran
en España por el interés que en ellas mostraron los monarcas españoles. Es una de las
personalidades más originales de la pintura flamenca, por su sentido de la forma y por su
visión tan personal de la naturaleza. Dotado de una ardiente imaginación, su colorido es
fogoso y los efectos luminosos sorprendentes. Su pintura muestra una posición de protesta
contra los temas y las formas habituales de su tiempo. Cronista caricaturesco es de una
sinceridad aplastante. Su ironía muestra placer en la fantasía, lo que se contrapone al
carácter realista de la pintura flamenca. Para expresar se sirve de lo monstruoso, de seres
fantásticos, mezcla de hombres, animales y objetos; deforma el rostro de sus personajes
para indicar ambición y malicia. Fue también formidable paisajista. Entre sus obras
destacan El jardín de las delicias y El carro de heno.
El carro de heno. Tríptico de El Jardín de las delicias. Óleo sobre tabla.
Otros autores flamencos son Robert Campin (maestro de Flemalle), Gerard David, Hans
Memling y Joaquín Patinir.
La pintura gótica valenciana.
El Reino de Valencia no fue ajeno a las corrientes pictóricas anteriores y ya desde los
tiempos de la conquista podemos encontrar muestras de interés. El propio Jaime I dotó de
obras tanto a la catedral como a algunos monasterios. A esta época primitiva corresponden
pinturas sobre tabla que reproducen un modelo iconográfico de fuerte impronta
italobizantina, como es el caso de la Virgen de Monteolivete; también pintura mural,
vinculadas al gótico lineal, como las de San Félix de Játiva y la iglesia de la Sangre de Liria,
que denotan influencias de la miniatura, de gran dinamismo y expresividad y con una
ejecución un tanto ingenua, delimitada por contornos lineales en negro y colores vivos sobre
fondos habitualmente monocromos.
La influencia italiana es palpable desde mediados del siglo XIV por los autores vinculados a
Barcelona ( Llorenç Saragossà, Jaume Serra) que introducen de forma indirecta el
italianismo en Valencia. De los talleres valencianos se conservan pocos datos que permitan
identificar a sus autores, si bien destaca el conjunto de obras asociado al llamado maestro
de Villahermosa.
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Después de superar la crisis que afectó al reino a mediados del siglo XIV, la Valencia del
siglo XV es la ciudad más activa de la Corona de Aragón. Se convirtió en un centro pictórico
importante del gótico internacional capaz de atraer a artistas de Alemania (Marçal de Sax)
o de Italia (Gherardo Starnina). De Marçal de sax se conoce su obra la Duda de Santo
Tomás, de una expresividad que raya en la deformación. A Starnina corresponde,
supuestamente, el retablo de Fray Bonifaci Ferrer, en el que muestra un italianismo muy
acusado.
En el estilo internacional, Valencia produce también miniaturas, entre las que destacan el
Libro de Horas de Alfonso el Magnánimo (de Leonard Crespí) o el Breviario del rey Martín,
de rica policromía y refinamiento ornamental.
En la segunda mitad del siglo XV, la pintura flamenca gozó de gran predicamento, tanto por
la presencia de artistas de aquellas tierras (probable estancia de Van Eyck) como por
valencianos que visitaron Flandes; éste es el caso de Lluís Dalmau, pintor nacido en Valencia
que trabajó al servicio del rey Alfonso el Magnánimo quien lo envió a Flandes en 1431. Este
hecho influyó decisivamente en su pintura , pues allí conoció a Van Eyck. Entre sus obras
destaca la Virgen de los Consellers (Verge dels Consellers).
Es así como se introdujeron la pintura al óleo y el realismo del norte, que dejó tanta huella
en los retablos de los maestros de Bonastre, San Lucas y Segorbe o en el binomio
Jacomart-Reixach.
Lluís Dalmau. Virgen de los Consellers. Óleo sobre tabla
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